Bernhard Romberg
(b. Dinklage , 11./12. November 1767 – d. Hamburg ,13. August 1841)
Concerto for Flute and Orchestra in B minor, Op. 17
Preface
The concerto for flute and orchestra by Romberg is a tour-de-force work that exploits the technical and expressive capabilities of the instrument and foreshadows the later Romantic style. It is his Op. 17, although it is often erroneously listed as Op. 30, which is one of his several cello concertos. The scoring for strings, two oboes, two horns, two bassoons and timpani are more reflective of the orchestration of Classical-era works, although the presence of the timpani is a more unique addition.
Bernhard Romberg was a noted cellist and composer of his time. He was a court cellist in Münster and Bonn where he met Beethoven. An indication of Romberg’s growing position in the music world is that Beethoven expressed his great impression with his cello playing. Innovations in cello technique introduced by Romberg include minimizing the then wide variety of clef possibilities to the now standard bass, tenor and treble as well as designing modifications to the instrument to facilitate technique.
The bulk of Romberg’s compositions are for cello, either as solo or as a featured instrument as well as numerous string works. The Flute Concerto and the Flute Quintets, Op. 1 (Flute and String Quartet) stand out as unusual suggesting that there may have been either a commission or a close friend for whom he was writing.
Romberg concertized in Europe and demonstrated prodigious talent at an early age. His virtuosity is displayed in his compositional style. In the Flute Concerto he illustrates familiarity with the newly emerging virtuoso writing for violin, possibly due to the direction of one of his teachers, and winds, likely due to the influence of his brothers Anton, a bassoonist and Gerhard, a clarinetist.
The Concerto is his Opus 17, although earlier editions give Opus 30, which is actually the Cello Concerto No. 5. An examination of Romberg’s writing for virtuoso cello reveals his particular approach, which is for the entrance of the soloist to be given the primary theme, followed immediately by virtuosic technical passages designed to immediately impress the listener. However, Romberg does not simply write string music for the flute, as was a common approach. He clearly understood some of the idiomatic requirements of wind writing. This work is a good example of the transition in this genre from the solo-orchestra alteration of new material and familiar themes to the concerto as a vehicle to showcase the prowess of a polished performer with the orchestra for support.
After a fanfare-like opening with a full orchestra sound, the entrance of the solo flute is with a phrase that covers a two octave range in a beautifully constructed arc that reaches the upper range before descending two octave over two measures to close. The re-statement of the opening phrase follows the same pattern, enabling exploitation of the flute’s lowest range. It can be difficult for a flutist to project on the lowest C, especially in the fast passages that follow, indicating the level of ability required for this piece.
The Exposition immediately demonstrates the technical demands of the piece with expansive lines at a brisk pace. The placement of a fermata at the end of the A theme is unusual. It seems too early for a cadenza and it is most likely a dramatic effect that Romberg wanted to impose. It is possible that some performers would choose to add a very brief flourish here. Continuing this dramatic approach, the fermata is followed by a solo timpani line of dotted rhythms, underscoring the “maestoso” marking of the movement. The second theme of the exposition opens with a set of fast triplet passages that descend, in contrast with the ascending fanfare of the A theme. After one phrase into the B theme, Romberg once again interrupts with a fermata, although this is followed by composed brief embellishment in the flute line. Performers of this concerto should bear this marking in mind when making the decision as to whether or not to add their own embellishment to the first fermata. The closing theme is in the relative B minor and adds a sense of pathos, but with a conclusion on D, centering it in the major mode. The close of the Exposition is a display of complex technique, combining a variety of motivic patterns and articulations in an almost dizzying array.
The Development comes as something of a surprise as, while containing numerous technical passages, Romberg uses this area to demonstrate the lyrical capability of the flute. Here the performer would be best suited to emphasize the half note rather than the quarter as the phrasing is very broad.
The Development concludes with a re-statement of the timpani solo, this time twice as long, followed by the triplet figures on the flute as were laid out in the Exposition. The conclusion of this section, almost identical to its counterpart in the Exposition except without the fermatas, leads to the Recapitulation. Romberg does not write an exact re-statement of the Exposition but rather with the entrance of the solo flute moves directly to the lyrical melody of the closing theme of the Exposition. There is no marking for a cadenza at the end of the movement. This is not surprising as the concerto was written as the improvised cadenza was being phased out in favor of composer-conceived cadenzas or none at all.
The second movement, marked Andante grazioso, is a lyrical, expressive work, which as in the first movement, exploits almost the entire range of the instrument. Much of the expressive nature of the movement is derived from Romberg’s two main themes that begin with a long note followed soon after by fast passages that increase the intensity. The A theme remains primarily in the upper range of the instrument while the B theme is more expansive in range as well as more varied in rhythm.
The return of the A theme is not exact at all. Romberg makes reference to its opening motive but soon after offers new virtuosic passages. A Coda is added which, unlike the much more chromatic passages of the movement, are rather simple arpeggios exploiting the instrument’s upper range.
The third movement, a Rondo (Allegretto), is a delight and a dazzling display of technical prowess for the solo flute. The opening theme (A) is a folk-like melody over a pesante orchestral accompaniment. The theme itself is very “classical” in its structure: a standard four-measure arch-shaped melody that is presented twice in succession, the second a third higher, adding expressive intensity.
The B and C sections are successively more technically challenging. As compared with the overall duple groups in the A theme, the B section theme contrasts with an exploration of triplet rhythms in sixteenth notes, allowing for longer chromatic scales. A return to duple grouping provides the transition to the return of the A theme. The C section theme exploits the sixteenth note dotted rhythms of the A theme for the first expression of the section. The section then develops further to a display of scale and arpeggio patterns across a variety of rhythmic groupings. Romberg ends this section with a declamation of the rhythmic activity and a diminution of the melody to repeated half steps on the motivic dotted rhythm that serves as the transition back to the A theme.
This is a seven-part Rondo, which is a bit unusual. Clearly, Romberg decided to write a concerto of some substance of length as well as virtuosity. A particular feature of the D section is the area of call and response between the solo flute and the orchestra, elevating the ensemble from its wholly supportive role.
The final return of the A theme is truncated by the interruption of a brief cadenza-type flourish in the solo flute part. This is reminiscent of the bravura style repertoire of Friedrich Kuhlau and Jean-Louis Tulou that was beginning to populate the flute music canon at that time.
Rather than ending the movement with a final re-statement of the A theme, Romberg introduces an extended Coda with a new theme and as a new section marked Allegro non troppo. This faster tempo enables a final display of virtuosity for the flutist and brings to close a concerto that is more than worthy of a place alongside the major works for the flute.
Carol L. Shansky, 2016
For performance material contact Peters, Leipzig. Reprint of a copy from the Musikbibliothek der Münchner Stadtbibliothek, Munich.
Bernhard Romberg
(geb. Dinklage , 11./12. November 1767 – gest. Hamburg ,13. August 1841)
Konzert für Flöte und Orchester in h-Moll, op.17
Vorwort
Das Konzert für Flöte und Orchester von Bernhard Romberg ist eine wahre Glanzleistung, das die technischen und expressiven Möglichkeiten des Instruments auszunutzen weiß und den späteren romantischen Stil bereits vorausahnen lässt. Es ist Rombergs Op. 17, obgleich es oft irrtümlicherweise als Op. 30 gelistet ist, das tatsächlich eines seiner vielen Cellokonzerte ist. Die Besetzung für Streicher, zwei Oboen, zwei Hörner, zwei Fagotte und Pauken spiegelt eher die Orchestration der Werke aus der klassischen Periode wieder, obwohl die Verwendung der Pauke eine spezifischere Hinzufügung ist.
Bernhard Romberg war ein bekannter Cellist und Komponist seiner Zeit. Er arbeitete als Hofcellist in Münster und Bonn, wo er auf Beethoven traf. Ein Indiz von Rombergs wachsender Bedeutung in der Musikwelt war, dass Beethoven bekundete, welch großen Eindruck sein Cellospiel bei ihm hinterliess. Von Romberg eingeführte Innovationen in der Cellotechnik schlossen die Reduzierung der damals großen Anzahl an Schlüsselpositionen auf die heute üblichen Bass-, Tenor- und Violinschlüssel ebenso ein wie die Änderung der Gestaltung des Instruments, welche die Technik erleichtert.
Ein Großteil von Rombergs Kompositionen sind für Cello geschrieben, entweder als Soloinstrument oder in zentraler Position; ebenso schuf er etliche Werke für Streicher. Das Flötenkonzerts und das Flötenquintetts Op. 1 (Flöte und Streichquartett) fallen aus dem Rahmen und lassen vermuten, dass es sich entweder Auftragswerke handelte oder für einen engen Freund geschrieben wurden.
Romberg konzertierte in Europa und demonstrierte sein Talent bereits als Wunderkind. Sein Kompositionsstil stellt diese Virtuosität zur Schau. In seinem Flötenkonzert finden sich Ähnlichkeiten mit dem gerade aufkommenden virtuosen Komponierstil für die Violine, vielleicht aufgrund der Ausrichtung eines seiner Lehrer, und ebenfalls für Bläser, vermutlich beeinflusst von seinen Brüdern Anton, einem Fagottisten, und Gerhard, einem Klarinettisten.
Das vorliegende Konzert ist sein Opus 17, obgleich frühere Editionen ihm Opus 30 zugeschrieben haben, was tatsächlich sein Cello-Konzert Nr. 5 ist. Eine Untersuchung von Rombergs Schreibstil für virtuoses Cello weist auf sein besonderes Verfahren hin, dem Solisten gleich zu Beginn das Hauptthema zu geben, welchem sogleich virtuose Passagen folgen, um den Hörer unmittelbar zu beeindrucken. Jedoch schreibt Romberg nicht einfach Streichermusik für die Flöte, was eine damals übliche Methode war. Er verstand offensichtlich die spezifischen Voraussetzungen des Schreibens für Blasinstrumente. Dieses Werk ist ein gutes Beispiel, wie sich innerhalb dieses Genres der Übergang vollzog vom Solo-Orchester-Konzert mit Modifikationen des thematischen Materials und verwandter Themen hin zu einem Konzert, das als Vehikel diente, die Fähigkeiten eines glanzvollen Virtuosen mit Unterstützung des Orchesters zu präsentieren.
Nach einer fanfarenartigen Eröffnung in vollem Orchesterklang tritt die Soloflöte mit einer Phrase auf, die in einem wunderschön konstruierten Bogen einen Tonumfang von über zwei Oktaven abdeckt, der zunächst in die oberen Lagen reicht, bevor er über zwei Takte zwei Oktaven absteigt, um zu schließen. Die Wiederaufnahme der eröffnenden Phrase erfolgt nach demselben Muster, was die Erkundung der tiefsten Lage der Flöte ermöglicht. Es kann sich für einen Flötisten als schwierig erweisen, das tiefste C zu erreichen, vor allem in der folgenden schnellen Passage, die alleine schon ein Indiz für das technische Niveau ist, welches dieses Stück erfordert.
Die Exposition demonstriert sogleich die technischen Anforderungen des Stücks mit ausgedehnten Linien bei lebhaftem Tempo. Unüblich ist die Verwendung einer Fermate am Ende von Thema A. Es scheint zu früh für eine Kadenz, eher ist es ein dramatischer Effekt, mit dem Romberg beeindrucken wollte. An dieser Stelle ist es möglich, dass einige Darbietenden eine sehr kurze Verzierung einfügen. Die dramatische Haltung setzt sich nach der Fermate fort mit einem punktierten Rhythmus der Pauke, unterstrichen durch die Satzbezeichnung “maestoso”. Das zweite Expositionsthema eröffnet mit einer Folge von schnellen absteigenden Triolenpassagen, kontrastierend zu der aufsteigenden Fanfare in Thema A. Nach einer Phrase in das Thema B hinein unterbricht Romberg erneut mit einer Fermate, darauf folgt eine auskomponierte Verzierung der Flöten. Dies sollten Musiker bedenken, wenn sie erwägen, während der ersten Fermate eine Verzierung zu spielen. Das Schlussthema steht im verwandten h-Moll und fügt ein Gefühl von Pathos hinzu, jedoch mit einem Schluss auf D, welches die Sektion im Dur zentriert. Das Ende der Exposition ist eine Zurschaustellung komplexer Techniken, die eine Vielzahl an motivischen Mustern und Artikulationsarten in geradezu schwindelerregender Reihung kombiniert.
Die Durchführung überrascht: obwohl sie auch etliche technische Passagen enthält, nutzt Romberg diesen Abschnitt, um die lyrischen Möglichkeiten der Flöte zu demonstrieren. Hier tut der Aufführende gut daran, die Halben anstelle der Viertelnoten zu betonen, da die Phrasierung sehr breit ist.
Die Durchführung schließt mit einer Wiederaufnahme des Paukensolos, diesmal doppelt so lang, gefolgt von den Triolenfiguren in der Flöte, wie sie in der Exposition angelegt waren. Das Ende dieser Sektion, abgesehen von den Fermaten beinahe identisch zu ihrem Pendant in der Exposition, leitet in die Reprise. Romberg schreibt keine exakte Wiederaufnahme der Exposition, sondern bewegt sich mit dem Erklingen der Soloflöte direkt zur lyrischen Melodie aus dem Schlussthema der Exposition. Dies mag nicht verwundern, da das Konzert zu einer Zeit geschrieben wurde, als die improvisierte Kadenz ausgemustert wurde zugunsten von auskomponierten Kadenzen oder dem gänzlichen Verzicht auf dieses Element.
Der zweite Satz, Andante grazioso bezeichnet, ist ein lyrisches und expressives Werk, welches - wie auch der erste Satz - die gesamte Reichweite des Instruments ausschöpft. Ein großer Teil des expressiven Natur des Satzes stammt aus Rombergs zwei Hauptthemen, die mit einer langen Note beginnen, denen kurz darauf Passagen folgen, welche die Intensität steigern. Das Thema A verweilt hauptsächlich in der oberen Lage des Instruments, während Thema B expansiver ist und rhythmisch mehr variiert.
Die Wiederkehr von Thema A ist keinesfalls wortgetreu. Romberg bezieht sich auf das eröffnende Motiv, bietet jedoch kurz darauf neue virtuose Passagen. Eine Coda folgt, die, anders als die chromatischeren Abschnitte des Satzes, eher schlichte Arpeggi im oberen Feld des Ambitus verwertet.
Der dritte Satz ist ein Rondo (Allegretto), eine entzückende und überwältigende Präsentation der technischen Fähigkeiten für die Soloflöte. Das Eröffnungsthema (A) ist eine folkloristische Melodie über eine pesante-Orchesterbegleitung. Das Thema selbst weist eine sehr “klassische” Struktur auf: eine geläufige viertaktige bogenförmige Melodie, welche zwei Mal in Folge erklingt, das zweite Mal eine Terz höher, wodurch die Intensität des Ausdrucks erhöht wird.
In technischer Hinsicht werden die Abschnitte B und C stufenweise immer herausfordernder. Von den vorherrschenden Zweiergruppen im Thema A unterscheidet sich die Sektion mit Thema B durch Erforschung der Triolenrhythmen und Sechzehntelnoten, die längere chromatische Skalen ermöglichen. Die Wiederkehr der Zweiergruppen liefert auch den Übergang zum erneut erscheinenden Thema A. Abschnitt C nutzt die Sechzehntelnoten in punktiertem Rhythmus aus dem Thema A als ersten Ausdrucksabschnitt innerhalb der Sektion. Diese entwickelt sich im weiteren Verlauf zu einer Demonstration von Skalen- und Arpeggimuster innerhalb einer Vielzahl rhythmischer Gruppierungen. Romberg beendet den Abschnitt mit einer Steigerung der rhythmischen Aktivität und reduziert die Melodie auf wiederholte Halbtöne über einem motivisch punktierten Rhythmus, der als Übergang zurück zu Thema A dient.
Es handelt sich um ein siebenteiliges Rondo, eine etwas unübliche Form. Offensichtlich hatte Romberg vor, ein Konzert von ausserordentlicher Länge und Virtuosität zu schreiben. Ein besonderer Effekt der Sektion D ist die Frage-Antwort-Passage von Soloflöte und Orchester, die das Ensemble aus seiner reinen Begleiterrolle befreit.
Eine Unterbrechung durch eine kurze kadenzartige Verzierung der Soloflöte verkürzt die finale Rückkehr von Thema A. Dies erinnert an den Bravourstil eines Friedrich Kuhlau oder Jean-Louis Tuloi, der zu jener Zeit begann, die Flötenmusik zu popularisieren.
Statt den Satz mit einer Wiederaufnahme von Thema A zu beenden, präsentiert Romberg eine ausgedehnte Coda mit einem neuen Thema, die durch die Bezeichnung Allegro non troppo zu einem eigenen Abschnitt wird. Dieses schnelle Tempo ermöglicht dem Solisten ein letztes Mal, seine Virtuosität zur Schau zu stellen und beschließt ein Konzert, das es wahrhaftig wert ist, einen Platz neben den Hauptwerken für Flöte einzunehmen.
Übersetzung: Oliver Fraenzke
Aufführungsmaterial ist von Peters, Leipzig, zu beziehen. Nachdruck eines Exemplars der Musikbibliothek der Münchner Stadtbibliothek, München.