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Peter Benoit

(Harelbeke, 17 augustus 1834 - Antwerpen, 8 maart 1901)

De Schelde

(1867-1868)

Peter Benoit begon de compositie van zijn ‘romantisch-historisch oratorium’ De Schelde enkele weken vóór zijn officiële aanstelling als directeur van de Antwerpse stedelijke muziekschool (het latere Koninklijk Vlaams Conservatorium). Voor het libretto werkte hij samen met de schrijver Emanuel Hiel (1834-1899) die hem ook de teksten leverde voor de cantate Lucifer (1866), het zangspel Isa (1867), de cantate Hymnus aan de schoonheid (1882) en voor vele liederen en koren.

Benoit voltooide het eerste deel van het oratorium op 17 november 1867, de allerlaatste maatstreep trok hij op 20 oktober 1868.

Het oratorium is volgens een klassieke drieledigheid opgebouwd, waarbij een tijdsverloop wordt gesuggereerd: avond – nacht – morgen. Elk deel is doorgecomponeerd.

Het eerste deel is poëtisch en idyllisch en speelt zich in een avondlijk, arcadisch Scheldelandschap af. Het opent met een sfeerscheppende symfonische prelude in E grote terts, die begint met de ‘Schelde-akkoorden’. Na de orkestinleiding zingt de dichter de Schelde toe: ‘O Schelde, ik heb uw stem gehoord / ze zingt een lustig lievend woord.’ Daarna komt een verliefd koppeltje aan het woord dat het hele werk door figureert en op de gebeurtenissen reageert. Zij gaan op de Schelde spelevaren, onder begeleiding van een ‘vaarman’, een Mefistofele-achtige schipper. Daarnaast is er een koor van landlieden die de liefde en de zonsondergang bezingen.

Waar het openingsdeel een zorgeloze romantische sfeer- en natuurevocatie is, zorgt het tweede deel voor meer dramatiek. Na enkele orkestrale beginmaten en de opening door de dichter wordt de nachtelijke Schelde het decor waartegen het verleden van Vlaanderen – overheersing en vrijheid – wordt geborsteld met historische figuren als de Gentse volksleider Jacob van Artevelde (ca. 1290-1345), de boerenleider Zannekin (?-1328) en Willem van Oranje (1533-1584) die de Zuidelijke Nederlanden verdedigde tegen de Spaanse overheersing. (Het arioso van Artevelde is bijzonder geïnspireerd en origineel en werd soms als afzonderlijk stuk opgevoerd.) Een dubbel mannenkoor stelt de strijders voor die het in een ‘reuzenslag voor volk en vaderland’ tegen elkaar opnemen: de Klauwaerts tegen de Leliaerts, de Geuzen tegen de Spanjaarden. Ondertussen slaat het koppeltje de veldslagen in grote angst gade. Met dramatisch optredende koorgroepen en een ontketend orkest schildert Benoit hier een pandemonium dat de slagveldscènes uit zijn oratorium De Oorlog aankondigt. Dit dramatische en contrastrijke middendeel sluit af met een daverend Wilhelmus, het Nederlandse volkslied, dat Benoit op verschillende plaatsen en in verschillende bewerkingen gebruikt.

Het derde deel, dat zich op een frisse zomermorgen afspeelt, opent met de ‘Schelde-akkoorden’ en opnieuw is het de dichter die eerst het woord neemt. In de stroom ziet hij het ‘beeld van de mensheid’ weerspiegeld. Terwijl het koppeltje van de emoties bekomt, passeren die beroepsgroepen de revue die op of langs de Schelde hun brood verdienen: matrozen, vissers, landbouwers, scheepslui, kooplieden en nijveraars. De dichter heeft het woord gelaten aan de kunstenaar die de schoonheid als helend middel voorstelt. (De dichter en de kunstenaar, die alleen in het laatste deel optreedt, wordt steeds door dezelfde bariton gezongen. Het ligt voor de hand om in deze twee figuren de personificatie van beide auteurs te zien.) Ondertussen roepen in de stad de klokken op tot het feest; iedereen gaat aan wal en laat de Schelde achter zich. In het fugatische slotkoor wordt de Schelde voorgesteld als de ‘stroom van de liefde’ die tot nut van iedereen door het vrije vaderland kronkelt.

De Schelde kadert helemaal in het romantisch nationalisme waarbij kunstdisciplines, in casu muziek en poëzie, een identiteitsvormende en veelal ook een didactisch-moraliserende functie hadden. Door het gebruik van historische figuren, periodes en evenementen werd een gemeenschappelijk roemrijk verleden geconstrueerd, dat voor een gemeenschappelijke identiteit moest zorgen. Het opvoeren van Willem van Oranje, het herhaaldelijke gebruik van het Wilhelmus en het in het slotvers gelijkstellen van ‘vrije vaderland’ met Nederland maken duidelijk dat Benoit en Hiel hier niet alleen cultuurflamingantische intenties hadden, maar ook hun orangistische sympathieën wilden ventileren. Tegelijkertijd streelden de auteurs ook het Antwerps stedelijk chauvinisme. Met De Schelde bezingt Benoit de levensader van Antwerpen, de stad waarin hij sinds zijn benoeming tot directeur woonde.

Sinds op 16 juli 1863 de Nederlandse tolheffing op de Schelde was afgekocht, kon de metropool zich als havenstad sterk ontwikkelen.

De creatie vond op 22 februari 1869 plaats in het Antwerpse Théâtre français (de huidige Bourlaschouwburg) dat tot de nok gevuld was. Benoit, die de creatie dirigeerde, had uitstekende zangers ter zijner beschikking met twee toen nog jonge zangers die de volgende decennia zijn composities dikwijls zouden uitvoeren, met name de sopraan Valentine Degive-Ledelier (1846-1912), een leerlinge van zijn muziekschool, en de fameuze bariton Emiel Blauwaert (1845-1891). Voor het koor kon hij een beroep doen op meer dan tweehonderd zangers van de Antwerpse muziek- en concertvereniging Société de Musique. De première was bijzonder succesvol: al na het tweede deel kreeg Benoit een staande ovatie.

Het is duidelijk dat een dergelijk romantisch-nationalistisch werk, met een geslaagde combinatie van historisch-heroïsche taferelen en lyrische passages het publiek wist te beroeren. Daar kwam Benoits talent voor melodieën bovenop. Zo gebruikt hij in De Schelde een melodie – duidelijk gebaseerd op en geïnspireerd door het Wilhelmus – die daarna door het publiek werd geadopteerd. Met een andere tekst van Hiel (‘Waar Maas en Schelde vloeien’) werd dit Lied der Vlamingen bijzonder populair.

Na de bijzonder succesvolle creatie werd het werk, dat toch grote middelen vroeg, dat zelfde jaar nog drie keer uitgevoerd: op 7 maart en 11 april in Brussel en tijdens de zomer was er een ‘volksopvoering’ in Antwerpen. Het oratorium werd tijdens Benoits leven minstens zeventien keer uitgevoerd, waarvan drie keer in Nederland (in 1882 in ’s Gravenhage o.l.v. W.F.G. Nicolai, in 1884 in Rotterdam o.l.v. Benoit en in 1890 in Haarlem met het Concertgebouworkest o.l.v. Robert). Ook na Benoits dood bleef De Schelde een van zijn populairste werken.

Bovendien werd het oratorium ook opgemerkt door vooraanstaande binnen- en buitenlandse musicologen. Charles Van den Borren schreef in 1942: ‘L’Escaut est peut-être, parmi les oratorios du maître, celui dans lequel il s’est livré lui-même avec plus d’amour. L’inspiration y est presque partout originale et par là-même riche en apports plutôt surprenants pour l’époque. (…) Au total, loin d’avoir vieilli, le second oratorio de Peter Benoit a conservé, tout au moins dans ses meilleures parties, la fraîcheur indélébile des œuvres conçues et réalisées sous l’empire d’un idéal auquel on croit avec la ferveur d’une noble conviction.’

Hermann Kretzschmar, een van de prominentste Duitse musicologen van zijn tijd en een niet onverdienstelijk dirigent, omschreef in zijn Führer durch den Konzertsaal (1890) Benoit als een van de interessantste componisten van profane oratoria buiten Duitsland: ‘Das weltliche Oratorium ist bis zur Stunde noch ein wesentlich deutsches Produkt. Von den ausländischen Tonsetzern, die den Versuch mit aufgenommen haben, erregt Peter Benoit in Antwerpen das Hauptinteresse. Seine Werke, unter denen “Die Schelde” das bedeutendste ist, vertreten zum ersten Male in einem großen, von neu-deutschen Elementen durchdrungenen Stile eine national-flämische Musikrichtung; technisch als eigenartige Erscheinung kennenswert, menschlich erfreulich als Beweise, daß auch die Tonkunst den geistigen Bewegungen in Zeit und Volk zu folgen und zu dienen vermag. Doch ist Benoit außerhalb seiner Heimat unbeachtet geblieben.’

En de musicoloog Alfred Schering, een leerling van Kretzschmar, ruimt in zijn Geschichte des Oratoriums (1911) veel plaats in voor Benoit die hij als een modern en origineel componist kwalificeert die vroeger dan in Engeland en Duitsland doorgecomponeerde oratoria schreef: ‘Wozu man sich in England und z.t. auch in Deutschland erst nahezu zwanzig Jahre später entschloß, nämlich zum Durchbrechen der Nummernwirtschaft, zur Annahme des frei über dem Orchester dahindeklamierten Rezitativs und des Leitmotivs, das hat Benoit schon hier versucht, und zwar in durchaus natürlicher, hervorragend geschickter Weise.’

Jan Dewilde

Herdruk van een kopie uit de bibliotheek van het Koninklijk Vlaams Conservatorium van Antwerpen. Voor het orkestmateriaal, gelieve u te wenden tot de bibliotheek van het Koninklijk Vlaams Conservatorium. Deze partituur werd gepubliceerd in samenwerking met het Studiecentrum voor Vlaamse Muziek (www.svm.be).

Peter Benoit

(Harelbeke, 17. August 1834 - Antwerpen, 8. März 1901)

De Schelde

(1867-1868)

Peter Benoit begann die Komposition seines „romantisch-historischen“ Oratoriums Die Schelde einige Wochen vor seiner offiziellen Anstellung als Direktor der Antwerpener städtischen Musikschule (des späteren Königlich Flämischen Konservatoriums). Das Libretto lieferte ihm der Schriftsteller Emmanuel Hiel (1834-1899), der auch die Texte der Kantate Lucifer (1866), des Singspiels Isa (1867), der Kantate Hymnus aan de Schoonheid (1882) und vieler seiner Lieder und Chöre schrieb. Benoit vollendete den ersten Teil des Oratoriums am 17. November 1867, den allerletzten Taktstrich zog er am 20. Oktober 1868.

Das Oratorium hat eine klassische dreiteilige Struktur, wodurch ein Ablauf in der Zeit suggeriert wird: Abend – Nacht – Morgen. Alle drei Teile sind durchkomponiert.

Der erste Teil ist poetisch und idyllisch. Er spielt in einer abendlichen, arkadischen Scheldelandschaft und wird von einem stimmungsvollen symphonischen Präludium in E-Dur eröffnet, das mit den ‚Schelde-Akkorden‘ beginnt. Nach dem Orchestervorspiel besingt der Dichter die Schelde: „O Schelde, ich hab‘ deine Stimme gehört / sie singt ein fröhliches Liebeswort.“ Danach kommt ein verliebtes Paar zu Wort. Es ist das ganze Werk hindurch anwesend und kommentiert die Geschehnisse. Die beiden jungen Leute machen eine Bootsfahrt auf der Schelde, begleitet von einem „Fergen“, einem etwas unheimlichen Schiffer. Außerdem tritt ein Chor von Landleuten auf, der die Liebe und den Sonnenuntergang besingt.

Während der erste Teil eine unbeschwerte romantische Stimmungs- und Naturschilderung ist, bringt der zweite Teil mehr Dramatik ins Spiel. Nach einigen orchestralen Einleitungstakten und der Eröffnung durch den Dichter wird die nächtliche Schelde zur Kulisse, vor der die Vergangenheit Flanderns – Unterdrückung und Freiheit – mit historischen Gestalten wie dem Genter Volksanführer Jacob van Artevelde (ca. 1290-1345), dem Bauernführer Zannekin (?-1328) und Wilhelm von Oranien (1533-1584), der die südlichen Niederlande gegen die spanische Herrschaft verteidigte, sich entfaltet. (Das Arioso von Artevelde ist besonders inspiriert und originell und wird auch als selbständiges Stück aufgeführt.) Ein doppelter Männerchor verkörpert die Kämpfer, die sich in einer „Riesenschlacht für Volk und Vaterland“ gegenüberstehen: die ‚Klauwaerts‘ (Flamen) gegen die ‚Leliaerts’ (Franzosen), die Geusen gegen die Spanier. Unterdessen beobachtet das Pärchen die Kämpfe voller Angst. Mit dramatisch hervortretenden Chorgruppen und einem entfesselten Orchester schafft Benoit hier ein Pandämonium, das bereits die Schlachtszenen aus seinem Oratorium De Oorlog (Der Krieg) ankündigt. Dieser dramatische und kontrastreiche Mittelsatz schließt mit dem tosenden Wilhelmus, der niederländischen Nationalhymne, die Benoit an verschiedenen Stellen und in allerlei Bearbeitungen einsetzt.

Der dritte Teil, der sich an einem frischen Sommermorgen abspielt, beginnt mit den „Schelde-Akkorden“, und wieder ist es der Dichter, der als erster das Wort ergreift. In der Widerspiegelung des Strome sieht er „das Bild der Menschheit“. Während die heftigen Gefühle des Pärchen sich allmählich beruhigen, ziehen die Berufsgruppen vorbei, die auf oder an der Schelde ihr Brot verdienen: Matrosen, Fischer, Landleute, Schiffer, Kaufleute und Händler. Der Dichter überlässt dem Künstler das Wort, der die Schönheit als Heilmittel rühmt. (Der Dichter und der Künstler, der allein im Schlussteil auftritt, werden immer von demselben Bariton gesungen. Es liegt auf der Hand, in diesen beiden Gestalten eine Personifizierung der zwei Autoren zu sehen.) Unterdessen rufen in der Stadt die Glocken zum Fest; alle kommen ans Ufer und ziehen stadteinwärts. In dem fugierten Schlusschor wird die Schelde als ‚Strom der Liebe‘ bezeichnet, der zum Nutzen aller durch das freie Vaterland fließt.

Die Schelde passt ganz und gar in den Rahmen des romantischen Nationalismus, in dem Kunstrichtungen, in diesem Fall Musik und Poesie, eine identitätsbildende und oft auch didaktisch-moralisierende Funktion hatten. Durch die Einbeziehung historischer Figuren, Perioden und Geschehnisse wurde eine gemeinsame, ruhmreiche Vergangenheit kon-struiert, die eine gemeinschaftliche Identität schaffen sollte. Das Erscheinen von Wilhelm von Oranien, die wiederholte Anwendung des Wilhelmusliedes und, im letzten Vers, die Gleichstellung des „freien Vaterlands“ mit Niederland (Holland) zeigen an, dass Benoit und Hiel nicht nur kulturell von der flämischen Idee überzeugen wollten, sondern auch ihre orangistischen Sympathien zum Ausdruck bringen wollten. Gleichzeitig schmeichelten die Autoren auch dem städtischen Chauvinismus Antwerpens. In Die Schelde besingt Benoit die Lebensader von Antwerpen, der Stadt, in der er seit seiner Anstellung als Direktor wohnte. Nachdem am 16. Juli 1863 der holländische Scheldezoll getilgt worden war, konnte sich die Metropole als Hafenstadt stark entwickeln.

Die Uraufführung fand am 22. Februar 1869 im ausverkauften Antwerpener Theâtre français (dem heutigen Bourla-Theater) statt. Benoit, der die Aufführung dirigierte, verfügte über eine hervorragende Solistenbesetzung, mit zwei damals noch jungen Sängern, die in den folgenden Jahrzehnten seine Kompositionen oft aufführen sollten, nämlich die Sopranistin Valentine Degive-Ledelier (1846-1912), Schülerin seiner Musikschule, und den phänomenalen Bariton Emiel Blauwaert (1845-1891). Als Chor standen ihm mehr als zweihundert Sänger der Antwerpener Musik- und Konzertvereinigung Société de Musique zur Verfügung. Die Premiere war besonders erfolgreich: Schon nach dem zweiten Teil bekam Benoit eine stehende Ovation.

Es ist überdeutlich, dass ein dermaßen romantisch-nationalistisches Werk, mit seiner gelungenen Kombination von historisch-heroischen Szenen und lyrischen Passagen, das Publikum ansprechen musste. Dazu kam noch Benoits Talent für Melodien. So verwendete er in Die Schelde eine Melodie – ganz offensichtlich verwandt mit und inspiriert durch das Wilhelmus – die sich das Publikum danach aneignete. Mit einem anderen Text von Hiel („Wo Maas und Schelde fließen“) wurde es als Lied der Flamen besonders populär.

Nach der außerordentlich erfolgreichen Uraufführung wurde das Werk, das doch großen Aufwand erforderte, in demselben Jahr noch dreimal aufgeführt: Am 7. März und 11. April in Brüssel. Im Sommer gab es noch eine ‚Volksaufführung‘ in Antwerpen. Zu Benoits Lebzeiten wurde das Oratorium mindestens siebzehnmal aufgeführt, davon dreimal in Holland (1882 in ‘s Gravenhage unter der Leitung von W.F.G. Nicolai, 1884 in Rotterdam unter Benoit, und 1890 in Haarlem mit dem Concertgebouw Orchester). Auch nach Benoits Tod blieb Die Schelde eines seiner beliebtesten Werke.

Ausserdem erregte das Oratorium auch das Interesse führender in- und ausländischer Musikologen. Charles Van den Borren schrieb im Jahre 1942: „L’Escaut est peut-être, parmi les oratorios du maître, celui dans lequel il s’est livré lui-même avec plus d’amour. L’inspiration y est presque partout originale et par là-même riche en apports plutôt surprenants pour l’époque. (…) Au total, loin d’avoir vieilli, le second oratorio de Peter Benoit a conservé, tout au moins dans ses meilleures parties, la fraîcheur indélébile des œuvres conçues et réalisées sous l’empire d’un idéal auquel on croit avec la ferveur d’une noble conviction.“

Hermann Kretzschmar, einer der prominentesten deutschen Musikologen seiner Zeit und ein nicht unbedeutender Dirigent, beschrieb in seinem Führer durch den Konzertsaal (1890) Benoit als einen der interessantesten Komponisten weltlicher Oratorien seiner Zeit außerhalb Deutschlands: „Das weltliche Oratorium ist bis zur Stunde noch ein wesentlich deutsches Produkt. Von den ausländischen Tonsetzern, die den Versuch mit aufgenommen haben, erregt Peter Benoit in Antwerpen das Hauptinteresse. Seine Werke, unter denen ‚Die Schelde‘ das bedeutendste ist, vertreten zum ersten Male in einem großen, von neu-deutschen Elementen durchdrungenen Stile eine national-flämische Musikrichtung; technisch als eigenartige Erscheinung kennenswert, menschlich erfreulich als Beweis, dass auch die Tonkunst den geistigen Bewegungen in Zeit und Volk zu folgen und zu dienen vermag. Doch ist Benoit außerhalb seiner Heimat unbeachtet geblieben.“ Und der Musikologe Alfred Schering, Schüler von Kretzschmar, räumt in seiner Geschichte des Oratoriums (1911) viel Platz für Benoit ein, den er als einen modernen und originellen Komponisten qualifiziert, der früher als in England und Deutschland durchkomponierte Oratorien schrieb: „Wozu man sich in England und z.T. auch in Deutschland erst nahezu zwanzig Jahre später entschloß, nämlich zum Durchbrechen der Nummernwirtschaft, zur Annahme des frei über dem Orchester dahindeklamierten Rezitativs und des Leitmotivs, das hat Benoit schon hier versucht, und zwar in durchaus natürlicher, hervorragend geschickter Weise.“

Jan Dewilde (Übersetzung Michael Scheck)

Nachdruck eines Exemplars aus der Bibliothek des Königlich flämischen Konservatoriums Antwerpen. Für das Aufführungsmaterial wenden Sie sich bitte an die Bibliothek des ‘Koninklijk Vlaams Conservatorium‘. Diese Partitur wurde herausgegeben in Zusammenarbeit mit dem Studienzentrum für Flämische Musik (Studiecentrum voor Vlaamse Muziek (www.svm.be).

Peter Benoit

(Harelbeke, 17 August 1834 – Antwerpen, 8 March 1901)

De Schelde

(1867-1868)

Peter Benoit started the composition of his ‘romantic-historic oratorio’ De Schelde a few weeks before his official appointment as director of the Antwerp municipal music school (later upgraded as Royal Flemish Conservatory). For the libretto he collaborated with the writer Emanuel Hiel (1834-1899), who also provided him with texts for the cantata Lucifer (1866), the lyrical drama Isa (1867), the cantata Hymnus aan de schoonheid (Ode to beauty, 1882) and for many songs and choral works. Benoit completed the first part of the oratorio on 17 November 1867, the final bar was finished on 20 October 1868.

The oratorio shows a classical tripartite structure; suggesting a sequence: evening – night – morning. Each part is through-composed.

The first part is poetical and idyllic, set as it is in an Arcadian landscape at the river Scheldt in the evening. It opens with a symphonic prelude in E major creating atmosphere, beginning with the ‘Scheldt chords’. After the orchestral introduction the poet sings to the river: ‘O Scheldt, I have heard your voice / it sings a cheerful lovely word.’ Then a couple of lovers takes over, figuring throughout the whole work and reacting to the events. They go boating on the Scheldt, accompanied by a ferryman, a skipper of the Mephistopheles type. In addition, there is a choir of countryfolk singing the praises of love and of the sunset.

Whereas the opening part offers a worry-free romantic evocation of atmosphere and nature, the second part provides more dramatic potential. After a couple of orchestral opening measures and the opening address by the poet, the nocturnal Scheldt becomes the décor against which the past of Flanders – foreign oppression and freedom – is painted with historical figures such as Jacob van Artevelde, a leader of the people of Ghent (ca. 1290-1345), the peasants’ leader Zannekin (? - 1328) and William of Orange (1533-1584) who defended the Southern Netherlands against Spanish domination. (Artevelde’s arioso is especially inspired and original, resulting sometimes in performances in its own right.) A double male choir presents the warriors who will be pitted against each other in a ‘gigantic battle for the people and the fatherland’: the ‘Klauwaerts’ (Flemings) against the ‘Leliaerts’ (allies of the French), the ‘Geuzen’ (Protestants) against the Spanish (Papists). In the meantime the couple are building up anxiety, watching the battles. With dramatically performing choral groups and an unfettered orchestra Benoit paints a pandemonium that anticipated the battlefield scenes from his oratorio De Oorlog (The War). This dramatic central part, characterized by contrasts, ends with a thunderous Wilhelmus, the Dutch national anthem, which Benoit uses recurrently and in various arrangements.

The third part, set on a fresh summer morning, opens with the ‘Scheldt chords’, and again it is the poet who first addresses the audience. In the river he sees a reflection of the ‘image of humanity’. While the two lovers recover from the emotions, there is a parade of those professional groups who ply their trade on or alongside the Scheldt: sailors, fishermen, peasants, shipbrokers, traders and merchants. The poet has left the floor to the artist who presents beauty as a healing panacea. (The poet and the artist, the latter appearing only in the last part, is always sung by the same baritone. It is self-evident to see in those two figures the personification of both authors.) Meanwhile in the city the carillons call for celebration; everybody goes ashore, leaving the Scheldt behind. In the fugal final choir the Scheldt is presented as the ‘river of love’ which meanders through the free fatherland to the benefit of the entire community.

The Scheldt is steeped in the romantic nationalism in which several artistic disciplines, in casu music and poetry, had an identity-building purpose and often a didactic-moralizing one as well. Through the use of historical figures, periods and events a common glorious past was constructed with a view to providing a shared identity. The high profile of William of Orange, the recurrent use of the Wilhelmus and the equation in the final verse of ‘free fatherland’ with the Netherlands make it clear that Benoit and Hiel did not only have intentions of a culturally inspired Flemish persuasion, but also wanted to air their Orangist political sympathies. Concurrently the authors also flattered the chauvinism of the Antwerpians. With The Scheldt Benoit sings the praises of Antwerp’s lifeline as the epitome of the city where he lived since his appointment as director. The metropolis was in a position to rapidly develop its potential as a seaport ever since the Dutch toll collection on the Scheldt had been redeemed on 16 July 1863.

The premiere took place on 22 February 1869 at the Antwerp Théâtre français (today the Bourla theatre), for a full house. Benoit, who conducted the premiere, had an excellent selection of singers at his disposal, with two young singers who were to perform his compositions frequently in the following decades: the soprano Valentine Degive-Ledelier (1846-1912), a pupil of his music school, and the famous baritone Emiel Blauwaert (1845-1891). For the choir he could rely on the more than two hundred singers of the Antwerp music and concert association Société de Musique. The premiere was a huge success: already after the second part Benoit got a standing ovation.

It is clear that such a romantic-nationalistic work, with a successful combination of historic-heroic scenes and lyrical passages, could move the public. On top of that came Benoit’s talent for melodies. Thus he used in The Scheldt a melody – clearly based on and inspired by the Wilhelmus – which was later embraced by the public. With a different text by Hiel (‘Waar Maas en Schelde vloeien’) this Song of the Flemings became very popular.

After the exceptionally successful premiere the work, albeit very demanding in terms of enabling conditions, was performed three more times: on 7 March and 11 April in Brussels, and during the summer there was a ‘popular performance’ in Antwerp to boot. In Benoit’s lifetime the oratorio was performed at least seventeen times, three of them in the Netherlands (in 1882 in ‘s Gravenhage under the baton of W.F.G. Nicolai, in 1884 in Rotterdam conducted by Benoit, and in 1890 in Haarlem by the Concertgebouworkest). Even after Benoit’s death The Scheldt remained one of his most popular works.

Furthermore, the oratorio was singled out for special consideration by prominent musicologists at home and abroad. Witness Charles Van den Borren’s statement from 1942: ‘The Scheldt is perhaps, among the oratorios of the master, the one in which he bared his heart with the greatest love. Its inspiration is almost always original, and surprises us with rich contributions that are at the cutting edge for that era. (…) Altogether, far from having faded, Peter Benoit’s second oratorio has conserved, at least in its best parts, the indelible freshness that is typical of works conceived and realized in the spirit of an ideal that one believes in with the passion of a noble conviction.’

Hermann Kretzschmar, one of the prominent German musicologists of the epoch and a conductor of stature to boot, described Benoit in his Führer durch den Konzertsaal (1890) as one of the most interesting composers of profane oratorios outside Germany: ‘The profane oratorio is till today still an essentially German product. Among foreign composers who took up the challenge, Peter Benoit in Antwerp draws the most attention. His works, with “The Scheldt” as the most important one, represent for the first time in a grand style, steeped in new-German elements, a national-Flemish musical tendency; technically speaking worth the discovery as a peculiar phenomenon, humanly encouraging as evidence that music is also capable of following and serving the spiritual movements in a particular period and people. Unfortunately, Benoit was never appreciated beyond his country.’

And the musicologist Alfred Schering, a pupil of Kretzschmar, grants in his Geschichte des Oratoriums (1911) pride of place for Benoit, whom he recognizes as a modern and original composer who wrote through-composed oratorios earlier than in England and Germany: ‘What happened in England and partially also in Germany only almost twenty years later, namely the breaking away from the stereotyped number system, for the benefit of the recitative freely declaimed above the orchestra and of the leitmotiv, all those innovations were already pioneered by Benoit, and in a very natural and skilful way.’

Jan Dewilde (translation: Joris Duytschaever)

Reprint of a copy from the library of the Royal Flemish Conservatory in Antwerp. For orchestral material, please go to the Royal Flemish Conservatory. This score was published in cooperation with the Centre for Flemish Music (Studiecentrum voor Vlaamse Muziek (www.svm.be).