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Boris Blacher - Dialog (Dialogue) for flute, violin, piano, and string orchestra (1950)
(b. Pinyin Niúzhuāng, today: Yingkou, 6/19 January 1903 – d. Berlin, 30 January 1975)
I Lento (p. 1) – Allegro (p. 5) – Lento (p. 17)
II Thema & Variationen. Thema. Vivace (p. 19) – Var. 1 (p. 20) – Var. 2. Meno mosso (p. 21) –
Var. 3. Tempo primo (p. 23) – Var. 4. Poco meno (p. 24) – Var. 5. Tempo primo (p. 26) –
Var. 6. Adagio (p. 28) – Var. 7. Tempo primo (p. 29) – Coda (p. 30)
Preface
Hans Heinz Stuckenschmidt (1901-88) opened his Boris Blacher monograph (Berlin, 1985) with the words
„A strong intellect in a delicate figure. Mathematically precise thinking, presented in ironic, sometimes self-ironic turns that tend towards paradox. Great creative potency, effortlessly fast-paced, with a frequent predilection for tricky psychological and compositional problems. Avant-gardism, combined with perfect adaptation to the demands of popular music. A bohemian way of life with concentrated diligence and absolute reliability in fulfilling commissions.“
Stuckenschmidt concluded his reflections with the following words: „In German countries, there is a lot of prejudice against cheerful art. The philosophers who have taken our aesthetics into such strict discipline no longer want to grant artists the right to respond to the tragedy of history in a dancing and joking manner. But the world was no more harmless then, when Aristophanes, Shakespeare and Molière held up the laughing stock, than it is today. Blacher knew the tragedies of his time, including the social ones. In a Requiem of extraordinary rhetoric power, as well as in the ‚Jüdische Chronik‘ (Jewish Chronicle, 1961), collectively written by East and West German musicians, he proved that the tragic basic feeling of great art lived in him. But we want to be grateful that his lucid spirit produced some works of the deep serenity that has become so rare today in the realm of higher spirits. Blacher loved such serenity not only in his personal posture, but also in the artistic forms that bear his face. This face will be unforgettable to all who knew it“.
The Path to Artistic Maturity
Born as the son of a Baltic-German bank director in Yingkou, Manchuria, which is quite close to today‘s North Korea and today belongs to the People‘s Republic of China, he landed with his family in Irkutsk, Siberia, on Lake Baikal after several moves in 1914 after the outbreak of war. In 1919 his father took over a position in Charbin (now Harbin) not far from Vladivostok, where his son Boris wrote arrangements for an emigrant orchestra (including, in the absence of an original score, a re-orchestration of the vocal score of Puccini‘s ‚Tosca‘). He convinced his father to take up an artistic profession and in 1922 he traveled with his mother across the South China Sea and through the Suez Canal to Marseille, from where they reached Berlin. For two years he studied architecture according to his father‘s will, then he turned completely to music, whereupon his father withdrew all support. He became a composition student of the arch-conservative ‚Berlin Academician‘ Friedrich Ernst Koch (1862-1927). In 1925, his mother moved to Reval (now Tallinn), and Boris struggled to make ends meet with countless musical odd jobs. In 1926 he completed his composition studies and studied musicology with Schering, Blume and Hornbostel from 1927-31. He never completed his dissertation on instrumentation treatises of the 19th century.
In 1927, his composer friend of the same age, Rudolf Wagner-Régeny (1903-69), introduced him to Rudolf von Laban, thus initiating Blacher‘s lifelong passion as a ballet composer. Blacher‘s earliest surviving composition dates from 1929, and he soon became a regular composer with Bote & Bock publishers. His breakthrough came in 1937 with the premiere of ‚Concertante Musik‘ by the Berlin Philharmonic under Carl Schuricht. But Blacher‘s music did not appeal to the National Socialists in its blatant closeness to jazz and its obviously cosmopolitan attitude. In 1938 he took over a composition class at the Dresden Conservatory, which was quickly closed when he had works by Hindemith and Milhaud analyzed. Now he worked in Berlin as a private mentor, who gave Gottfried von Einem (1918-96) the decisive polish in 1941-42. Like Leo Borchard and von Einem, Blacher was dangerously close to the resistance. He wrote two highly important operas during the war (Princess Tarakanova [1940], Romeo and Juliet [1943]), which were to be followed by many more. Right after the war he married the young pianist Gerty Herzog (1922-2014), whom he had met in 1939. In 1947 he wrote his most successful piece: the uniquely capricious ‚Orchestral Variations on a Theme by Nicolò Paganini‘, which were taken into the repertoire by many great conductors.
Mentor of the younger composers
In addition to his work as one of the most important German composers of his time (and probably the most untypical German composer of his generation), Blacher is remembered today above all as a phenomenal teacher of composition who trained astonishingly many great masters of subsequent generations. It is no coincidence that he was considered „the conscience of the younger generation of German composers“. Of his numerous students, Gottfried von Einem, Heimo Erbse (1924-2005), Fritz Geißler (1921-84), Isang Yun (1917-95), Max Baumann (1917-99), Claude Ballif (1924-2004), the eminent conductor Herbert Kegel (1920-90), Giselher Klebe (1925-2009), Klaus Huber (1924-2017), Herbert Baumann (1925-2020), George Crumb (born 1929), Francis Burt (1926-2012), Günter Kochan (1930-2009), Rudolf Kelterborn (born 1931), Peter Ronnefeld (1935-65), Roland Kayn (1933-2011), Noam Sheriff (1935-2018), Maki Ishii (1936-2003), Aribert Reimann (born 1936) and Kalevi Aho (born 1949) shall be mentioned representatively here.
Gottfried von Einem characterized the teacher and friend, who later became a dramaturgically almost infallible ’compressor’ of the libretti of his most successful operas: „Boris Blacher is one of the great composers of the 20th century. His powerful work is characterized by sharp thinking, high passion and humor. His dramatic life resembles his work, and his self-irony is liberating. A ‚master‘!“ Heimo Erbse said to his teacher Boris Blacher
„Your lessons are like an X-ray. I am x-rayed from top to bottom, and then you know much more about me than I know about myself“. and about Blacher: „Never in my life have I met a greater personality and I will probably never experience this again. No one has ever exerted a greater influence on me. There is no one to whom I owe more - everything I have become is due to him. And Giselher Klebe summed it up: „Boris Blacher‘s music has - similar to the music of Anton Webern - the clarity, the unconditionality of the sonorous form and the brightness of the creative consciousness. Thus Boris Blacher could become a concise and precise role model for the composers who studied with him“.
Variable Meters
From the early 1950s, beginning with the ‚Ornaments‘ for piano and the ballet ‚Lysistrata‘, he composed intensively in his newly discovered system of ‚variable meters‘, which he lectured on in 1951: „As early as 1936, the English composer Daniel Jones suggested that several time signatures be constantly combined. He called this ”complex time signatures”. This technique undoubtedly holds enormous possibilities. Let us take the time signatures that are all familiar to us, such as 2/4, 3/4, 4/4, 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. Let us combine these in pairs, for example: 2/4 - 3/4 - 2/4 - 3/4 - and so on, we have 24 possibilities. If we combine groups of three, four and five, we get 84, 288, 3456 or a total of 4860 combinations. […] The greatest advantage of the use of variable meters, apart from the rhythmic and formal enrichment, is that the question of style is not affected or influenced at all. Every composer can use this kind of metrics according to his taste and aesthetics. On the whole, it is only the discovery of a new, non-constant time signature that no longer takes into account isolated individual measures, that no longer relies on isolated, irregular time changes, but metrically regulates closed groups of measures“.
Dialog (Dialogue, 1950)
Right after the ‚Ornaments‘, Paul Sacher (1906-99) commissioned the two-movement ‚Dialogue‘ for flute, solo violin, piano and strings. In the work introduction to the ‚Dialog‘, published in Basel on December 8, 1951, Blacher writes: „Starting from the realization that the change of time signatures often intensifies the formal process, the idea arose to design the metric process in such a way that each bar has to be subject to a different metric structure. If one now constructs metric relations according to mathematical aspects, starting from the series and combinatorics - the metric progression is no longer a product of arbitrariness or chance.
In the present piece, the problem was the application of this kind of metrics to a larger ensemble. There was actually nothing else possible but to choose the form of a Concerto grosso, whereby after an introductory Adagio for strings alone, a Concertino consisting of flute, violin and piano is juxtaposed with the tutti strings not only in terms of sound but also metrically. The tutti idea is a constant six eighths, whereas the Concertino‘s metric develops a series that moves away from six in negative and positive directions: 6, 56, 576, 5746...
The second movement is constructed in such a way that tutti and soli alternate in the variations. The solo parts are metrically variable again, whereas the tutti variations are constant, but together they form a row again with the initial metre two quarters. Only in the coda do both groups meet. The title „Dialogue“ seems to me to correspond best to this juxtaposition, which arises automatically out of technical necessity“.
‚Dialog‘ was premiered on December 14, 1951, in the 2nd concert of the Basel Chamber Orchestra in the Basle Music Hall under its chief conductor Paul Sacher. Before that, Karl Amadeus Hartmann‘s 5th Symphony (Symphonie concertante) was performed. The Blacher première was followed by Conrad Beck‘s Viola Concerto (soloist: Walter Kägi) and the world première of Marcel Mihalovici‘s Sinfonia giocosa op. 65. Both premieres were dedicated to Paul Sacher. The soloists in Blacher‘s ‚Dialog‘ were Joseph Bopp (flute), Rodolfo Felicani (violin) and Valerie Kägi (piano).
As one of the very few works by Blacher, the ‚Dialog‘ was not published by his regular publisher Bote & Bock, which largely explains why the work has almost completely fallen into oblivion: Blacher was a principal composer at Bote & Bock in his native Berlin; at Universal Edition in Vienna, however, where the ‚Dialog‘ was published in 1952, he was one of many who are represented in the catalog with only a few works.
Christoph Schlüren, October 2020
Performance material is available from Universal Edition, Vienna (www.universaledition.com)
Reprint with kind permission of the original publisher Universal Edition, 2020.
Boris Blacher -Dialog für Flöte, Violine, Klavier und Streichorchester (1950)
(geb. Pinyin Niúzhuāng, heute: Yingkou, 6./19. Januar 1903 – gest. Berlin, 30. Januar 1975)
I Lento (p. 1) – Allegro (p. 5) – Lento (p. 17)
II Thema & Variationen. Thema. Vivace (p. 19) – Var. 1 (p. 20) – Var. 2. Meno mosso (p. 21) –
Var. 3. Tempo primo (p. 23) – Var. 4. Poco meno (p. 24) – Var. 5. Tempo primo (p. 26) –
Var. 6. Adagio (p. 28) – Var. 7. Tempo primo (p. 29) – Coda (p. 30)
Vorwort
Hans Heinz Stuckenschmidt (1901-88) eröffnete seine Boris Blacher-Monographie (Berlin, 1985) mit den Worten:„Ein starker Intellekt in einer zarten Physis. Mathematisch präzises Denken, vorgetragen in ironischen, bisweilen selbstironischen, zur Paradoxie neigenden Wendungen. Große schöpferische Potenz, mühelose Schnellarbeit bei häufiger Vorliebe für knifflige psychologische und satztechnische Probleme. Avantgardismus, verbunden mit vollendeter Anpassung an die Forderungen der Gebrauchsmusik. Bohèmehafte Lebensform bei konzentriertem Fleiß und absoluter Zuverlässigkeit in der Erfüllung von Aufträgen.“
Stuckenschmidt schloss seine Betrachtungen mit folgenden Worten: „In deutschen Landen herrscht manches Vorurteil gegen heitere Kunst. Die Philosophen, die unsere Ästhetik in so strenge Zucht genommen haben, wollen den Künstlern das Recht nicht mehr zugestehen, tanzend und scherzend auf das Trauerspiel der Geschichte zu antworten. Doch die Welt war damals, als Aristophanes, Shakespeare und Molière ihr den Lachspiegel vorhielten, nicht harmloser als heute. Blacher kannte die Tragödien seiner Zeit, auch die sozialen. Er hat in einem Requiem von außerordentlicher Sprachkraft ebenso wie in der von ost- und westdeutschen Musikern kollektiv geschriebenen ‚Jüdischen Chronik‘ (1961) bewiesen, dass in ihm das tragische Grundgefühl der großen Kunst lebte. Doch wir wollen dankbar sein, dass sein luzider Geist einige Werke von der tiefen Heiterkeit hervorgebracht hat, die heute im Bereich höherer Geistigkeit so selten geworden ist. Blacher liebte solche heitere Gelassenheit nicht nur in der persönlichen Haltung, sondern auch in den künstlerischen Formen, die sein Gesicht tragen. Dieses Gesicht wird allen, die es kannten, unvergesslich sein.“
Der Weg zur künstlerischen Reife
Geboren als Sohn eines baltisch-deutschen Bankdirektors im recht nahe am heutigen Nordkorea gelegenen mandschurischen Yingkou, heute zur Volksrepublik China gehörend, landete er nach mehreren Umzügen 1914 nach Kriegsausbruch mit der Familie im sibirischen Irkutsk am Baikalsee. 1919 übernahm der Vater eine Stelle in Charbin (heute Harbin) unweit Vladivostok, wo Sohn Boris Arrangements für ein Emigranten-Orchester verfasste (darunter, in Ermangelung einer Originalpartitur, eine Orchestration des Klavierauszugs von Puccinis ‚Tosca‘). Er überzeugte den Vater, einen künstlerischen Beruf zu ergreifen, und reiste 1922 mit seiner Mutter über das südchinesische Meer und durch den Suezkanal nach Marseille, von wo sie Berlin erreichten. Zwei Jahre studierte er auf väterliche Anweisung Architektur, dann wandte er sich komplett der Musik zu, worauf ihm der Vater jegliche Unterstützung entzog. Er wurde Kompositionsschüler des erzkonservativen ‚Berliner Akademikers‘ Friedrich Ernst Koch (1862-1927). 1925 zog seine Mutter ins heimatliche Reval (heute Tallinn), und Boris schlug sich mit unzähligen musikalischen Gelegenheitsarbeiten durch. 1926 schloss er das Kompositionsstudium ab und studierte 1927-31 Musikwissenschaft bei Schering, Blume und Hornbostel. Seine Dissertation über Instrumentationslehren des 19. Jahrhunderts schloss er nie ab.
1927 machte ihn sein gleichaltriger Komponistenfreund Rudolf Wagner-Régeny (1903-69) mit Rudolf von Laban bekannt und ermöglichte damit den Auftakt zu Blachers lebenslanger Passion als Ballettkomponist. Blachers früheste erhaltene Komposition stammt von 1929. Bald wurde er zum Stammkomponisten beim Verlag Bote & Bock. Sein Durchbruch kam 1937 mit der Uraufführung der ‚Concertanten Musik‘ durch die Berliner Philharmoniker unter Carl Schuricht. Doch Blachers Musik gefiel den Nationalsozialisten in ihrer unverhohlenen Nähe zum Jazz und der offenkundig kosmopolitischen Haltung nicht. 1938 übernahm er eine Kompositionsklasse am Dresdner Konservatorium, die man ihm schnell wieder entzog, als Werke von Hindemith und Milhaud analysieren ließ. Nun wirkte er in Berlin als privater Mentor, der u. a. 1941-42 Gottfried von Einem (1918-96) den entscheidenden Schliff angedeihen ließ. Blacher stand wie Leo Borchard und von Einem dem Widerstand gefährlich nahe. Er schrieb im Kriege zwei hochbedeutende Opern (Fürstin Tarakanova [1940], Romeo und Julia [1943]), denen noch viele weitere folgen sollten. Gleich nach dem Kriege heiratete er die junge Pianistin Gerty Herzog (1922-2014), die er 1939 kennengelernt hatte. 1947 entstand sein ganz großes Erfolgsstück: die einzigartig kapriziösen ‚Orchestervariationen über ein Thema von Nicolò Paganini‘, die von fast allen großen Dirigenten ins Programm genommen wurden.
Mentor der jüngeren Komponisten
Neben seiner Tätigkeit als einer der bedeutendsten deutschen Komponisten seiner Zeit (und wahrscheinlich als untypischste deutsche Komponist seiner Generation) ist Blacher heute vor allem als phänomenaler Kompositionslehrer in Erinnerung, der erstaunlich viele große Meister nachfolgender Generationen ausbildete. Nicht zufällig galt er als „das Gewissen der jüngeren deutschen Komponistengeneration“. Von seinen zahlreichen Schülern seien hier stellvertretend Gottfried von Einem, Heimo Erbse (1924-2005), Fritz Geißler (1921-84), Isang Yun (1917-95), Max Baumann (1917-99), Claude Ballif (1924-2004), der bedeutende Dirigent Herbert Kegel (1920-90), Giselher Klebe (1925-2009), Klaus Huber (1924-2017), Herbert Baumann (1925-2020), George Crumb (geb. 1929), Francis Burt (1926-2012), Günter Kochan (1930-2009), Rudolf Kelterborn (geb. 1931), Peter Ronnefeld (1935-65), Roland Kayn (1933-2011), Noam Sheriff (1935-2018), Maki Ishii (1936-2003), Aribert Reimann (geb. 1936) und Kalevi Aho (geb. 1949) genannt.
Gottfried von Einem charakterisierte den Lehrer und Freund, der ihm später als dramaturgisch geradezu unfehlbarer Verdichter der Libretti seiner erfolgreichsten Opern zur Verfügung stand: „Boris Blacher ist einer der großen Komponisten des 20. Jahrhunderts. Sein gewaltiges Werk ist gekennzeichnet durch Denkschärfe, hohe Leidenschaftlichkeit und Humor. Sein dramatisches Leben gleicht seinem Werk, und seine Selbstironie ist befreiend. Ein ‚Meister‘!“
Heimo Erbse sagte zu seinem Lehrer Boris Blacher: „Ihr Unterricht geht wie eine Röntgenaufnahme vor sich. Man wird von oben bis unten durchleuchtet, und dann wissen Sie viel mehr über mich als ich selbst.“
und über Blacher: „Nie im Leben bin ich einer größeren Persönlichkeit begegnet und werde dies auch wohl nie wieder erleben. Nie hat jemand auf mich einen größeren Einfluss ausgeübt. Nie hat jemand mich derartig geprägt wie Blacher. Es gibt niemanden, dem ich mehr zu verdanken hätte – alles, was ich geworden bin, danke ich ihm.“ Und Giselher Klebe resümierte: „Boris Blachers Musik hat – ähnlich der Musik Anton Weberns – die Klarheit, die Unbedingtheit der klanglichen Gestalt und das Helle der schöpferischen Bewusstheit. So konnte Boris Blacher zum prägnanten und präzisen Vorbild der bei ihm lernenden Komponisten werden.“
Variable Metren
Ab Anfang der 1950er Jahre komponierte er, beginnend mit den ‚Ornamenten‘ für Klavier und dem Ballett ‚Lysistrata‘, intensiv in seinem neuentdeckten System der ‚variablen Metren‘, worüber er 1951 referierte: „Der englische Komponist Daniel Jones schlug bereits 1936 vor, mehrere Taktarten ständig zu kombinieren. Er nannte diese Art complex time signatures.. Diese Technik birgt ohne Zweifel enorme Möglichkeiten. Nehmen wir die uns allvertrauten Taktarten, wie 2/4, 3/4, 4/4, 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. Fasst man diese paarweise zusammen, z. B.: 2/4 – 3/4 – 2/4 – 3/4 – und so fort, so haben wir 24 Möglichkeiten. Bei Zusammenfassung von Dreier-, Vierer- und Fünfer-Gruppen bekommen wir 84, 288, 3456 oder im Ganzen 4860 Kombinationen. […]
Der größte Vorteil, der neben der rhythmischen und formalen Bereicherung durch die Anwendung der variablen Metren sich ergibt, ist der, dass die Frage des Stils dadurch gar nicht berührt bzw. beeinflusst wird. Jeder Komponist kann diese Art Metrik entsprechend seinem Geschmack und seiner Ästhetik verwenden. Es handelt sich im großen Ganzen nur um die Entdeckung einer neuen, nicht konstanten Taktart, die nicht mehr isolierte einzelne Takte berücksichtigt, die nicht mehr auf isolierte, unregelmäßige Taktwechsel angewiesen ist, sondern geschlossene Taktgruppen metrisch reguliert.“
Dialog (1950)
Gleich nach den ‚Ornamenten‘ entstand im Auftrag von Paul Sacher (1906-99) der zweisätzige ‚Dialog‘ für Flöte, Solo-Violine, Klavier und Streicher. In der am 8. Dezember 1951 in Basel veröffentlichten Werkeinführung zum ‚Dialog‘ schreibt Blacher: „Ausgehend von der Erkenntnis, dass der Taktwechsel den Formverlauf oft intensiviert, ist die Idee entstanden, den metrischen Prozess derart zu gestalten, dass jedem Takt eine andere metrische Struktur zu unterliegen hat. Baut man nun metrische Verhältnisse nach mathematischen Gesichtspunkten auf, und zwar ausgehend von den Reihen und der Kombinatorik – so ist der metrische Verlauf kein Produkt der Willkür oder des Zufalls mehr.
Im vorliegenden Stück war das Problem die Anwendung dieser Art Metren für ein größeres Ensemble. Da war eigentlich gar nichts anderes möglich, als die Form eines Concerto grosso zu wählen, wobei nach einem einleitenden Adagio für Streicher allein ein Concertino bestehend aus Flöte, Violine und Klavier den Tuttistreichern nicht nur klanglich, sondern auch metrisch gegenübergestellt wird. Der Tutti-Gedanke ist konstant sechs Achtel, dagegen entwickelt die Metrik des Concertino eine Reihe, die sich in negativer und positiver Richtung von sechs entfernt: 6, 56, 576, 5746…
Der zweite Satz ist derart gebaut, dass sich Tutti und Soli in den Variationen abwechseln. Die Solopartien sind metrisch wieder variabel, dagegen sind die Tutti-Variationen konstant, bilden aber gemeinsam in sich wieder eine Reihe mit dem Ausgangsmetrum zwei Viertel. Nur in der Coda treffe beide Gruppen zusammen. Diesem aus der technischen Notwendigkeit sich automatisch ergebenden Nebeneinander scheint mir der Titel «Dialog» am besten zu entsprechen.“
Zur Uraufführung kam der ‚Dialog‘ am 14. Dezember 1951 im 2. Konzert des Basler Kammerorchesters im Musiksaal zu Basel unter Chefdirigent Paul Sacher. Zuvor erklang Karl Amadeus Hartmanns 5. Symphonie (Symphonie concertante), danach das Violakonzert von Conrad Beck (Solist: Walter Kägi) und die Uraufführung der Sinfonia giocosa op. 65 von Marcel Mihalovici. Beide uraufgeführten Werke wurden Paul Sacher gewidmet. Die Solisten in Blachers ‚Dialog‘ waren Joseph Bopp (Flöte), Rodolfo Felicani (Violine) und Valerie Kägi (Klavier). Als eines der ganz wenigen Werke Blachers erschien der ‚Dialog‘ nicht in seinem Stammverlag Bote & Bock im Druck, wodurch sich weitgehend erklärt, warum das Werk fast ganz in Vergessenheit geraten ist: bei Bote & Bock im heimischen Berlin war Blacher ein Hauptkomponist; bei der Universal Edition in Wien hingegen, wo der ‚Dialog‘ 1952 veröffentlicht wurde, war er einer von vielen, die nur mit wenigen Werken im Katalog vertreten sind.
Christoph Schlüren, Oktober 2020
Aufführungsmaterial ist erhältlich von Universal Edition, Wien (www.universaledition.com)
Nachdruck mit freundlicher Genehmigung des Originalverlags Universal Edition, 2020.