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Franco Alfano - Eliana (Suite romantica)
(b. Posillipo near Naples, 8 March 1875 - d. Sanremo 27 October 1954)
Preface
Franco was a composer whose name, though primarily known in opera circles, occupies a prominent place in the Italian late-Romantic tradition. Alfano's background helped shape his music. He started his studies at the Conservatorio San Pietro a Majella in Naples and later went to Leipzig, where his teachers were Hans Sitt and Salomon Jadassohn. In Leipzig, he also met composer Edvard Grieg, whose music influenced him. After completing his studies, Alfano moved to Berlin in 1896, initially pursuing a career as a pianist, though he soon shifted his focus toward composition. By 1899, he had, where he was exposed to the rich musical landscape of the time and traveled extensively, even reaching Russia. Establishing himself in San Remo, Italy in 1914 this place remained an important residence for him throughout his life. His teaching career was equally distinguished. He joined the Liceo Musicale in Bologna in 1916, later becoming its director in 1918. He played a significant role in fostering modern Italian music, co-founding the society Musica Nova in 1920. His influence continued as director of the Liceo Musicale (later Conservatory) of Turin from 1923 to 1939, and later as superintendent of the Teatro Massimo in Palermo (1940–42). Toward the end of his career, Alfano briefly held a professorship in operatic studies at the Conservatorio di Santa Cecilia in Rome before serving as acting director of the Liceo Musicale in Pesaro from 1947 to 1950.
One can hear Grieg's influence on Alfano's melodies, his use of different instruments and his creation of a special atmosphere through his use of lyrical, folk-like material. This approach resembles Grieg's distinctive style of a mix of folk elements with orchestral sophistication. His operas, such as Cyrano de Bergerac (1936) and Risurrezione (1904), earned him significant success during his lifetime, but his contributions extend far beyond that. La leggenda di Sakùntala, his most important stage work, demonstrates a refined, intricate orchestration, blending Italian lyricism with Debussy's harmonic richness while avoiding overt exoticism. His later operas, however, saw a decline as he leaned toward more conventional styles not accepted at the time. Possibly this is the reason why he is not as well-known today. Beyond opera, Alfano's orchestral and chamber compositions, including his Cello Sonata (1925) and Second Symphony (1931-32), reveal his evolving style, incorporating neo-classical elements while maintaining his distinctive orchestral imagination. Though not as influential as Ildebrando Pizzetti, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, or Ottorino Respighi, Alfano remains a key figure in early 20th-century Italian music.
Alfano's music is full of rich and meaningful melodies, colorful orchestral sounds, and warm harmonies, showing the style of the late Romantic period with a clear Italian touch. A great example of this is Eliana (originally called Suite Romantica), which he wrote between 1907 and 1909 and renamed in 1923. The piece premiered in Rome in 1908, showcasing Alfano's ability to blend lush harmonies with evocative orchestration, solidifying himself with a well-known reputation in the Italian symphonic tradition. He composed it as a deeply personal work, reflecting his lyrical and orchestral mastery, possibly inspired by an idealized love or poetic vision rather than a specific person as Alfano never married and little is known about his romantic life.
The 1923 re-entitling of it as Eliana takes on a more personal tone. Why Eliana? Though not directly linked to a real person, the name likely represents a poetic or symbolic character, possibly an unattainable love or an artistic ideal. Alfano, known for his operatic storytelling, may have chosen the name to evoke a sense of nostalgia, longing, or romanticized beauty, reinforcing the suite's deeply expressive nature. However, at its core, it is a suite romantica. The work retains the structural elements of a traditional orchestral suite, with distinct movements that explore different moods and colors, unified by lush harmonies and sweeping melodic lines characteristic of the late Romantic style. Despite the new title, its essence remains rooted in the expressive and dramatic language of Romanticism.
Musically, Eliana embraces both popular Italian themes and a late-Romantic harmonic richness. Alfano's orchestration includes soaring string melodies, lyrical woodwind passages, and warm brass tones, all blended with a rich harmonic palette reminiscent of Puccini and Debussy. The suite captures the passionate, songlike qualities of Italian music while incorporating impressionistic textures that enhance its emotional depth. Through its vibrant orchestration, Eliana generates deep emotions from the very first note, immersing the listener in a world of warmth and lyricism which will make you think about beautiful landscapes. The interplay between rich, sweeping melodies and intricate instrumental textures creates an atmosphere of nostalgia and longing, a mark of Alfano's style. By balancing dynamic contrasts, harmonic color, and expressive phrasing, the suite achieves a deeply evocative quality, making it one of Alfano's most heartfelt orchestral works.
Alfano seamlessly shows Italian folk tunes into the fabric of his rich orchestration, creating a sound that draws the audience into a deep, colorful musical world. While it is unclear which specific folk tunes, he references, Alfano captures the essence of Italian popular music due to its simplicity, rhythm, and emotional depth. Through his skillful orchestration, he infuses folk-like melodies with grand, expansive orchestral arrangements, elevating them to a level of emotional complexity and beauty typical of Romantic music.
Alfano's unique approach to incorporating folk melodies is subtle yet powerful. He does not replicate exact tunes but instead distills their essence, transforming them into something that resonates deeply with the listener. The music feels full and purposeful, each movement building like a journey, filled with strong emotions. Eliana showcases Alfano's mastery in combining folk elements with sophisticated orchestral techniques, creates a work that is both emotionally rich and technically impressive. His careful use of harmony and thematic development highlights his skill as a composer, making the piece a beautiful and powerful musical experience.
Eliana is comprised of four movements: "Notta Adriatica" ("Adriatic Night"), "Echi dell'appennino" ("Echoes of the Apennines"), "Al chiostro abbandonato" ("In the Abandoned Cloister"), and "Natale campàno" ("Christmas Bells"). However, the meaning behind the titles remains a mystery, much like the name Eliana itself. The composer's intent with these names is unclear, but it's believed that Alfano created this scenario as a narrative framework for the listener. Drawing from his experience in opera, where storytelling is central, he crafts an imaginative journey through his music, inviting the audience to form their own mental images of the scenes he wishes to evoke.
While we may not fully understand the specific references behind the titles, the music itself provides the key to unlocking the emotional landscape Alfano aimed to create. These evocative titles guide the listener through different settings, each movement conjuring a distinct atmosphere. Alfano's background in opera is evident here, as he uses his orchestral skills to paint vivid scenes, allowing the music to tell a story without words. Through this approach, Eliana becomes a deeply personal and immersive experience for the audience, shaped by the listener's imagination.
Each movement differs characteristically, yet they all are united by a common lyrical beauty and passionate expressiveness typical of the Romantic style. The work originally was an orchestral suite, a musical form consisting of a series of instrumental pieces meant to be performed as a cohesive whole, often with contrasting movements. The suite used popular Italian material, incorporating familiar themes or folk tunes into its structure, blending them with the intense emotional depth and richness of sound that defines Romanticism. However, despite the presence of these Italian influences, the exact songs that inspired the composer remain a mystery to this day. The work also showcases the emotive powers typical of Romanticism, including expansive, sweeping melodic lines that convey deep emotion and vivid orchestration designed to evoke an intense, visceral response from both the listener and the performer. These characteristics; dramatic contrasts in dynamics, rich harmonies, and a focus on personal expression and individual feeling are hallmarks of the Romantic era, where music sought to explore the depths of human emotion and often portrayed a sense of longing and passion.
The first movement, "Notte Adriatica," immediately immerses the listener in a world of serenity and melancholy, evoking the endless expanse of the Adriatic coastline. Alfano crafts an atmosphere of stillness with lush string writing and subtle woodwind touches, which contrast magically with sudden passionate bursts from the brass and strings. The movement's rich chromaticism leads to harmonic shifts between major and minor modes of distant tonalities, evoking yearning and nostalgia typical of the Romantic period. Non-chord tones and delicate dissonances deepen the emotional resonance, reflecting a deep sense of longing and unfulfilled desire that echoes the restlessness of late-Romantic music.
Primarily in E minor, the piece shifts to E major in the B section, raising the third at the end for a magical conclusion. The theme is introduced until the first fermata, after which the exposition culminates. The development moves through contrasting themes and a tonal shift to C# minor/E major, before returning to the original theme, now enriched by elements of the B section. The ternary form is clear, and the orchestration, while standard, highlights the prominent harp texture and frequent use of divisi, adding to the piece's emotional depth.
In "Echi dell'Appennino," the second movement, Alfano sonically illustrates the grandeur of Italy's Apennine Mountains through soaring orchestral flights and dramatic dynamics. The title suggests a sense of echoing, and the movement opens with this idea realized through the remarkable interplay between the sections of the orchestra. Themes pass from one group to another in a way that mirrors the reverberations of sound through the mountains. An important characteristic of this movement is that it does not begin in the key signature of C indicated in the score. The first 16 bars serve as a transition, leading to the true theme of the second movement. This rhythmic theme, which is repeated throughout, is orchestrated in different ways and travels through various tonalities. From the very beginning, up until rehearsal number 3, it moves from the "E" from the first movement, passing through a vii chord, and resolving in C major, the same tonality in which the movement ends.
The harmonic treatment in this movement is expansive, with bold modulations and chromatic passages highlighting the dramatic effect. The movement is generally in triple meter, giving it an upbeat, lively character. Alfano uses musical techniques to create tension and excitement, often utilizing surprising harmonic choices. At times, the music feels as though it is searching for a place to rest, but these moments of calm do not always come when expected, mirroring the unpredictable nature of the Apennine Mountains. What is most impressive is Alfano's genius in maintaining the rhythmic pattern throughout the movement, while still creating the sensation of texture changes. Despite the cyclic structure, the music continually evolves, keeping the listener engaged with a sense of waiting and uncertainty, just like the echoes bouncing through the vast, wild mountain range (in this writer's opinion).
The third movement, "Al Chiostro Abbandonato," is very different from the first two. The title, which translates to "In the Abandoned Cloister," evokes the image of a quiet and perhaps old and forgotten place or memory. In this movement, the music becomes much softer and more introspective at the beginning and the end. The instruments are partially sparse, with the strings and woodwinds taking over in the texture. The soft and thoughtful orchestration creates a sense of nostalgia, almost as if the music is reflecting on past love.
The movement begins with a subtle introduction that concludes with a fermata just before the big number 2 (Con grande serenità). Marked by a slow non troppo, the woodwinds initiate a choral passage in unison rhythm, followed by a brief solo from the lower strings. The melody from the woodwinds is then repeated. At big number 2, the clarinet takes over the theme, accompanied by the strings, with a magical quality shown by the harp, which adds a cinematic feel. The trombone then assumes the melody with the same accompaniment, but now the woodwinds replace the harp's color, offering a new texture. A dramatic build-up follows, leading to rehearsal number 4, where the movement becomes darker and more mysterious. This section features darker, more sinister tones, as the orchestra unites in a powerful unison passage. The music then leads to a brilliant resolution at rehearsal number 5, where the melody returns, presented by the strings in D major. The harmony in this movement retains the essence of Romantic music, yet it feels more delicate and carefully crafted. There are moments when the harmony shifts between major and minor, giving the music a sense of uncertainty, as if it is caught in a state of indecision, mirroring the lonely and quiet atmosphere of the abandoned cloister adding the unisons chords and rhythms. Throughout the movement, the time signature remains consistently in duple meter. The horns lead the orchestra through a triplet feeling towards the largamente, where the final section gradually unfolds. As the music develops, long, sustained notes and recurring motifs from earlier in the piece slowly build towards the conclusion. The original unison woodwind theme from the introduction returns, bringing the movement to its first true pause.
The fourth movement, "Natale Campano," stands in stark contrast to the other movements. It is full of energy and exuberance, bringing the music to a celebratory close. The "bells" referenced in the title can be heard in the brass instruments, which ring bright, resonant notes that reverberate across the entire orchestra. The music moves at a fast pace, with thrilling rhythms that give it a dance-like quality, infusing the atmosphere with excitement and joy at the beginning of it. The harmony in this movement is lighter and more joyful than in previous sections, but Alfano still weaves in moments of harmonic surprise that deepen the emotional impact. These unexpected harmonic shifts, while maintaining the overall sense of celebration, suggest that even in moments of happiness, there can be complexity and surprises. The persistent use of quarter notes continues to sustain the intensity of the piece, but with a clear sense of liveliness, propelling the music forward.
Alfano masterfully transitions between different textures and orchestral colors, particularly using violins to create an expressive contrast at number 8, before the harmonic and tonal shift to E-flat major at rehearsal number 14. The orchestral sound grows even richer with the entrance of pizzicatos, further heightening the sense of festivity. By rehearsal number 18, Alfano revisits the primary theme with a full orchestral tutti, once again bringing the movement to a joyful and brilliant culmination. At rehearsal number 21, a contrasting section emerges with slower melodies and a time signature of 12/4, which adds a reflective tone before the conclusion. In rehearsal number 25, a surprising shift to 3/2 time signature leads the movement back to the original 6/4 after the fermata, restoring the rhythmic drive and rounding out the ternary form of the movement. The entire orchestra unites in unison, referencing the main theme in E Major, closing the movement with a burst of energy and celebration. This gives the movement a richness that makes it not just an ending, but a powerful, multifaceted conclusion to the entire suite.
Throughout Eliana, Alfano uses harmony to help tell the story of emotions. Each movement tells a different emotional story: the sadness of "Notte Adriatica," the greatness of "Echi dell'Appennino," the loneliness of "Al chiostro abbandonato," and the happiness of "Natale campàno." He follows the Romantic style, but his way of using harmony is special, allowing him to show many different feelings—from the sadness and mystery in "Notte Adriatica" to the excitement in "Natale campàno." Some movements, like "Echi dell'Appennino" and "Al chiostro abbandonato," have unstable harmonies that create tension and emotion, while "Natale campàno" uses clearer harmonies to bring a feeling of celebration.
Even though Eliana might not be as famous as some of his operas, it still reflects his talent. The piece is a perfect mix of beautiful Italian folk music and the grandiose, emotional style of the late Romantic period. Eliana proves that Alfano was a master at orchestral writing and that he deeply understood how to use harmony and emotion in his music. The location of the original manuscript scores and parts for Eliana are not certain, even though copies are located in several prominent institutions around the world. The New York Public Library and the Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze both contain copies of the full score. Additionally, the Archivio Storico Ricordi in Milan, which contains the archives of the Ricordi publishing company, may also house manuscripts of Alfano's works. However, the whereabouts of this score and original parts from the composer himself remain a mystery. But, one thing is very clear, and is that this work is a powerful example of Alfano's unique musical voice that can take the listener on a huge emotional and interesting journey.
Diego Montes Olivar, 2025
For performance material please contact Ricordi, Milano
Franco Alfano - Eliana (Suite romantica)
(geb. Posillipo bei Neapel, 8. März 1875 - gest. Sanremo 27. Oktober 1954)
Vorwort
Franco war ein Komponist, dessen Name, obwohl vor allem in Opernkreisen bekannt, einen herausragenden Platz in der italienischen spätromantischen Tradition einnimmt. Alfanos italienische Wurzeln haben seine Musik geprägt. Er begann sein Studium am Conservatorio San Pietro a Majella in Neapel und ging später nach Leipzig, wo Hans Sitt und Salomon Jadassohn seine Lehrer waren. In Leipzig lernte er auch den Komponisten Edvard Grieg kennen, dessen Musik ihn beeinflusste. Nach Abschluss seines Studiums zog Alfano 1896 nach Berlin. Hier strebte er zunächst eine Karriere als Pianist an, wandte sich aber bald dem Komponieren zu. 1899 ließ er sich in Paris nieder, wo er die reiche Musiklandschaft seiner Zeit kennenlernte und viele Reisen unternahm, die ihn bis nach Russland führten. Im Jahr 1914 ließ er sich im italienischen San Remo nieder, das für ihn zeitlebens ein wichtiger Rückzugsort blieb. Seine Lehrtätigkeit war ebenso bedeutsam wie seine Arbeit als Komponist. 1916 trat er in das Liceo Musicale in Bologna ein und wurde 1918 dessen Direktor. Er förderte die moderne italienische Musik und war 1920 Mitbegründer der Gesellschaft Musica Nova. Seine Einflussnahme setzte sich fort, als er von 1923 bis 1939 Direktor des Liceo Musicale (Konservatorium) in Turin war und später als Intendant des Teatro Massimo in Palermo (1940–42) wirkte. Gegen Ende seiner Karriere hatte er kurzzeitig eine Stelle als Professor für Opernstudien am Conservatorio di Santa Cecilia in Rom inne, bevor er von 1947 bis 1950 als stellvertretender Direktor des Liceo Musicale in Pesaro tätig war.
Man hört Griegs Einfluss auf Alfanos Melodiengestaltung, seinen Einsatz verschiedener Instrumente und die Schaffung einer besonderen Atmosphäre durch die Verwendung von lyrischem, volkstümlichem Material. Es erinnert an Griegs unverwechselbarem Stil, folkloristische Elemente mit orchestraler Raffinesse zu verbinden. Alfanos Opern wie Cyrano de Bergerac (1936) und Risurrezione (1904) brachten ihm zu Lebzeiten bedeutenden Erfolg, doch sein Beitrag reicht weit darüber hinaus. La leggenda di Sakùntala, sein wichtigstes Bühnenwerk, zeichnet sich durch eine raffinierte, komplizierte Orchestrierung aus, die italienische Lyrik mit harmonischem Reichtum, ähnlich wie bei Debussy, verbindet, ohne dabei zu exotisch zu sein. Seine späteren Opern hingegen verzeichneten einen Rückgang, da sie stilistisch konventioneller waren und zur damaligen Zeit nicht mehr anerkannt wurden. Möglicherweise ist dies der Grund, weshalb er heute so wenig bekannt ist. Neben den Opern zeigen Alfanos Orchester- und Kammermusikwerke, darunter die Cellosonate (1925) und die Zweite Symphonie (1931–32), seinen sich wandelnden Stil, neoklassizistische Elemente zu integrieren und gleichzeitig seine originelle Orchesterfantasie zu bewahren. Auch wenn er nicht denselben Einfluss hatte wie Ildebrando Pizzetti, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero oder Ottorino Respighi, bleibt Alfano eine Schlüsselfigur der italienischen Musik des frühen 20. Jahrhunderts.
Alfanos Musik ist voll von reichen und ausdrucksstarken Melodien, farbenfrohen Orchesterklängen, warmen Harmonien und spiegelt den Stil der Spätromantik mit einer klar italienischen Note. Ein hervorragendes Beispiel dafür ist das Werk Eliana (ursprünglich Suite Romantica genannt), das er zwischen 1907 und 1909 komponierte und 1923 umbenannte. Das Werk wurde 1908 in Rom uraufgeführt und demonstriert Alfanos Fähigkeit, üppige Harmonien mit eindrucksvoller Orchestrierung zu vereinen, womit er sich einen bekannten Ruf innerhalb der italienischen sinfonischen Tradition sicherte. Er komponierte die Suite als ein zutiefst persönliches Werk, das seine lyrische und orchestrale Meisterschaft widerspiegelt – möglicherweise inspiriert von dem Ideal der Liebe oder einer poetischen Vision. Tatsächlich heiratete Alfano nie, und über sein Liebesleben ist nur wenig bekannt.
Die Umbenennung in Eliana im Jahr 1923 verleiht dem Werk einen persönlicheren Ton. Warum Eliana? Obwohl nicht direkt mit einer realen Person verbunden, steht der Name vermutlich für eine poetische oder symbolische Figur – vielleicht eine unerreichbare Liebe oder ein künstlerisches Ideal. Alfano, bekannt für sein opernhaftes Erzählen, könnte diesen Namen gewählt haben, um ein Gefühl von Nostalgie, Sehnsucht oder romantischer Schönheit zu evozieren und so den ausdrucksstarken Charakter der Suite zu unterstreichen. Im Kern bleibt sie eine Suite romantica. Das Werk baut auf den strukturellen Elementen einer traditionellen Orchestersuite auf, mit einzelnen Sätzen, die unterschiedliche Stimmungen und Farben erkunden, vereint durch üppige Harmonien und ausladende Melodielinien, wie sie für den spätromantischen Stil charakteristisch sind. Ihr Wesen bleibt in der expressiven und dramatischen Sprache der Romantik verwurzelt.
Musikalisch vereint Eliana sowohl populäre italienische Themen als auch den harmonischen Reichtum der Spätromantik. Alfanos Orchestrierung enthält schwebende Streichermelodien, lyrische Holzbläserpassagen und warme Blechbläserklänge, alles eingebettet in eine harmonische Palette, die an Puccini und Debussy erinnert. Die Suite fängt die leidenschaftliche, liedhafte Qualität der italienischen Musik ein und ergänzt sie durch impressionistische Texturen, die ihre emotionale Tiefe verstärken. Durch seine lebendige Orchestrierung ruft Eliana bereits ab dem ersten Ton starke Emotionen hervor und versetzt den Zuhörer in eine Welt voller Wärme und Lyrik, die an schöne Landschaften denken lässt. Das Zusammenspiel zwischen reichen, weit ausgreifenden Melodien und komplexen instrumentalen Texturen schafft eine Atmosphäre von Nostalgie und Sehnsucht – ein ‚Markenzeichen' von Alfanos Stil. Durch das Gleichgewicht zwischen dynamischen Kontrasten, farbenreicher Harmonik und ausdrucksstarker Phrasierung erreicht die Suite eine tief berührende Wirkung und zählt zu Alfanos emotional eindrucksvollsten Orchesterwerken.
Alfano fügt italienische Volksweisen nahtlos in seine reichhaltige Orchestrierung ein und schafft so einen Klang, der das Publikum in eine tiefe, farbenreiche musikalische Welt hineinzieht. Auch wenn nicht klar ist, auf welche spezifischen Volksweisen er sich bezieht, fängt Alfano die Essenz der italienischen Volksmusik aufgrund ihrer Einfachheit, ihres Rhythmus' und ihrer emotionalen Tiefe ein. Durch seine geschickte Orchestrierung verbindet er volkstümliche Melodien mit großartigen, ausgedehnten Orchesterarrangements und hebt sie auf eine Ebene emotionaler Komplexität und Schönheit, wie sie für romantische Musik typisch ist.
Alfanos Herangehensweise an die Einbindung von Volksmelodien ist subtil und doch kraftvoll. Er kopiert keine exakten Melodien, sondern destilliert ihre Essenz und verwandelt sie in etwas, das den Zuhörer berührt. Die Musik fühlt sich ‚rund' und zielgerichtet an, jede Bewegung baut sich wie eine Reise auf, voller großer Emotionen. Eliana zeigt, wie gekonnt Alfano volkstümliche Elemente mit ausgefeilten Orchestertechniken in Einklang bringt und ein Werk erschafft, das sowohl emotional als auch technisch beeindruckend ist. Sein sorgfältiger Einsatz von Harmonie und thematischer Entwicklung unterstreicht sein kompositorisches Talent und macht das Stück zu einem schönen und kraftvollen musikalischen Erlebnis.
Eliana besteht aus vier Sätzen: "Notta Adriatica" (Adriatische Nacht), "Echi dell'appennino" (Echos der Apenninen), "Al chiostro abbandonato" (Im verlassenen Kloster) und "Natale campàno" (Weihnachtsglocken). Die Bedeutung der Titel bleibt ein Geheimnis, ähnlich wie der Name Eliana selbst. Es ist unklar, welche Absicht der Komponist mit diesen Namen verfolgte, aber man nimmt an, dass Alfano dieses Szenario als erzählerischen Rahmen für den Hörer schuf. Aus seiner Erfahrung mit der Oper, wo das Erzählen zentral ist, entwickelt er eine fantasievolle Reise in der Musik, die das Publikum einlädt, eigene Bilder zu den Szenen zu entstehen zu lassen.
Auch wenn wir die konkreten Bezüge hinter den Titeln nicht genau kennen, liefert die Musik selbst den Schlüssel zur emotionalen Welt, die Alfano kreierte.Der Hörer wird durch verschiedene Klanglandschaften geführt, wobei jeder Satz eine andere Atmosphäre hervorruft. Alfanos Opernhintergrund ist hier offensichtlich, er malt lebendige Szenen und lässt die Musik eine Geschichte ohne Worte erzählen. So wird Eliana zu einem anregenden Erlebnis, geprägt von der Fantasie des Hörenden.
Jeder Satz unterscheidet sich in charakteristischer Weise, doch sie alle sind durch eine gemeinsame lyrische Schönheit und leidenschaftliche Ausdruckskraft verbunden, wie sie für den romantischen Stil typisch sind. Eliana besteht aus mehreren Instrumentalstücken, die als zusammenhängendes Ganzes aufgeführt werden und oft kontrastierende Abschnitte enthalten. Die Suite verwendet populäres italienisches Material, indem sie vertraute Themen oder Volksmelodien in ihre Struktur einbaut und sie mit der Intensivität und dem Klangreichtum – für die Romantik charakteristisch – verwebt. Trotz der eindeutig italienischen Einflüsse bleiben die konkreten Lieder, die Alfano inspirierten, bis heute ein Geheimnis. Das Werk zeigt zudem die für die Romantik typische emotionale Ausdruckskraft: weit ausladende, expressive Melodielinien, lebendige Orchestrierung, die intensive Reaktionen hervorrufen soll – sowohl beim Hörer als auch beim Ausführenden. Diese Merkmale – dramatische Dynamikunterschiede, reiche Harmonien und der Fokus auf die individuelle Ausdruckskraft – sind kennzeichnend für die Epoche, in der Musik dazu diente, die Tiefen menschlicher Emotion zu erforschen und ein Gefühl von Sehnsucht und Leidenschaft auszudrücken.
Der erste Satz, "Notte Adriatica", versetzt den Hörer sofort in eine Welt der Gelassenheit und Melancholie, die an die endlose Weite der adriatischen Küste erinnert. Alfano schafft eine Atmosphäre der Stille mit üppigen Streichern und subtilen Holzbläsern, die in magischem Kontrast zu plötzlichen leidenschaftlichen Ausbrüchen der Blechbläser und Streicher stehen. Die reiche Chromatik des Satzes führt zu harmonischen Wechseln zwischen Dur- und Moll-Tonarten entfernter Tonalitäten, die Verlangen und Nostalgie hervorrufen. Nichtakkordische Töne und zarte Dissonanzen verstärken die emotionale Resonanz und den Zustand des unerfüllten Verlangens, welches die Rastlosigkeit der spätromantischen Musik widerspiegelt.
Das ursprünglich in e-Moll gehaltene Stück wechselt im B-Teil nach E-Dur und hebt am Ende die Terz an, für ein magisches Finale. Das Thema wird bis zur ersten Fermate eingeführt, danach kulminiert die Exposition. Die Durchführung bewegt sich durch kontrastierende Themen und einen Tonartwechsel nach cis-Moll/E-Dur, bevor sie zum ursprünglichen Thema zurückkehrt, das nun durch Elemente des B-Teils bereichert wird. Die ternäre Form ist klar, und die standargemäße Orchestrierung hebt die markante Harfentextur und die häufige Verwendung von Divisi hervor, was dem Stück zusätzliche emotionale Tiefe verleiht.
In "Echi dell'Appennino", dem zweiten Satz, veranschaulicht Alfano die Erhabenheit des italienischen Apennin-Gebirges durch aufsteigende orchestrale Linien und dramatische Dynamik. Der Titel suggeriert ein Gefühl des Widerhalls, was durch das bemerkenswerte Zusammenspiel der Orchestergruppen umgesetzt wird. Die Themen wechseln von einer Gruppe zur anderen und erinnern an den Widerhall des Klangs in den Bergen. Ein wichtiges Merkmal dieses Satzes ist, dass er nicht in der in der Partitur angegebenen C-Tonart beginnt. Die ersten 16 Takte dienen als Überleitung, die zum eigentlichen Thema des zweiten Satzes führt. Dieses rhythmische Thema, das während des gesamten Satzes wiederholt wird, wird auf unterschiedliche Weise instrumentiert und durchläuft verschiedene Tonarten. Von Anfang an, bis zur Nummer 3, bewegt es sich vom "E" des ersten Satzes über einen vii-Akkord und löst sich in C-Dur auf, derselben Tonart, in der der Satz endet.
Die harmonische Behandlung in diesem Satz ist ausladend, mit kühnen Modulationen und chromatischen Passagen, die die dramatische Wirkung unterstreichen. Der Satz steht im Allgemeinen im Dreiertakt, und wirkt daher beschwinglich und lebendig. Alfano setzt musikalische Techniken ein, um Spannung und Aufregung zu erzeugen, wobei er oft überraschende harmonische Entscheidungen trifft. Manchmal hat man das Gefühl, dass die Musik nach einem Ort der Ruhe sucht, aber diese Momente der Ruhe kommen nicht immer zum erwarteten Zeitpunkt und spiegeln die unberechenbare Natur des Apennin wider. Besonders beeindruckend ist Alfanos Fähigkeit, trotz des durchgehenden rhythmischen Musters immer wieder neue Klangschichten entstehen zu lassen. Trotz der zyklischen Struktur entwickelt sich die Musik ständig weiter und hält den Zuhörer mit einem Gefühl des Wartens und der Ungewissheit bei der Stange, genau wie die Echos, die durch die riesige, wilde Bergkette hallen (nach Meinung dieses Autors).
Der dritte Satz, "Al Chiostro Abbandonato", unterscheidet sich stark von den ersten beiden. Der Titel ruft das Bild eines stillen, vielleicht alten und vergessenen Ortes oder einer Erinnerung hervor. In diesem Satz wird die Musik zu Beginn und am Ende deutlich leiser und meditativer. Die Instrumentierung ist teilweise spärlich, wobei die Streicher und Holzbläser die Klangstruktur dominieren. Die sanfte und nachdenkliche Orchestrierung erzeugt ein Gefühl der Nostalgie – fast so, als würde auf eine vergangene Liebe zurückblickt werden. Eingeleitet durch ein langsames "non troppo", starten die Holzbläser mit einem chorähnlichen Abschnitt im Unisono-Rhythmus, gefolgt von einem kurzen Solo der tiefen Streicher. Die Melodie der Holzbläser wird dann wiederholt. Bei Nummer 2 übernimmt die Klarinette das Thema, begleitet von den "magisch" spielemden Streichern, was durch die Harfe verstärkt wird und dem Ganzen einen fast filmischen Charakter verleiht. Danach übernimmt die Posaune die Melodie mit derselben Begleitung, jedoch ersetzen nun die Holzbläser die Farbe der Harfe und entwickeln eine neue Klangstruktur. Es folgt ein dramatischer Aufbau bis zu Nummer 4, wo der Satz beginnt dunkler und geheimnisvoller zu erklingen. Dieser Abschnitt ist geprägt von düsteren, bedrohlichen Tönen, während das Orchester in einem kraftvollen Unisono zusammenkommt. Die Musik führt dann zu einer brillanten Auflösung bei Nummer 5, wenn die Streichermelodie zu D-Dur zurückkehrt. Die Harmonik dieses Satzes behält den Charakter der romantischen Musik bei, wirkt jedoch zarter und sorgfältiger gestaltet. Es gibt Momente, in denen die Harmonie zwischen Dur und Moll wechselt, was der Musik eine gewisse Fragilität verleiht – als wäre sie in einem Zustand der Unentschlossenheit gefangen und spiegele die einsame, stille Atmosphäre des verlassenen Klosters wider – einschließlich der Unisono-Akkorde und -Rhythmen. Während des gesamten Satzes bleibt das Metrum durchgehend im Zweier-Takt. Die Hörner führen das Orchester mit einem Triolen-Klang zum "largamente", wo sich der Schlussteil allmählich entfaltet. Es bauen sich lange, gehaltene Töne und wiederkehrende Motive aus früheren Abschnitten langsam auf, bis zum Schluss. Das ursprüngliche Unisono-Thema der Holzbläser aus der Einleitung kehrt zurück und bringt den Satz zu einer ersten echten Pause.
Der vierte Satz, "Natale Campano", steht im starkem Gegensatz zu den anderen Sätzen. Er ist voller Energie und Überschwang und bringt die Musik zu einem feierlichen Abschluss. Die im Titel erwähnten Glocken sind in den Blechbläsern zu hören, helle, resonante Töne erklingen, die durch das ganze Orchester nachhallen. Die Musik bewegt sich in rasantem Tempo und mitreißenden Rhythmen, die ihr eine tänzerische Qualität verleihen und die Atmosphäre zu Beginn mit Aufregung und Freude erfüllen. Die Harmonie in diesem Satz ist leichter und fröhlicher als in den vorangegangenen Abschnitten, aber Alfano webt immer noch Momente harmonischer Überraschungen ein, die die emotionale Wirkung vertiefen. Diese unerwarteten harmonischen Verschiebungen, die das allgemeine Gefühl der Feierlichkeit beibehalten, deuten darauf hin, dass es auch in Momenten des Glücks Komplexität und Überraschungen geben kann. Die beharrliche Verwendung von Viertelnoten hält die Intensität des Stücks aufrecht und treibt die Lebendigkeit der Musik voran.
Alfano wechselt meisterhaft zwischen verschiedenen Texturen und Orchesterfarben, insbesondere durch den Einsatz von Geigen, um einen ausdrucksstarken Kontrast bei Nummer 8 zu schaffen, bevor bei Nummer 14 ein harmonischer und tonaler Wechsel nach Es-Dur erfolgt. Der Orchesterklang wird durch das Einsetzen von Pizzicatos noch reicher und steigert das Gefühl der Festlichkeit. Bei Nummer 18 greift Alfano das Hauptthema mit einem vollen Orchestertutti wieder auf und bringt den Satz erneut zu einem freudigen und brillanten Höhepunkt. Bei Nummer 21 entsteht ein kontrastierender Abschnitt mit langsameren Melodien und einer Taktart von 12/4, was vor dem Schluss zu einem nachdenklichen Ton wird. Bei Nummer 25 führt ein überraschender Wechsel zum 3/2-Takt den Satz nach der Fermate wieder in den ursprünglichen 6/4-Takt zurück, wodurch der rhythmische Schwung wiederhergestellt und die ternäre Form des Satzes abgerundet wird. Das gesamte Orchester vereint sich im Unisono und zitiert das Hauptthema in E-Dur, was den Satz mit einem Ausbruch an Energie und Feierlichkeit beendet. Das verleiht dem Satz eine Fülle, die ihn nicht nur als Abschluss erscheinen lässt, sondern als kraftvollen, facettenreichen Schluss der gesamten Suite.
In Eliana nutzt Alfano die Harmonik, um eine emotionale Geschichte zu erzählen. Jeder Satz vermittelt eine andere Gefühlslage: die Traurigkeit in "Notte Adriatica", die Erhabenheit in "Echi dell'Appennino", die Einsamkeit in "Al chiostro abbandonato" und die Freude in "Natale campàno". Er folgt dem romantischen Stil, doch die besondere Kunst des Komponisten, mit Harmonie umzugehen, erlaubt es, eine Vielzahl an Gefühlen auszudrücken – von der Traurigkeit und dem Geheimnis in "Notte Adriatica" bis zur Aufregung in "Natale campàno". Einige Sätze, wie "Echi dell'Appennino" und "Al chiostro abbandonato", enthalten instabile Harmonien, die Spannung erzeugen, während "Natale campàno" mit klareren Harmonien ein Gefühl von Feierlichkeit vermittelt.
Auch wenn Alfanos Eliana nicht so berühmt ist wie einige seiner Opern, so spiegelt sie doch ganz klar sein kompositorisches Können wider. Das Stück ist eine perfekte Mischung aus schöner italienischer Volksmusik und dem grandiosen, emotionalen Stil der Spätromantik. Eliana beweist, dass Alfano ein Meister der Orchesterkomposition war und es sehr gut verstand, Harmonie und Emotionen in seiner Musik einzusetzen.
Der Verbleib der originalen handschriftlichen Partituren und Stimmen für Eliana ist ungeklärt, obwohl sich Kopien in mehreren bedeutenden Institutionen auf der ganzen Welt befinden. Die New York Public Library und die Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze verfügen beide über Kopien der vollständigen Partitur. Auch das Archivio Storico Ricordi in Mailand, in dem sich das Archiv des Ricordi-Verlags befindet, beherbergt möglicherweise Manuskripte von Alfanos Werken. Der Verbleib dieser Partitur und der Originalstimmen des Komponisten selbst bleibt jedoch ein Rätsel. Dieses Werk ist ein kraftvolles Beispiel für Alfanos musikalische Sprache, die den Hörer auf eine große emotionale und faszinierende Reise mitnimmt.
Diego Montes Olivar, 2025
Für Aufführungsmaterial wenden Sie sich bitte an Ricordi, Mailand.
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