Granville Bantock
(b. London, 7th August 1868 – d. London, 11th October 1946)
Pagan Symphony
Preface
Granville Bantock should be known as one of Britain’s most important composers of the first third of the 20th century, even though he is virtually unknown nowadays and hasn’t been acknowledged with a complete monograph in the 70 years since his death. Bantock mainly composed vocal and choral music. Particularly noteworthy are his oratorios (amongst others Omar Khayyám, 1906, The Song of Songs, 1922 and Christus, 1901) as well as his unaccompanied choral symphonies Atlanta in Calydon (1911) and The Vanity of Vanities (1913), which are some of the first more complex counterpoint choral pieces in over 200 years in Great Britain.
Bantock began his studies at the London Trinity College of Music under the guidance of Gordon Saunders. His later teachers at the Royal Academy of Music were Henry Lazarus, Reginald Steggall, Frederick Corder and Alexander Campbell Mackenzie. He was a lecturer at both conservatoires early on. In 1893 he became the leading editor of the Quarterly Musical Review. From 1897 to 1901 he was the musical director of the Tower in New Brighton and later accepted the call to be head of the School of Music of the Birmingham Midland institute (now Birmingham Conservatoire) and became Elgar’s successor as professor of music at Birmingham University in 1908 (he was knighted in 1930).
As a student of Frederick Corder at the London Royal Academy of Music, Wagner and more so Liszt were of great influence on Bantock which can particularly be seen in his tone poems (The Witch of Atlas, 1902, Fifine at The Fair, 1901), and in his programmatic symphonies. Especially these were largely popular amongst the British musical landscape at the beginning of the century. As for several other composers the first world war meant a break in popularity for Bantock. Retrospectively Bantock’s style has frequently been described as eclectic, though many of his works display a sort of creativity which may not be attributed to harmony but much more to the formal structure and the instrumentation which gained sustainable meaning but is hardly recognized thus far. Apart from these exceptional talents Herbert Antcliffe points to Bantock’s importance as a patron of his colleagues and thus says that the title of an »English Liszt« is very fitting. Bantock was said to be a good conductor and constantly supported the works of other artists (among them were Boughton, V. Williams, Harty and Bax). Furthermore he was a close and trusted friend to Havergal Brian, Josef Holbrook and others; Clarence Raybould, Julius Harrison, Claude Powell, Cecil Gray and Christopher Edmunds were among his students.
The Pagan Symphony (1923-28) was partially developed from the unfinished second part of the choral ballet with vocal soli The Great God Pan: Festival of Pan. The ballet’s first part (whose eerie quality reminds Norman Demuth of Strauss) was published under the title Pan in Arcady in 1915 and premiered in Glasgow on 9th December 1919.
With Pagan Symphony, which Bantock dedicated to his son Raymond, he picks up the themes of mythical ancient Greece; the composer especially loved the time of the ancient world and the Orient – besides the aforementioned works Bantock’s Symphonic poem The Witch of Atlas 1902), the orchestral songs Sappho (1905), the overture Oedipus Coloneus (1911), the symphony The Cyprian Goddess (1938-39) and the Overture to a Greek Comedy (1944) are worth noting.
The Pagan combines the multi-movemental form of the traditional symphony within its own single-movemental form as did the Hebridean Symphony before it – though authors are still not quite sure when which movement begins and ends and how many movements actually exist. To the author of these lines it appears likely that the Pagan consists of four movements with a slow movement and a Scherzo (as identified in the score). The quasi first movement (with a slow introduction, exposition (from [3]), development (from [11] 2) and recapitulation (2 [21])) is mainly characterised by one theme and a further motif. The theme is processed and a certain reminiscence of Ravel (before [6]), Dukas, Strauss (4 [18]) and Saint-Saëns ([16]) is evident. Modal harmonies and the use of the quart interval point to contemporary composer colleagues (Nielsen) and particularly this special combination of traditional harmony with quartal and modal harmony make for Bantocks innovative potential.
The slow movement (from 4 [23]) starts with a violin solo but besides that the main theme and the motif from the first movement are often reused. The second half of the movement (from 2 [35]) is a fuge. Two metres lead over to the Scherzo (‘Dance of Satyrs’) (from [39]) which proves to be a further fuge. With its grotesque instrumentation it comes close to Janáček and Shostakovich’s opera Nos (1927-28). The ‘battle-scene’, as Havergal Brian calls it, is a percussion section followed by fanfares. The second Scherzo (another dance section) and the finale are so intricately intertwined that the second Scherzo (from [50]), which introduces a new theme, is the finale’s exposition. During the recapitulation ([77] 3) the theme reappears in its exact original form, whereas in the development section ([60]), which contains a passage »‘Poikilothron athanat Aphrodita’ (‘Immortal Aphrodite on your elaborate throne’)« (the title is borrowed from a poem by Sapphos), it is processed according to all the rules. In the recapitulation, which strongly reminds one of Strauss, Korngold, Elgar and others, and which Bantock calls »Finale«, numerous previously introduced themes and motifs reappear and are quasi summarised and revisited.
The Symphony bears the Latin motto »Et ego in Arcadia vixi« – apart from that Bantock doesn’t provide any clarification. A reference in a programme note which was presumably written by Bantock himself or at least approved by him, refers to Horaz’ Oden and especially the beginning of the XIX. Ode: „Bacchum in remotis carmina rupibus vidi docentum ‑ credite posteri - Nymphasque discentes et aures, capripedum Satyrorum acutas.“ (Bacchus I have seen on far‑off rocks ‑ if postenty will believe me ‑ teaching his songs divine to the listening Nymphs and to the goat‑footed Satyrs with their pointed ears.)
The music may be described as a vision of the past, when the Greek god Dionysus (Bacchus) was worshipped as the bestower of happiness and plenty, the lover of truth and beauty, the victor over the powers of evil. (Immortal Aphrodite of the broidered throne appears for a brief moment as the goddess of Love, to remind the world of her supreme power and glorious beauty.)“
The Symphony premiered on the 8th March 1936 and was performed by the BBC Symphony Orchestra conducted by Adrian Boult; the score was published concurrently.
Translation: Jennifer Pace
Reprint of a copy from the collection Jürgen Schaarwächter, Cologne.
Granville Bantock
(geb. London 7. August 1868 - d. London 11. Oktober 1946)
Pagan Symphony
Vorwort
Granville Bantock ist als einer der wichtigsten britischen Komponisten des ersten Drittels des 20. Jahrhunderts überhaupt zu bezeichnen, wenn er heute auch so gut wie vollständig unbekannt und auch mehr als siebzig Jahre nach seinem Tod nicht mit einer umfassenden Monographie gewürdigt ist. Hauptsächlich war Bantock ein Komponist von Vokal-, vor allem Chorwerken – besonders beachtenswert sind seine oratorischen Werke (darunter Omar Khayyám, 1906, The Song of Songs, 1922 und Christus, 1901) und seine unbegleiteten großbesetzten Chorsinfonien Atalanta in Calydon (1911) und The Vanity of Vanities (1913), die zu den ersten kontrapunktisch komplexeren Chorwerken in Großbritannien seit mehr als zweihundert Jahren gehören.
Bantock studierte zunächst am Londoner Trinity College of Music bei Gordon Saunders und wechselte dann zu Henry Lazarus, Reginald Steggall, Frederick Corder und Alexander Campbell Mackenzie an die Royal Academy of Music, wo er (hier wie dort) schon früh Dozent wurde. 1893 wurde er Editionsleiter des Quarterly Musical Review. Von 1897 bis 1901 hielt er den Posten des musikalischen Direktors des Towers in New Brighton. Dann nahm er den Ruf zum Principal der School of Music in the Birmingham Midland Institute (heute Birmingham Conservatoire) an und wurde 1908 Elgars Nachfolger als Musikprofessor an der Universität Birmingham (1930 wurde er in den Adelsstand erhoben).
Als Schüler Frederick Corders an der Londoner Royal Academy of Music waren Wagner und vor allem Liszt für ihn von starkem Einfluß, wie besonders seine Tondichtungen (The Witch of Atlas, 1902, Fifine at the Fair, 1901), aber auch seine Programmsinfonien zeigen. Gerade dies war von nicht geringer Beliebtheit in der britischen Musiklandschaft Anfang des Jahrhunderts. Der Weltkrieg brachte wie für manch anderen Komponisten auch für Bantock einen Bruch seiner Popularität. Retrospektiv hat man Bantocks Stil vielfach als eklektisch beschrieben, doch weist er in vielen seiner Werke eine Kreativität auf, die vielleicht nicht harmonisch bedingt sein mag, aber von der Formstruktur her oder in instrumentatorischer Hinsicht nachhaltige Bedeutung erlangt hat, die bislang noch kaum erkannt worden ist. Abgesehen von diesen besonderen Fähigkeiten weist Herbert Antcliffe auf Bantocks Bedeutung als Förderer anderer Kollegen hin und meint deshalb, die Bezeichnung eines „English Liszt“ treffe durchaus zu. Bantock galt als guter Dirigent und setzte sich unermüdlich für die Werke anderer ein (darunter Boughton, V. Williams, Harty und Bax), außerdem war er enger Freund und Vertrauter von Havergal Brian, Josef Holbrooke und anderen; zu seinen Schülern zählen Clarence Raybould, Julius Harrison, Claude Powell, Cecil Gray und Christopher Edmunds.
Die Pagan Symphony aus den Jahren 1923-8 ging teilweise aus dem unvollendeten zweiten Teil des Chorballetts mit Gesangssoli The Great God Pan: Festival of Pan hervor. Der erste Teil des Balletts (dem Norman Demuth an Strauss gemahnende Qualität zuspricht) wurde unter dem Titel Pan in Arcady 1915 veröffentlicht und am 9. Dezember 1919 in Glasgow uraufgeführt.
Mit der Pagan Symphony, die er seinem Sohn Raymond widmete, greift Bantock das Thema der mythischen griechischen Antike auf; der Komponist liebte die Zeit der Antike und des Orients ganz besonders – neben den bereits genannten Werken seien hier die Symphonische Dichtung The Witch of Atlas (1902), die Orchestergesänge Sappho (1905), die Ouvertüre Oedipus Coloneus (1911), die Sinfonie The Cyprian Goddess (1938-9) oder die Overture to a Greek Comedy (1944) erwähnt.
Die Pagan vereinigt wie schon die Hebridean Symphony in ihrer Einsätzigkeit auch die Mehrsätzigkeit der herkömmlichen Sinfonie – wobei sich die Autoren allerdings uneinig sind, welcher Satz wann beginnt und endet und um wieviele Sätze es sich handelt. Dem Verfasser dieser Zeilen scheint wahrscheinlich, dass die Pagan Symphony viersätzig ist, mit langsamem Satz und (in der Partitur als solches bezeichnetem) Scherzo. Der quasi Kopfsatz der Sinfonie (mit langsamer Einleitung, Exposition (ab [3]), Durchführung (ab [11] 2) und Reprise (2 [21])) wird hauptsächlich von einem Thema und einem weiteren Motiv bestritten. Das Thema wird weiterverarbeitet, es finden sich Anklänge an Ravel (vor [6]), Dukas, Strauss (4 [18]) oder Saint-Saëns ([16]). Modale Harmonik und die Verwendung des Quartintervalls weisen durchaus auf zeitgenössische Komponistenkollegen (Nielsen) hin, und gerade in dieser besonderen Verknüpfung traditioneller Harmonik mit Quarten- und modaler Harmonik erweist sich Bantocks Innovationspotential.
Der langsame Satz (ab 4 [23]) beginnt mit einem Violinsolo, aber auch das Hauptthema und das Motiv des Kopfsatzes finden vielfache Wiederverwendung. Die zweite Hälfte des Satzes (ab 2 [35]) ist eine Fuge. Zwei Takte leiten zum Scherzo (‚Dance of Satyrs‘) über (ab [39]), das sich als weitere Fuge erweist. In ihrer grotesken Instrumentierung reicht sie an Janáček und Schostakowitschs Oper Nos (1927-28) heran. Die ‚battle-scene‘, wie es Havergal Brian nennt, ist ein Schlagzeugabschnitt, gefolgt von Fanfaren. Das zweite Scherzo (ein weiterer Tanzabschnitt) und das Finale sind derart verknüpft, dass das zweite Scherzo (ab [50]) mit der Vorstellung eines neuen Themas gleichzeitig die Exposition des Finales ist. In der Reprise ([77] 3) kehrt das Thema in exakt seiner ursprünglichen Gestalt wieder, während es in der Durchführung ([60]), die einen Abschnitt „‘Poikilothron athanat Aphrodita‘ (‚Immortal Aphrodite on your elaborate throne‘)“ (der Titel ist einem Gedicht Sapphos entlehnt) enthält, regeltreu verarbeitet worden war. In der an Strauss, Korngold, Elgar u.a. gemahnenden Reprise (Bantock nennt sie „Finale“) kehren zahlreiche vorher vorgestellte Themen und Motive wieder und werden quasi zusammenfassend wiederaufgegriffen.
Die Sinfonie trägt das lateinische Motto „Et ego in Arcadia vixi“ - darüber hinaus gibt Bantock keine Erläuterungen. In einer Programmnotiz, die wahrscheinlich von Bantock stammt oder zumindest von ihm gebilligt wurde, wird auf Horaz‘ Oden und insbesondere den Beginn der XIX. Ode Bezug genommen: „Bacchum in remotis carmina rupibus vidi docentum ‑ credite posteri - Nymphasque discentes et aures, capripedum Satyrorum acutas.“ (Ich sah, glaubt es ihr Nachkommen, Bacchus in entlegenen Schluchten Lieder lehren und ich sah lernende Nymphen und spitze Ohren der bocksfüßigen Satyrn.)
Die Musik mag als Vision der Vergangenheit beschrieben werden, als der griechische Gott Dionysos (Bacchus) als Bringer von Glück und Reichtum, als Liebhaber von Wahrheit und Schönheit, als Sieger über die Kräfte des Bösen verehrt wurde. (Die unsterbliche Aphrodite auf besticktem Thron erscheint kurz als Göttin der Liebe, um die Welt an ihre allwaltende Macht und prächtige Schönheit zu erinnern.)
Die Sinfonie erlebte ihre Uraufführung am 8. März 1936 durch das BBC Symphony Orchestra unter Adrian Boult; gleichzeitig erschien die Partitur im Druck.
Jürgen Schaarwächter, 2017
Nachdruck eines Exemplars aus der Sammlung Jürgen Schaarwächter, Köln.