Erkki Gustav Melartin - Symphony No.6, op.100
(Born 7th February 1875 in Käkisalmi, Finland [today: Priosersk, Russia] – 14th February 1937, Pukinmäki)
Preface
Today Erkki Melartin belongs on the periphery of Finnish music. His works are dismissed as derivative and he himself as an imitator of Sibelius, Wagner and late Scriabin. Even by comparison with those of other Finnish composers, his works are seldom performed. This is due, not least, to the fact that many of his resounding successes have still not appeared in print and must be played from bad photographic reproductions of his handwritten scores.
During his lifetime, however, Melartin was greatly respected. He never had difficulty in getting his works performed and even conducted most of them himself. In 1910, he was granted the honour of contributing a work to Alexander Siloti’s concert series in St Petersburg, acting as second composer to Jean Sibelius (the planned work was the Third Symphony but then, as it was too long, he wrote Traumgesicht op. 70). In 1923 he conducted the Berlin Philharmonic, a role then considered to be a particular mark of recognition and springboard for a possible career in Germany.
Melartin was born in 1875 in Käkisalmi, which fell to Russia in the Second World War. Throughout his life his music kept its strong roots in the Karelian tradition. In general terms, he belonged to the generation of Selim Palmgren (1878-1951), Toivo Kuula (1883-1918), Ernest Pingout (1887-1942) and Leevi Madetoja (1887-1947. He studied first with Martin Wegelius (1846-1906), the founder of Helsinki‘s Institute of Music and teacher of Sibelius, Armas Järnefelt and the previously-mentioned composers Palmgren and Kuula . Later he went to Vienna, where he took lessons from Robert Fuchs (1847-1927) a well-known teacher who also taught Sibelius and Madetoja. Innumerable others, including Gustav Mahler, Alexander von Zelinsky, Hugo Wolf and Richard Strauss had already been students of Fuchs. He was celebrated as teacher, although as a composer his work was criticised and he himself attacked as an imitator of Brahms. A famous comment was, “Fuchs, you have stolen all of it.” From 1911, Melartin led the Helsinki Institute of Music, where he also taught Composition, Theory, History of Music and Piano. He held the post until 1936, the year before his death. Up to that point, the Institute had been called the Helsinki Conservatory and, from 1939, the Sibelius Academy.
Erkki Melartin saw himself above all as a composer of symphonies. Like Beethoven, Bruckner and Mahler, he set himself the task of writing nine symphonies. However, he could only complete six of these works. Nonetheless, he wrote sketches for two further symphonies and, one month before his death, he noted plans for a ninth in his schedule of further compositions.
Around 1000 works sprang from Melartins’s pen and 189 of them have an opus number. Counted amongst his greatest works are: an opera entitled Aino, the Violin Concerto op.60, Suites, Symphonic Poems and other major orchestral works, the ballet The Blue Pearl op.160 and four String Quartets as well as his later Clavier Sonata Fantasie apocalyptica op.111 which references Scriabin, although invoking still more an ancient Finnish gloom. Elements of Karelian music thread through his entire work, with the national epic myth of Kalevala being of central importance. Much of Melartin’s oeuvre is light music which radiates the joy of life, and, for this reason, these works are misinterpreted as merely drawing-room compositions. As for most other composers of his generation, Sibelius was the model for his early work. Soon, Melartin also discovered Bruckner and Mahler as sources of inspiration. In 1909 he conducted Mahler for the first time in Finland, presenting a movement of the 2nd Symphony in C Minor. He was also interested in Impressionism, perhaps on the basis of the travels in France of his colleague Toivo Kuula, whose enthusiasm was inspired, above all, by Debussy. Later, in the Twenties, elements of Expressionism came to the fore and Melartin abandoned the tonal framework of Romanticism in some works. Despite all these elements, the folk music of Finland remained the pivotal influence on the composer’s style.
The extent and variety of Melartin’s compositions are amazing, particularly bearing in mind that throughout his life he suffered health problems. He once wrote, “ Then along came this project which I had only two weeks to complete, to which normally I would have devoted a month. And I was driven by enthusiasm, delighted to be still alive! I believe that this improved my health, even when I wrote for at least 10 hours a day.” In fact, it seems that Melartin was always ill except when he was composing music.
Of the six symphonies Melartin wrote during his lifetime, only the last was published. The First Symphony in C Minor op. 30/1 indeed shows the influence of Sibelius, however Melartin’s references to the idol are careful, avoiding the epithet of imitator. Instead he approaches Mahler, particularly in the dramatic opening movement. The symphony was composed in 1902 and revised again in 1905. In 1904 Melartin had already written the Second Symphony in E Minor op. 30/2, which was performed in 1905 and clearly demonstrates Melartin’s symphonic ambitions. In the principal theme of the Finale, the composer alludes to a ‘Karelian-national’ sound. Bruckner can be heard throughout the Third Symphony in F Major op.40, his first symphony in a major key which, nevertheless, traverses chasms of misery. The symphony was first performed in 1907 and its principal theme of the symphony, recurs in all four movements. The Fourth Symphony in E Major op.80, nicknamed ‘Summer‘ enjoys the greatest popularity of any of Melartin’s symphonies. By the time of its Premiere in 1913 the work already overshadowed Sibelius‘ Fourth Symphony which had been presented shortly before. In comparison with this rather bizarre work, Melartin references throughout a national style, quoting from the much-loved Finnish Summer Hymn. Although the Fifth Symphony in A Minor op.90 carries the name Sinfonia Brevis, it lasts over half an hour. A deep and overwhelming darkness threads through the first three movements, to such an extent that even the cheerful Finale is not sufficient to lift the mood of the piece.
The Sixth Symphony op.100 introduces several new features: There is no fixed prevailing mood to which the music returns – yet the piece is dominated by the powerful relationship between movements, thematically as well as by a totally characteristic concept of sound. In general, the symphony is not so rich in counterpoint as its predecessors. Instead, strong accompanying motifs, often played by large groups of instruments, create the basic form, and shape the soundscape. The use of greater masses of sound and the distribution of melodies and accompaniments is strongly reminiscent of Mahler
Melartin wrote the final note of the symphony in 1924 and the Premiere took place the following year as part of the Jubilee Concert to celebrate the 50th birthday of the composer. The opening movement begins in total darkness, a chromatic motif builds slowly but, from a continuous hexatonic melody at a deeper level, a throbbing rhythm develops which infuses the whole movement. Terse rhythms distinguish the opening movement, their dynamic force only broken by short melodic interjections. Unlike the first movement which is interwoven with varying themes, the second movement comes to rest on an even tone with sweeping and impenetrable accompaniments
Japanese chords with parallel fourths disrupt the pastoral atmosphere. The bold Scherzo seems witty and fresh, with an almost Beethovian elegance. The pentatonic theme of the movement never recurs again, to be replaced by a tritone motif from the first movement. The Finale breaks in, fiery and tempestuous until the Allegro Moderato brings a moment of peace and revives the playfulness of the Scherzo. The movement encompasses diverse melodic modes and qualities of feeling which are also set apart from each other by changes of tempo. The symphony ends on a pompous passage for whole orchestra and the cycle comes to an end.
Translation: Rose Simpson
Sources:
Mäkälä, Tomi: Saariaho, Sibelius und andere. Neue Helden des neuen Nordens. Die letzten 100 Jahre Musik und Bildung in Finnland. Olms, Hildesheim 2014.
Ranta-Meyer, Tuire und Kyllönen, Jani, Bookletttext zu: Erkki Melartin. Traumgesicht – Marjatta – The blue pearl; Soile Isokoski, Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Linti. Ondine ODE 1283-2, Helsinki 2016.
Räihälä, Osmo Tapio: Erkki Melartin – a symphonic composer of international stature?. https://fmq.fi/articles/erkki-melartin-a-symphonic-composer-of-international-stature (Stand: 17.09.2018)
For performance material please contact Hansen, Copenhagen.
Erkki Gustav Melartin - Symphonie Nr.6, op.100
(7. Februar 1875 in Käkisalmi, Finnland [heute: Priosersk, Russland] – 14. Februar 1937, Pukinmäki)
Vorwort
Heute gehört Erkki Melartin zu den Außenseitern der finnischen Musik: Seine Werke werden als eklektizistisch abgetan, als Epigonen von Sibelius, Wagner und dem späten Scriabin. Selbst im Vergleich zu anderen finnischen Komponisten wird er selten aufgeführt, was aber nicht zuletzt der Tatsache geschuldet ist, dass selbst viele seiner durchschlagenden Erfolge bis heute nicht im Druck erschienen sind und nur aus schlechten Fotografien der Handschriften gespielt werden müssen.
Zu Lebzeiten besaß Melartin jedoch großes Ansehen. Er hatte nie Probleme, seine Werke zur Aufführung zu bringen, dirigierte die meisten sogar selbst. 1910 wurde ihm die Ehre zuteil, als zweiter Komponist nach Jean Sibelius ein Werk zu Alexander Silotis Konzertreihe in St. Petersberg beisteuern zu dürfen (geplant war die Dritte Symphonie, doch da sie zu lang war, schrieb Melartin Traumgesicht op. 70) und 1923 dirigierte er die Berliner Philharmoniker, was damals als besondere Auszeichnung galt, und als mögliches Sprungbrett für eine Karriere in Deutschland.
Geboren wurde Melartin 1875 in Käkisalmi, was im Zweiten Weltkrieg an Russland fiel, und behielt die starke Verwurzelung in der karelischen Tradition sein Leben lang in seiner Musik bei. Grob kann er in die Generation von Selim Palmgren (1878-1951) gezählt werden, von Toivo Kuula (1883-1918), Ernest Pingout (1887-1942) und Leevi Madetoja (1887-1947). Melartin studierte zunächst bei Martin Wegelius (1846-1906), dem Gründer des Musikinstituts Helsinki und Lehrer von Sibelius, Armas Järnefelt und den genannten Komponisten Palmgren und Kuula. Später ging Melartin nach Wien, wo er Unterricht von Robert Fuchs (1847-1927) erhielt: Auch Sibelius und Madetoja gingen zu dem bekannten Pädagogen, bei dem schon Gustav Mahler, Alexander von Zelinsky, Hugo Wolf, Richard Strauss und zahllose andere studiert hatten. Fuchs wurde gefeiert als Pädagoge, als Komponist allerdings auch kritisch hinterfragt, er wurde als Brahms-Epigone angegriffen; ein berühmter Ausspruch lautet: „Fuchs, das hast du ganz gestohlen.“ Von 1911 an leitete Melartin das Musikinstitut Helsinki, wo er auch als Lehrer wirkte: für Komposition, Theorie, Musikgeschichte und Klavier. Die Stelle hielt er bis 1936, ein Jahr vor seinem Tod – bis dahin hieß das Institut bereits Helsinki Konservatorium und ab 1939 dann Sibelius-Akademie.
Als Komponist sah sich Erkki Melartin vor allem als Symphoniker: Er setzte sich das Ziel, wie auch Beethoven, Bruckner und Mahler neun Stück zu schreiben. Fertigstellen konnte er jedoch nur sechs Stück, darüber hinaus schrieb er Skizzen für zwei weitere – eine Neunte vermerkte er einen Monat vor seinem Tod in seinem Kompositionsplan. Etwa 1000 Werke entstammen der Feder Melartins, von ihnen haben 189 eine Opusnummer. Zu den großen Werken zählen eine Oper mit dem Titel Aino, ein Violinkonzert op. 60, Suiten, symphonische Dichtungen und andere groß angelegte Orchesterwerke, das Ballett Die blaue Perle op. 160, vier Streichquartette sowie seine späte Klaviersonate Fantasie apocalyptica op. 111, die auf Scriabin verweist, jedoch noch mehr das Urfinnisch-düstere heraufbeschwört. Elemente der karelischen Musik durchziehen sein gesamtes Schaffen, auch das Nationalepos Kalevala erhält zentralen Stellenwert. Viele von Melartins Werken haben leichten Charakter und strahlen Lebensfreude aus, weswegen sie als Salon-Stücke missverstanden werden. Wie für die meisten anderen Komponisten seiner Generation war Sibelius Leitbild für die frühen Kompositionen. Bald entdeckte Melartin jedoch auch Bruckner und Mahler als Inspirationsquellen: 1909 dirigierte er erstmalig Mahler in Finnland: einen Satz der 2. Symphonie c-Moll. Auch der Impressionismus interessierte Melartin, vielleicht aufgrund der Frankreichreise seines Kollegen Toivo Kuula, dessen Begeisterung vor allem Debussy galt. Später, in den 20er-Jahren, kamen Elemente des Expressionismus hinzu und Melartin verließ in manchen Werken den tonalen Rahmen, den die Romantik vorgab. Trotz all dieser Elemente bleib die Volksmusik Finnlands zentral für den Stil des Komponisten.
Es überrascht, wie viel und vielseitig Melartin komponieren konnte, wenn man bedenkt, dass er sein Leben lang an gesundheitlichen Problemen litt. Selbst schrieb er einmal: „Dann kam dieses Projekt, wozu ich nur ein paar Wochen für eine Aufgabe hatte, der ich normalerweise einige Monate gegeben hätte. Und ich wurde vom Enthusiasmus angetrieben, überglücklich, am Leben zu sein! Ich glaube, dass dies sogar meine Gesundheit verbessert hat, auch wenn ich mindestens 10 Stunden am Tag schreibe.“1 Tatsächlich scheint es, als sei Melartin immer krank gewesen – außer er komponierte.
Von Melartins sechs Symphonien erschien zu seinen Lebzeiten nur die letzte im Druck. Die Erste Symphonie c-Moll op. 30/1 zeigt zwar Einflüsse von Sibelius, allerdings tastet sich Melartin nur vorsichtig an das Idol heran, eben um nicht als Epigone zu zählen. Dafür nähert er sich an Mahler an, besonders im dramatischen Kopfsatz. Die Symphonie wurde 1902 komponiert und 1905 noch einmal umgearbeitet. 1904 komponierte Melartin bereits die Zweite Symphonie e-Moll op. 30/2, die 1905 uraufgeführt wurde und deutliche Ambitionen zeigt, dass sich Melartin als Symphoniker profilieren will. Im Hauptthema des Finales vermerkt der Komponist einen „karelisch-nationalen“ Klang. Bruckner klingt in der Dritten Symphonie F-Dur op. 40 durch, die erste Dur-Symphonie, die aber ebenso düstere Abgründe aufwirft. Das Hauptthema dieser 1907 uraufgeführten Symphonie kehrt in allen vier Sätzen wieder. Die Vierte Symphonie E-Dur op. 80 mit dem Beinamen „Sommer“ erfreut sich der größten Beliebtheit von Melartins Symphonien. Bereits bei der Premiere 1913 stellte sie die nur kurz davor präsentierte Vierte Symphonie von Sibelius in den Schatten: Im Gegenzug zu dieser etwas bizarren Symphonie punktet Melartin durch Nationalstil und ein Zitat der in Finnland beliebten „Sommer-hymne“. Obgleich die Fünfte Symphonie a-Moll op. 90 den Beinamen „sinfonia brevis“ trägt, dauert sie über eine halbe Stunde. Eine dermaßen niederschmetternde Dunkelheit durchzieht die ersten drei Sätze, dass selbst das heitere Finale die Stimmung nicht zu heben im Stande ist.
Die Sechste Symphonie op. 100 birgt einige Neuheuten: Es gibt keine feste Grundtonart, zu der die Musik zurückkehrt – dennoch herrscht eine starke Zusammengehörigkeit zwischen den Sätzen, thematisch wie auch von einer ganz charakteristischen Klangvorstellung. Allgemein ist die Symphonie nicht so reich an Kontrapunkt wie die Vorgänger, statt dessen bilden feste Begleitfiguren die Basis, die oft von großen Instrumentengruppen gespielt werden und das Klangbild prägen. Der Einsatz großer Klangmassen und die Verteilung von Melodien und Begleitstimmen gemahnt stark an Mahler. Den Schlussstrich der Symphonie zog Melartin 1924 und die Uraufführung fand im folgenden Jahr statt, im Rahmen des Jubiläumskonzerts anlässlich des 50. Geburtstags des Komponisten. Der Kopfsatz beginnt in völliger Dunkelheit des Klangs, ein chromatisches Motiv errichtet langsam, aber kontinuierlich einen Ganztonklang in tiefer Lage, aus dem sich ein pochender Rhythmus entwickelt, der den gesamten Satz durchzieht. Rhythmische Prägnanz macht den Kopfsatz auf, die treibende Kraft wird nur durch kurze Melodieeinwürfe unterbrochen. Anders als der durch verschiedene Motive durchzogene Kopfsatz, setzt der zweite Satz auf flächigen Klang mit ausladenden und undurchdringbaren Begleitfiguren. Japanische Akkorde mit parallelen Quarten unterbrechen die pastorale Stimmung. Keck erscheint das Scherzo in beinahe Beethoven’scher Eleganz, mit Witz und Frische. Das pentatonische Thema des Satzes kehrt nicht mehr wieder, dafür erscheint ein Tritonusmotiv aus dem Kopfsatz. Feurig-stürmisch bricht das Finale herein, bis das Allegro moderato kurze Ruhe verschafft und die Verspieltheit des Scherzos wachruft. Der Satz setzt sich aus unterschiedlichen Ebenen und Charakteren zusammen, die auch durch Tempostufen voneinander abgehoben werden. Im pompösen Tutti endet die Symphonie und schließt den Zyklus.
Oliver Fraenzke, 2019
1 Melarin, Erkki, zitiert nach Ranta-Meyer, Tuire und Kyllönen, Jani, ODE 1283-2, S. 4. (übersetzt von Oliver Fraenzke)
Quellen:
Mäkälä, Tomi: Saariaho, Sibelius und andere. Neue Helden des neuen Nordens. Die letzten 100 Jahre Musik und Bildung in Finnland. Olms, Hildesheim 2014.
Ranta-Meyer, Tuire und Kyllönen, Jani, Bookletttext zu: Erkki Melartin. Traumgesicht – Marjatta – The blue pearl; Soile Isokoski, Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Linti. Ondine ODE 1283-2, Helsinki 2016.
Räihälä, Osmo Tapio: Erkki Melartin – a symphonic composer of international stature?. https://fmq.fi/articles/erkki-melartin-a-symphonic-composer-of-international-stature (Stand: 17.09.2018)
Aufführungsmaterial ist von Hansen, Kopenhagen, zu beziehen.