Ketil Hvoslef
(b. Bergen, 19 July 1939)
Concerto for Violin and Pop Band
(1979)
Preface
Ketil Hvoslef is the youngest son of Norway’s preeminent symphonist Harald Sæverud (1897-1992) and Marie Hvoslef (1900-82). His birth coincided with the completion of Siljustøl, the great mansion in the outskirts of Bergen where the Sæverud family settled and where Harald Sæverud lived until his passing on 27 March 1992.
Being the son of a great composer, music was naturally very present during Hvoslef’s upbringing. He learned to play the piano and the viola and, in his teens, he became heavily involved in Bergen’s jazz and pop music environment, becoming a member of what was, reportedly, Bergen’s first rock band. Hvoslef (who retained the Sæverud surname until his 40th birthday, when he decided to adopt that of his mother) had, however, plans to become a painter and took serious steps in that direction. It was in the Bergen Art Academy that he met the painter Inger Bergitte Flatebø (1938 - 2008), who would become his wife and adopt the Sæverud surname.
With the birth of their first child, Trond Sæverud, in 1962, Hvoslef abandoned his dreams of becoming either a pop star or a painter and he took an organist’s diploma at the Bergen Music Conservatoire. Upon finishing his studies, he was offered a position as theory teacher at the Conservatoire by its director, the legendary Gunnar Sævig (1924-69).
Hvoslef became a composer almost by accident. In his 25th year he composed a piano concertino for his own satisfaction. Shortly after, his father passed on to him a commission for a woodwind quintet he had no time or inclination to write. And after that he simply kept going. He had study periods in Stockholm (with Karl-Birger Blomdahl [1916-68] and Ingvar Lindholm [b. 1921]) and in London (with Henri Lazarof [1932-2013] and Thomas Rajna [b. 1928]).
Since the 1970s Hvoslef has received a fairly steady stream of commissions and his work list counts with some 140 compositions to date. Hvoslef always enjoys a challenge and he has often written for unusual or seemingly “hopeless” instrumental combinations, always using the limitations of the ensemble as a stimulant for his imagination. He has written for large orchestra, for a great variety of chamber ensembles and for solo instruments. He has so far composed nineteen concertos and three operas.
Hvoslef was the Festival Composer of the Bergen International Festival in 1990 and has received several prizes, such as the Norwegian Composers’ Society’s “work of the year” on four occasions (1978, 1980, 1985 and 1992) and TONO’s Edvard Prisen in 2011.
Hvoslef’s music is characterized by great transparency and by a conscious building of tension achieved by accumulating latent energy. He wants his listeners to lean forward and listen rather than sit back and be lulled into a rêverie. Listening to a Hvoslef composition is always an adventure: one never knows what to expect. He stretches sections of the music almost to breaking point and only then introduces a new idea. His music has a classical clarity and transparency and is therefore always easy to follow. Although his very personal and concentrated language is very much of its time, Hvoslef is not averse to using material that is recognizably tonal (such as major and minor triads) albeit always in a context that sets these familiar sounds in conflict with their surroundings. Rhythm is a very prominent aspect of Hvoslef’s music. Although the vast majority of his production is notated in 4/4 metre, his rhythmical patterns almost never conform to it, always favouring patterns of odd-numbered notes.
Ketil Hvoslef is, without a doubt, one of the greatest composers to emerge from Scandinavia in the past fifty years, as well as one of the truly original masters of our time.
Concerto for Violin and Pop Band
Hvoslef’s background as a pop and jazz musician no doubt imbued him with a fascination for rhythm and its inexhaustible reservoir of possibilities and intricacies. He has, however, only made that background unequivocally explicit in one work: his “Concerto for violin and pop band” from 1979. In it he endeavoured to provide a veritable piece of musical entertainment without sacrificing his artistic integrity. Although the work is exciting and fun to listen to, it does not in the least attempt to play down to the listener. This ranks, in fact, among Hvoslef’s most concentrated and tautly crafted compositions where it regards motivic development and balanced form. By way of the time-honoured techniques of inversion, augmentation and diminution Hvoslef creates a large, varied and colourful musical tapestry out of very little material. The opening chromatic three-note motif gives birth to several other ideas that seem to sprout out of it like branches off a tree. In typical Hvoslef fashion, the listener’s ability to determine where the beat lies is thwarted from the very first bar and it stays so for a long time. Even when continuous sixteenth notes finally appear on the ride cymbal on bar 46, the 25-beat long ostinato on the bass (divided in groups of 7 and 8 eighth notes and including syncopated rhythms) continues to make any sense of metre impossible to ascertain. The rhythmical patterns constantly challenge the foursquare metre. When, after an exhilarating quasi bebop section beginning in measure 203, the bass and piano repeat a low staccato D every two beats for 49 bars against a melodic line of increasing angst, the effect is almost unnerving in its implacable determination. This section leads headlong into an empty space left for a cadenza that is expected to be written by the soloist or, as was the case in a performance given by this writer in 1999 (documented on YouTube) made into a short group improvisation.
Lyricism is also present. Beginning on measure 84 Hvoslef, a composer sooner associated with tiny two and three-note motifs, gives us 35 bars of almost continuous melody. However, the loveliness of the tune is kept in check by an unsettling syncopated ostinato that will form the basis for the very dark, inexorable conclusion of the piece (beginning in measure 341).
The work received its premiere at the Kalvøya rock festival in Bærum (near Oslo) on August 26th 1979. It was performed by Trond Sæverud as the soloist with the composer (his father) at the piano and musicians (from both the pop and classical fields) from Bergen. The violinist reminisces that the work was commissioned by the festival “as a cultural alibi - [i.e.] having one serious piece included - at least that’s how I remember my father referring to it - in a feeling, already, of not being really wanted there”. Sæverud further recalls: “I enjoyed playing the piece - but the performance at Kalvøya was a disaster”. The Irish songwriter Van Morrison was that year’s main attraction and his performance was the “start of a, for him, crucial comeback tour - and his needs dictated everything else - access to stage, backstage facilities, etc - making everything difficult (on top of the general feeling that we didn’t belong in the first place and were, at best, treated with polite condescension by those in charge). Van Morrison blew all the monitors during his set - that preceded ours - so we could not hear each other at all - only a roar. So we tried to coordinate visually, but had no chance. Nothing worked.” *)
Hvoslef writes: “In 1979 my violinist son was 17 years old, so it seemed appropriate to use him in this youthful musical context. The idea was to write music for violin and instruments used in pop bands at the time but with a structure that was nearer a “classical” concerto than a “classical” pop tune. The result was, all the same, no crossover music, although my musical expression was (is) never so very far from my (suspect) past as a jazz/pop musician.” **)
The original manuscript of the work is cast in short score format with clear indications as to which instruments are meant to play the different lines. This edition presents the work in full score for the first time, as well as providing individual parts for the players. Hopefully this will increase the chances of arousing interest for this fascinating work among violinists who may wish to venture into “crossover” territory while staying well within the bounds of artistic integrity. It is a unique work in the literature. Its only distant relative is Frank Zappa’s “Music for electric violin and low budget orchestra”, written in a vastly different style.
Ricardo Odriozola, Bergen, 2 February 2017
*) Email from Trond Sæverud, 2 February 2017
**) Letter from Ketil Hvoslef, 2 February 2017
Ketil Hvoslef
(geb. Bergen, 19. Juli 1939)
Concerto for Violin and Pop Band
(1979)
Vorwort
Ketil Hvoslef ist der jüngste Sohn des überragenden norwegischen Symphonikers Harald Sæverud (1897-1992) und seiner Frau Marie Hvoslef (1900-82). Seine Geburt fiel mit der Fertigstellung von Siljustøl zusammen, dem weiträumigen Domizil an der Peripherie von Bergen, wohin die Familie Sæverud übersiedelte, und wo Harald Sæverud bis zu seinem Tod am 27. März 1992 lebte.
Als Sohn eines großen Komponisten war es für Hvoslef völlig natürlich, während seines Heranwachsens beständig von Musik umgeben zu sein. Er lernte, Klavier und Bratsche zu spielen, und als Jugendlicher wurde er intensiv in die Bergener Jazz- und Popszene involviert, und gehörte, wie erzählt wird, zu den Mitgliedern von Bergens erster Rockband. Hvoslef (der den Nachnamen Sæverud bis zu seinem 40. Geburtstag beibehielt, um sich dann für den Nachnamen seiner Mutter zu entscheiden) hatte jedoch vor, Kunstmaler zu werden, und unternahm ernsthafte Schritte in dieser Richtung. So lernte er auf der Bergener Kunstakademie die Malerin Inger Bergitte Flatebø (1938-2008) kennen. Die beiden heirateten, und sie nahm den Nachnamen Sæverud an.
1962, mit der Geburt ihres ersten Kindes Trond Sæverud, verwarf Hvoslef seine bis dahin gehegten Träume, entweder ein Popstar oder Maler zu werden, und schrieb sich am Bergener Konservatorium ein, um das Organistendiplom zu erwerben. Mit Beendigung seines Studiums bot ihm Gunnar Sævig (1924-69), der legendäre Direktor des Konservatoriums, eine Stelle als Theorielehrer an.
Hvoslef wurde fast zufällig zum Komponisten. Mit 25 Jahren schrieb er zu seinem eigenen Vergnügen ein Klavier-Concertino. Kurz darauf leitete sein Vater den Auftrag, ein Bläserquintett zu schreiben, an ihn weiter, da er keine Zeit dafür hatte (oder vielleicht einfach nicht wollte). Danach machte Hvoslef einfach weiter. Er studierte einige Zeit Komposition in Stockholm (bei Karl-Birger Blomdahl [1916-68] und Ingvar Lidholm [geb. 1921] und in London (bei Henri Lazarof [1932-2013] und Thomas Rajna [geb. 1928]).
Seit den 1970er Jahren erhielt er in ziemlich beständigem Fluss Aufträge, und seine Werkliste umfasst mittlerweile etwa 140 Kompositionen. Hvoslef liebt immer neue Herausforderungen und hat viel für ungewöhnliche oder auch scheinbar unmögliche Kombinationen von Instrumenten geschrieben, indem er stets die Begrenzungen des Ensembles zur Befeuerung seiner Phantasie nutzt. Seine Musik umspannt das große Orchester, eine große Vielfalt von Kammerbesetzungen und Soloinstrumente. Bisher hat er 19 Solokonzerte und drei Opern vollendet.
1990 war Hvoslef Festivalkomponist des Bergen International Festival. Er wurde mit mehreren Preisen ausgezeichnet, darunter vier Mal (1978, 1980, 1985 und 1992) von der Norwegischen Komponisten-Vereinigung für das ‘Werk des Jahres’ und 2011 von TONO mit dem Edvard Prisen.
Typisch für Hvoslefs Musik ist ihre auffallende Transparenz und der bewusste Spannungsaufbau durch die Akkumulation latenter Energie. Er möchte, dass seine Zuhörer auf der Stuhlkante sitzen und wirklich hören, statt sich zurückzulehnen und in Träumereien gehen zu lassen. Eine Komposition Hvoslefs zu hören ist immer ein Abenteuer: Man weiß nie, was einen als nächstes erwartet. Er dehnt Abschnitte der Musik oft bis an die Grenzen der Belastbarkeit, um erst dann einen neuen Gedanken einzuführen. Seine Musik hat geradezu klassische Klarheit und Durchsichtigkeit und ist daher ohne Schwierigkeiten mitzuvollziehen. Obwohl seine sehr persönliche und konzentrierte Tonsprache absolut auf der Höhe der Zeit ist, ist Hvoslef keineswegs der Verwendung von offenkundig tonalen Bausteinen (wie Dur- oder Molldreiklängen) abgeneigt, jedoch immer in einem Zusammenhang, der diese vertrauten Klänge in Konflikt mit ihrer Umgebung geraten last. Zwar ist die überwiegende Zahl seiner Kompositionen im Vierviertel-Metrum notiert, doch gehen seine rhythmischen Patterns fast nie conform mit dem metrischen Pulsieren, sondern bilden fast immer synkopisch verbundene Gestalten. Ketil Hvoslef ist zweifellos einer der bedeutendsten Komponisten, die Skandinavien in den letzten fünfzig Jahren hervorbrachte, und einer der wahrhaft originellen Meister unserer Zeit.
Concerto for Violin and Pop Band
Hvoslefs Erfahrungen als Pop- und Jazzmusiker durchtränkten ihn zweifellos mit einer Faszination für den Rhythmus und dessen unerschöpfliches Reservoir an Möglichkeiten und Verzwickheiten. Jedoch hat er diese Erfahrungen nur in einem Werk explizit verwertet: in seinem ‘Concerto for Violin and Pop Band’ von 1979. In diesem Werk liefert er echte musikalische Unterhaltung, ohne seine künstlerische Integrität zu verleugnen. Obwohl das Konzert aufregend zu hören ist und Spaß bereitet, ist es nicht im Geringsten ein Versuch, dem Hörer harmlos zu begegnen. In der Tat ist es eine von Hvoslefs konzentriertesten und besonders straff ausgeführten Kompositionen, was motivische Entwicklung und Balancierung der Form betrifft. Mittels der altehrwürdigen Techniken der Umkehrung, Augmentation und Diminution schafft Hvoslef aus sehr wenig Material ein großes, vielfältiges und farbenreiches Gewebe.
Das eröffnende, chromatische Drei-Noten-Motiv ist die Keimzelle mehrerer weiterer Ideen, die daraus hervorzusprießen scheinen wie die Äste aus einem Baum. In typisch Hvoslef’scher Manier werden die Fähigkeiten des Hörers, herauszuhören, wie der Puls sich artikuliert, vom ersten Takt an für lange Zeit konterkariert. Sogar wenn dann ab Takt 46 kontinuierliche Sechzehntelnoten auf dem Ride-Becken gespielt werden, macht es das sich über 25 Schläge erstreckende Bass-Ostinato (verteilt in Gruppen zu 7 bzw. 8 Noten inclusive synkopierter Rhythmen) weiterhin unmöglich, einen sicheren Sinn für das Metrum zu etablieren. Die rhythmischen Patterns widersprechen fortwährend dem Vier-Viertel-Metrum. Und wenn – nach einem erheiternden, in Takt 203 beginnenden Quasi-Bebop-Abschnitt – der Bass und das Klavier 49 Takte lang ein tiefes Staccato-D auf jedem zweiten Schlag gegen eine sich in ihrem angsterfüllten Ausdruck steigernde Melodie wiederholen, ist die Wirkung fast nervenzerreißend in ihrer unerbittlichen Bestimmtheit. Dieser Abschnitt mündet Hals über Kopf in den leeren Raum ein, der für eine Kadenz reserviert ist, die entweder vom Solisten komponiert werden soll, oder – wie bei einer Aufführungen des Unterzeichnenden im Jahr 1999 (dokumentiert auf YouTube) – als kurze Gruppenimprovisation auszuführen ist.
Lyrischer Ausdruck ist auch gegeben. Ab Takt 84 schenkt uns Hvoslef, im Kontrast zu den bisher herrschenden 2- und 3-Ton-Motiven, eine 35 Takte lange, fast durchgehende Melodie. Allerdings wird die Lieblichkeit der Melodie von einem verstörenden synkopierten Ostinato in Schach gehalten, das die Basis der ab Takt 341 beginnenden, sehr dunklen, erbarmungslosen Schlussphase des Stücks bildet.
Zur Uraufführung gelangte das Konzert für Violine und Pop-Band am 26. August 1979 beim Kalvøya Rock Festival in Bæreum nahe Oslo. Es spielte Trond Sæverud mit dem Komponisten (seinem Vater) am Klavier und weiteren Bergener Musikern sowohl aus der Pop- als auch aus der Klassikszene. Der Geiger erinnert sich, dass das Werk vom Festival “als ein kulturelles Alibi [i.e.] in Auftrag gegeben wurde – inclusive einem ernsthaften Stück – zumindest erinnere ich mich so an das, was mein Vater dazu sagte – mit einem Gefühl, als ob es nicht wirklich erwünscht war”. Trond Sæverud erzählt außerdem: “Ich genoss es, das Stück zu spielen – aber die Aufführung in Kalvøya war ein Desaster.” Der irische Songwriter Van Morrison war die Hauptattraktion in jenem Jahr, und sein Auftritt war “der Beginn einer – für ihn – entscheidenden Comeback-Tour – und seine Bedürfnisse diktierten alles übrige – Zugang zur Bühne, Backstage-Einrichtungen usw. – was alles sehr schwierig machte (über die Tatsache hinaus, dass wir dieses grundsätzliche Gefühl hatten, dass wir nicht wirklich dazugehörten und bestenfalls mit höflicher Herablassung von den Verantwortlichen behandelt wurden). Van Morrison ruinierte während seines Auftritts, der dem unseren vorausging, sämtliche Abhörgeräte, wodurch wir uns gegenseitig überhaupt nicht hören konnten – nur ein Dröhnen. Also versuchten wir, uns optisch zu koordinieren, aber ohne eine Chance. Nichts funktionierte. *)
Hvoslef selbst kommentierte: “1979 war mein Geiger-Sohn 17 Jahre alt, und erschien daher angemessen, ihn in diesem jugendgerechten Kontext einzubeziehen. Die Idee war, Musik für Geige und Instrumente der Pop-Musik jener Zeit zu schreiben, doch mit einer Struktur, die näher an einem ‘klassischen’ Konzert ist als an einem Pop-Tune. Das Ergebnis war gleichwohl keine Crossover-Musik, obwohl meiner musikalischer Ausdruck nie so weit weg war (ist) von meiner (verdächtigen) Vergangenheit als Jazz- und Pop-Musiker.” **)
Das Originalmanuskript des Konzerts ist als Particell notiert, mit klaren Anweisungen, welche Instrumente die verschiedenen Linien spielen. Diese Edition präsentiert erstmals die komplett ausgeschriebene Partitur mit den Stimmen der einzelnen Spieler. Es ist zu hoffen, dass dadurch das allgemeine Interesse an dem Werk angeregt wird, vor allem unter Geigern, die sich zwar für Crossover-Terrain interessieren, jedoch im Bereich künstlerischer Integrität suchen. Es ist ein einzigartiges Stück in der Literatur. Sein einziger entfernter Verwandter ist die ‘Music for Electric Violin and Low Budget Orchestra’ von Frank Zappa, die in einem vollkommen anderen Stil gehalten ist.
*) Email von Trond Sæverud, 2. Februar 2017
**) Brief von Ketil Hvoslef, 2. Februar 2017
Ricardo Odriozola, Bergen, 2. Februar 2017