Camille Saint-Saëns - Coeli enarrant, Op.42
(b. Paris, 9. Oct. 1835 – d. Algiers, 16. Dec. 1921)
Preface
Camille Saint-Saëns composed Coeli enarrant in 1865, a prolific year in the composer’s early career. Saint-Saëns had just failed the Prix de Rome for the second time the previous year, and maybe out of disappointment, decided to throw himself into composing and performing. It was also at that time that Saint-Saëns left the Ecole Niedermeyer, a school designed to raise the standards of Church music, where he had been teaching since 1861. Saint-Saëns’s position as organist at the Madeleine in Paris provided ample opportunities for performances of his works, and it is for the celebration of Midnight Mass on December 24, 1865 that he composed Coeli enarrant in early December that year.
The work is a setting of psalm 18 (17 in the Vulgate – see text below) and was dedicated to the baronne de Caters, a renowned singer who participated as a performer in the premiere. As with all his works composed for performance at the Madeleine, Saint-Saëns had to face a challenge: to please a congregation who often perceived his music as too austere, while still writing in a serious, traditional style appropriate for the occasion.1 The result is a gorgeous piece in which the composer handles orchestral colours, contrapuntal technique, and balance between orchestra and vocal parts with exceptional skills. The piece features nine soloists (soprano, mezzo-soprano, contralto, tenor, four barytons and bass), a four-part choir, and an orchestra comprising strings, woodwinds, brasses, timpani, harp and organ. Saint-Saëns divided the text of the psalm in 10 musical numbers, each set to a different combination of voices and instruments.
The piece opens with a majestic allegro ma non troppo for full choir and orchestra on the words “Coeli enarrant gloriam Dei” (Heaven its Creator’s glory is telling). Before the entrance of the voices, Saint-Saëns begins in C major with a distinctive phrase in the violins, which pervades this opening chorus. The following verses are treated in imitation, with colourful modulations to c minor, E-flat major, F major, G major, and back to C Major, interspersed with statements of the opening theme in the strings. A song of praise to God’s creations, the glorious character of this chorus sets the tone of the psalm, which lauds the perfection of God’s laws in a spirit of awe and contemplation.
Subsequent numbers highlight the spiritual character of each psalm verse via contrasting instrumentation, form, texture, and a refined use of tonality. The simple text setting of the second movement is reminiscent of the traditional performance of psalm verses, with the soprano singing the first and second half of the verse, each time repeated by the choir. The short récit that follows elides into the fourth number in F major, which was added later for a concert at the Odéon on Holy Thursday in 1873.2 In reference to the text, this number summons up a powerful image of the undeviating course of the sun: the cellos, basses and timpani hold a pedal point on F throughout, while the voices sing in loud unison or octaves. The emphatic appearance of a D-flat major chord (borrowed from the parallel minor scale) mid-way through the movement adds pathos to this majestic imagery.
A sparse instrumentation and intimate setting characterize the fifth number, as the believer reflects on the perfection of God’s law and its power to convert the soul. This poignant duo for two sopranos, echoed in the instruments by a dialogue between solo violin and viola, features the minor mode for the first time since the beginning of the work, thus enhancing the affective contrast with the previous movement.
The major mode then returns with a quatuor for four barytons in B-flat major. Saint-Saëns’s sophisticated use of tonality in relation to the text is noteworthy in this number: the composer sets the words “praeceptum Domini lucidum” (pure are the precepts of His holiness) with a powerful unison on A-flat, followed by a cadential 6/4 C-flat major triad in the voices (spelled as a B major triad for the convenience of the organ and strings parts) eventually leading to a strong cadence on a B major triad. This unexpected harmonic twist occurs fittingly on the words “inluminans oculos” (enlightening the eyes).
The seventh number for solo quintet, choir and orchestra is an angelic celebration of God’s tenderness, whose judgement is more precious that gold and sweeter than honey. This number is enlivened in the second part by a fugue which provides momentum on the words “Etenim servus tuus custodit ea, in custodiendis illis retribution multa” (also by [the judgements] is Thy servant enlightened daily, and in keeping them is great reward), illustrating the anticipated reward reserved for the faithful.
The following sextet in c minor turns inward, as the sinner anxiously pleads to be spared from temptations. Again, the text is beautifully rendered with an angular, fragmented theme. As the sinner calls for God’s acceptance of his earnest heart, Saint-Saëns reverts to C major with a beautiful, soaring melody, maybe symbolizing the hope that comes from Christ’s sacrifice in behalf of humankind.
The second to last number in F major provides a meditative conclusion to the psalm with an intimate setting showcasing solo mezzo-soprano and cellos. However, for a performance of Coeli enarrant during Lent in 1873, Saint-Saëns decided to return to the opening chorus at the end, a majestic conclusion that he apparently deemed more fitted to this grandiose piece.3
Clémence Destribois, 2019
1 Jean Gallois, Camille Saint-Saëns, Musique-Musicologie (Sprimont: Margada, 2004), 99.
2 Ibid., 100.
3 Ibid., 101
For performance material please contact Durand, Paris.
Camille Saint-Saëns - Coeli enarrant, Op.42
(geb. Paris, 9. Oktober 1835 – gest. Algiers, 16. Dezember 1921)
Vorwort
Das Jahr 1865, in dem Camille Saint-Saëns sein Coeli enarrant komponierte, war für den Komponisten ein fruchtbares in seiner frühen Karriere. Im Jahr zuvor war Saint-Saëns ein zweites Mal beim Prix de Rome gescheitert, und so entschied er - vielleicht aus Enttäuschung -, sich ganz dem Komponieren und seiner Bühnenkarriere zu widmen. Zu jener Zeit verliess er auch die Ecole Niedermeyer, eine Musikschule, an der er seit 1861 lehrte, und die sich zur Aufgabe gesetzt hatte, die Standards der Kirchenmusik zu verbessern. Seine Anstellung als Organist an der Madeleine in Paris gab ihm reichlich Gelegenheit, eigene Werke aufzuführen, und es war die Feier der Mitternachtsmesse am 24. Dezember 1865, für die er im frühen Dezember des Jahres Coeli enarrant komponierte.
Die Komposition ist eine Vertonung von Psalm 18 (17 in der Vulgata - siehe Text unten) und war der Baronin de Caters gewidmet, einer berühmten Sängerin, die auch an der Premiere des Werks teilnahm. Wie bei allen Werken, die Saint-Saëns zur Aufführung in der Madeleine komponnierte, war er mit einer Herausforderung konfrontiert: einer Kongregation zu gefallen, die seine Musik oft als zu asketisch empfand, und dennoch in einem ernsten, traditionsbewussten Stil zu schreiben, der der Gelegenheit angemessen sein musste.1 Es entstand ein prachtvolles Werk, in dem der Komponist die orchestralen Farben, kontrapunktische Techniken und das Gleichgewicht zwischen Orchester und Gesang mit ausserordentlicher Geschicklichkeit behandelte. Die Komposition beinhaltet neun Solisten (Sopran, Mezzosopran, tiefer Alt, Tenor, vier Baritone und Bass), einen vierstimmigen Chor und ein Orchester aus Streichern, Holzbläsern, Blechbläsern, Pauken, Harfe und Orgel. Saint-Saëns teilte den Text in zehn musikalische Nummern, die sich durch den unterschiedlichen Einsatz von Stimmen und Instrumenten unterscheiden.
Das Stück eröffnet mit einem majestätischen allegro ma non troppo für grossen Chor und Orchester auf die Worte “Coeli enarrant gloriam Dei” (Die Himmel erzählen die Ehre Gottes). Vor dem Einsatz der Stimmen beginnt Saint-Saëns mit einer charakteristischen Phrase der Violinen in C-Dur, die den Eröffnungschor durchdringt. Die folgenden Strophen werden imitiativ behandelt, mit farbenfroher Modulation nach c-Moll, Es-Dur, F-Dur, G-Dur und zurück nach C-Dur. In ihnen erklingt eingestreut das Anfangsthema, gespielt von den Streichern. Dieser Chor ist ein Lobpreis auf Gottes Schöpfung; dessen Pracht bestimmt den Charakter der gesamten Vertonung, eine ehrfürchtige und kontemplative Verherrlichung der Vollkommenheit von Gottes Gesetzen.
Die folgenden Abschnitte betonen den geistlichen Charakter jeder Strophe des Palms durch kontrastierende Instrumentierung, Form, Struktur und einer überlegenen Verwendung von Tonalität. Die schlichte Vertonung des Textes in der zweiten Nummer erinnert an die traditionelle Handhabung von Psalmen, bei der der Sopran die erste und zweite Hälfte der Strophe singt, gefolgt jedes Mal von einer Wiederholung durch den Chor. Das kurze, nachfolgende récit verbindet in die vierte Nummer in F-Dur, die später eigens für eine Aufführung im Odéon am Gründonnerstag 1873 hinzugefügt wurde.2 Gemäß dem Text entwirft dieser Abschnitt das kraftvolle Bild vom unbeirrbaren Lauf der Sonne: Celli, Bässe und Pauken halten durchgängig einen Orgelpunkt auf F, während die Stimmen im lauten Unisono oder in Oktaven singen. Der emphatische Auftritt des Des-Durakkordes (entliehen aus der gleichnamigen Mollskala) mitten im Satz verleiht dieser majestätischen Bildwelt zusätzlichen Pathos.
Eine sparsame Instrumentation und intimer Umgang mit dem Text charakterisieren die fünfte Nummer, in der der Gläubige über die Vollkommenheit der göttlichen Gesetzte nachsinnt und deren Kraft, die Seele zu wandeln. Dieses ergreifende Duo für zwei Soprane, das seinen Widerhall in einem Dialog zwischen Solovioline und Bratsche findet, ist gekennzeichnet durch die erstmalige Verwendung einer Molltonart seit dem Beginn des Werks und steigert auf diese Weise den Kontrast der Gefühle zum vorhergehenden Satz.
Dur kehrt zurück in einem quatuor für vier Baritone in B-Dur. Saint-Saëns’ verfeinerter Gebrauch der Tonalität in Verhältnis zum Text ist besonders in dieser Nummer beachtenswert: der Komponist vertont die Worte “praeceptum Domini lucidum” (die Gebote des Herrn sind lauter ) mit einem kraftvollen Unisono in As-Dur, gefolgt von einem kadenzierenden C-Durdreiklang im 6/8-Takt in den Stimmen (zur besseren Spielbarkeit für Orgel und Streicher als H-Dur -Dreiklang geschrieben), der schließlich zu einer starken Kadenz auf einem H-Dur Dreiklang führt. Diese unerwartete harmonische Wendung erscheint passend zu denWorten “inluminans oculos” (und erleuchten die Augen).
In der siebenten Nummer für Solo-Quintett, Chor und Orchester feiern die Engel Gottes Sanftmut, deren Richtspruch wertvoller ist als Gold und süsser als Honig. Im zweiten Teil wird diese Nummer durch eine Fuge belebt, die Nachdruck auf die Worte “Etenim servus tuus custodit ea, in custodiendis illis retribution multa” legt (Auch wird dein Knecht durch sie erinnert; und wer sie hält, der hat großen Lohn.), und auf die Belohnung verweist, die dem Gläubigen winkt.
Im folgenden Sextett findet eine Wendung nach innen statt, im dem der Sünder ängstlich bittet, von der Versuchung verschont zu werden. Wiederum ist der Text musikalisch wunderbar übersetzt durch ein eckiges, fragmentiertes Thema. Als der Sünder um Gottes Annahme seines ernsthaften Herzens bittet, kehrt Saint-Saëns nach C-Dur mit einer schönen, aufsteigenden Melodie zurück, vielleicht ein Symbol der Hoffnung, die Christus’ Opfer für die Menschheit erweckte.
Die letzte Nummer in F-Dur bietet einen meditativen Abschluss des Psalms, eine intime Vertonung mit Solo-Mezzosopran und Celli im Vordergrund. Jedoch entschied sich Saint-Saëns für eine Aufführung von Coeli enarrant während der Fastenzeit 1873, beim Abschluss zum Eröffnungschor zurückzukehren, ein majestätischer Ausklang, den er offensichtlich als passender für dieses grandiose Stück erachtete..3
Übersetzung: Peter Dietz
1 Jean Gallois, Camille Saint-Saëns, Musique-Musicologie (Sprimont: Margada, 2004), 99.
2 Ibid., 100.
3 Ibid., 101
Aufführungsmaterial ist von Durand, Paris, zu beziehen.