Sergei Sergeyevich Prokofiev - Overture in B-flat Major for 17 Instruments, Op. 42

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Sergei Sergeyevich Prokofiev - Overture in B-flat Major for 17 Instruments, Op. 42

(b. Sontsovka, 27 April 1891 - d. Moskow, 5 March 1953)

(1926)

Preface
There are certain features recurringly found in the music of Russian composer, pianist, and conductor Sergei Sergeyevich Prokofiev that render "a remarkable aesthetic unity"1 across his body of work: a penchant for clear and compact Neo-classical forms, an impressive and playful alternation between moods, strange harmonies, strikingly sharp rhythms, a peculiar sense of humor, and a predilection for the grotesque. American music critic and author Alex Ross has also noted the composer's "knack for sensuous, Rachmaninov-like lyricism…brooding chromatic fantasies at the outer edges of the tonal…[and] a gift for what the Russian literary theorist Mikhail Bakhtin called the 'carnivalesque'—farce, parody, irresponsible merrymaking, mock grandeur."2 These attributes of Prokofiev's compositional style represent a unique musical language that can be identified and recognized in the score printed in the pages that follow.

During the Russian Revolution (1917–1923), and for nearly a decade afterward, Prokofiev was living and working abroad, dividing his time largely between Europe and the United States. The early years of this period brought forth such works as the satirical opera The Love for Three Oranges, Op. 33 (1919), and the Piano Concerto No. 3 in C Major, Op. 26 (1917–21), both of which incidentally premiered in Chicago in 1921. Composed in 1926, the Overture for 17 Instruments, Op. 42 – sometimes referred to as the "American" Overture (American Overture), the Overture in B-flat, the Overture in B-flat Major, or the Overture in B-flat Major, for 17 Instruments – was commissioned by the Aeolian Company for the opening of their new building (complete with a new concert hall) in New York City. The Aeolian Company had emerged just before the turn of the 20th century as a manufacturer of mechanical organs and pneumatic player pianos (or "pianolas"), though by the mid-1920s these automated instruments were beginning to go out of fashion with the rapid advance of phonograph records and radios. Nonetheless, the Overture was intended to celebrate the musical instrument-making firm's new location at 689 Fifth Avenue (their fourth headquarters, at that point), a commercial building constructed between 1925 and 1927 in Midtown Manhattan at the northeast corner of Fifth Avenue and 54th Street. The building's brand-new 150-seat recital hall marked a considerable downsizing from the company's previous 1,100-seat "Aeolian Hall" (housed within their "Aeolian Building" location at 29–33 West 42nd Street and 34 West 43rd Street, just north of Bryant Park), a top concert hall of its day, perhaps most notable for hosting the 1924 world premiere of George Gershwin's Rhapsody in Blue, with the composer at the piano. And yet the music that Prokofiev wrote for the newer, small-scale venue still feels enormous, evoking the grandeur of new architecture and industry – of shiny, towering skyscrapers and modern, big-city energy and excitement.

The work is "American," nominally, thanks to its creative beginnings and its inspired sonic imagery, but interestingly, Op. 42 was neither written nor premiered in the United States. The work was actually composed in France, completed on August 24, 1926, and premiered in Moscow, rather than New York, on February 7, 1927, as part of a two-month concert tour across the Soviet Union. These performances marked the first time the composer had presented his music in his motherland since his departure in 1918.

Reactions to the Overture were unenthusiastic, at least among the Soviet public. After the premiere, according to Prokofiev, there was a rather awkward silence, "...'a bewildered reaction, for the Overture had not got through to them.'..."3 Prokofiev's private journal at the time relates his struggles to win public and professional approval for the Overture, ruminating about the piece, its rehearsal, his promotions of it, and offering a diagnosis of its failure. He laid the blame in part on his listeners. He even once went so far as to perform the piece twice on the same concert program in hopes the audience would understand and appreciate it better after a second hearing. In 1928, partially in response to the criticisms, Prokofiev created an alternate version of the piece for full orchestra (Op. 42-bis), which premiered in Paris on December 18, 1930, conducted by Pierre Monteux.

The structural economy of Overture for 17 Instruments is fairly lean and basic. Staying true to the composer's Neo-classical tendencies, the work is, somewhat unremarkably, in classic rondo (A-B-A-C-A) form. There is little development of thematic materials and no coda. However, the instrumental line-up is quite unusual. Prokofiev described his conception and design of the Overture, taking into consideration the originally intended performance location, Aeolian's new concert hall: "...Since the hall was not very big I decided to use an ensemble of seventeen musicians. The chief instruments were to be two pianos, two harps and a celesta—the purpose of this last, to be played mostly in the lower register, to increase the sonority of the pianos. I included five woodwinds to carry the horizontal music; two trumpets and a trombone, used with restraint, to add power and to emphasize the rhythmic passages; and three double basses to provide the bass. The seventeenth musician was to play several percussion instruments—that's why I called it an 'Overture for Seventeen Musicians' and not seventeen instruments…"4

Readers of this score would be forgiven for being slightly confused by the composer's description above. The work is clearly titled – at least in this edition – as Увертюра для 17 инструментов (Overture for 17 Instruments), so Prokofiev's seemingly contradictory statement is a bit puzzling. Technically, the work calls for 15 distinct instrumental sounds (20 instruments total, counting those that are doubled) and requires at least 17 players: flute, oboe, 2 clarinets in C, bassoon, 2 trumpets in C, trombone, percussion (timpani, cymbals, bass drum, snare drum), celesta, 2 harps, 2 pianos, 1 cello, and 2 double basses.

The keyboard instruments and harps represent the central core of the piece. The brass and woodwinds provide sustaining power, accentuating and punctuating the melodic lines, and the strings add subtle color, lending texture and bass reinforcement. All of the instruments play a very rhythmic role, in this case, and percussive textures dominate the sound. Prokofiev skilfully uses the articulative power of the entire ensemble, delivering an overall sonic result inventively distinct from the standard, more homogenous scoring of string quartets, symphonies, and concertos of the time. His familiar, resolute tonality spiced with dissonance is quite prevalent here as well, defining a relatively simple and clear harmonic language, and the melodies demonstrate his knack for combining folk-like simplicity with Romantic lyricism.

The main theme is nothing short of exultant. The very first moments present a veritable fanfare, overflowing with noisy energy and vividly suggestive of the active, colorful, busy, and exuberant New York City of the 1920s. In the opening measures, the composer not only creates a hyperactive web of rhythm through layered ostinati, but also overlaps articulations in unison melodies. For example, some instruments slur while others play staccato, creating "hybrid" articulations that echo the rhythmic activity of the accompaniment to wonderfully dizzying effect. Interspersed between the rondo's main theme are considerably moodier lyrical episodes, some contemplative, others stirringly poetic, and others momentarily more unsettled (meandering, winding – even "churning" or spiralling temporarily), resulting in deeper sonic explorations emblematic of a short, psychedelic trip loosely akin to that associated with Berlioz's Symphonie fantastique, Op. 14 (1830). These lyrical episodes signify, as Israel Nestyev argues, the beginning of the composer's search for a new melodic style, continuing with the lyricism of The Prodigal Son, Op. 46 (1928-29) and the String Quartet No. 1 in B minor, Op. 50 (1931), to, at last, "the melodic wealth of the Second Violin Concerto, Romeo and Juliet, and other compositions of the Soviet period."5

A work rarely played, recorded, or discussed, the score for Op. 42 is not typically regarded as one of Prokofiev's most "inspired" creations, but it is notable for its joyful vigor, driving rhythms, varied textures, and extraordinary exploration of different sound combinations. The instruments are used with masterly economy and judgment to produce very bright, very lively music imbued with intelligence, from the bustling and exhilarating opening to the sudden dead-stop end. This is, as J.M. David once put it, "...a 'Russian in New York' overture in the vein of Gershwin's 'An American in Paris'."6

Samuel Judson Crawford, 2025

Bibliography
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- David, J.M. "Overture, Op. 42 'American Overture' – Serge Prokofiev." Liner Notes for Columbus State University Wind Ensemble. Electric Dawn. Columbus State University Wind Ensemble, Robert W. Rumbelow, conductor. Recorded 2004-2005. Summit Records, DCD 442, 2005. 1 CD.
- Feldman, Evan. "American Overture in B-flat." Program Notes for Eastman Wind Ensemble, Works by Sergei Prokofiev (1891-1953). Evan Feldman, conductor. Wednesday, March 6, 2002, 8:00 PM, Eastman Theatre, Eastman School of Music, University of Rochester, Rochester, NY.
- Fujita, Yoshiyuki. "Overture in B flat major, Op. 42." Liner Notes for Prokofiev, Sergei and Michael Tilson Thomas. Love for Three Oranges Suite / Lt. Kijé Suite / Overture, Op. 42. Los Angeles Philharmonic, Michael Tilson Thomas, conductor. Recorded 1983. CBS / Sony Inc. (Tokyo, Japan), 35DC 63, ℗1983 CBS Inc. 1 CD.
- Fujiwara, Jun. "American Overture Op. 42." Liner Notes for Prokofiev, Sergei. Summer Night / Seven, They Are Seven / The Meeting of the Volga and the Don / Thirty Years / American Overture / The Year 1941. St. Petersburg Philharmonic Orchestra, Vladimir Ashkenazy, conductor. Recorded December 12-14, 2002. Exton / Octavia Records Inc., Japan, OVCL-00323, 2003 ©2008. 1 CD.
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- "Overture for 17 Instruments, Op. 42." Liner Notes for Prokofiev, Sergei. The Prodigal Son Ballet / Overture for 17 Instruments. The USSR State Academic Symphony Orchestra, Gennady Rozhdestvensky, conductor. Recorded December 1979. MELODIYA / Vox Cum Laude, VCL 9036, copyright1982. 1 LP.
- "Prokofiev / Los Angeles Philharmonic / Michael Tilson Thomas, Dir." Liner Notes for Prokofiev, Sergei and Michael Tilson Thomas. Love for Three Oranges Suite / Lt. Kijé Suite / Overture, Op. 42. Los Angeles Philharmonic, Michael Tilson Thomas, conductor. Recorded 1983. CBS Records Masterworks, M 36683, copyright1983 CBS Inc. 1 LP.
-"Russian All Star Orchestra." Liner Notes for Prokofiev, Sergei. Overture in B Flat Major, Op. 42 / Suite from the Ballet "Le Chout," Op. 21 bis. The USSR State Symphony Orchestra and The Moscow RTV Symphony Orchestra, Gennadi Rozhdestvensky, conductor. Recorded May 10, 1962 and September 5, 1979. ICONE ICN-9406-2,copyright1994 ©1994. 1 CD.
- Ross, Alex. The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century. New York: Farrar, Straus and Giroux, 2007.
- Samuel, Claude. Prokofiev. Translated by Miriam John. London: Calder and Boyars, 1971.

1 Claude Samuel, Prokofiev, Translated by Miriam John (London: Calder and Boyars, 1971), 8.
2 Alex Ross, The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century (New York: Farrar, Straus and Giroux, 2007), 238.
3 Samuel, 101.
4 Lawrence Hanson and Elisabeth Hanson, Prokofiev: A Biography in Three Movements (New York: Random House, 1964), 203.
5 Israel V. Nestyev, Sergei Prokofiev: His Musical Life, Translated by Rose Prokofieva (New York: Alfred A. Knopf, 1946), 121.
6 J.M. David, "Overture, Op. 42 'American Overture' – Serge Prokofiev." Liner Notes for Columbus State University Wind Ensemble, Electric Dawn. Columbus State University Wind Ensemble, Robert W. Rumbelow, conductor, recorded 2004-2005 (Summit Records, DCD 442, 2005).

For performance material please contact Boosey & Hawkes, Berlin.

Sergei Sergejewitsch Prokofjew - Ouvertüre in B-Dur für 17 Instrumente, Op. 42

(geb. Sontsovka, 27. April 1891 – gest. Moskau, 5. März 1953)

(1926)

Vorwort
In der Musik des russischen Komponisten, Pianisten und Dirigenten Sergei Sergejewitsch Prokofjew kehren bestimmte Merkmale immer wieder, die durch sein gesamtes Schaffen hindurch "eine bemerkenswerte ästhetische Einheit"1 erzeugen: seine Vorliebe für klare und kompakte Formen aus dem Neoklassizimus, beeindruckende und spielerische Abwechslung zwischen Stimmungen, seltsame Harmonien, auffallend scharfe Rhythmen, ein eigenartiges Gefühl für Humor und eine Vorliebe für das Groteske. Auch der amerikanische Musikkritiker und Autor Alex Ross bemerkte das "Talent des Komponisten für sinnliche, Rachmaninow ähnelnde Lyrik ... nachdenkliche chromatische Fantasien an den äußeren Rändern des Tonalen... [und] ein Geschenk an das, was der russische Literaturtheoretiker Michail Bachtin das ‚Karnevaleske' nannte - Farce, Parodie, besinnungsloses Feiern, lächerliches Großtun."2 Diese Qualitäten in Prokofjews Stil stehen für eine einzigartige musikalische Sprache, die man in der Partitur, die in den folgenden Seiten abgedruckt ist, nachvollziehen kann.
Während der Russischen Revolution (1917–1923) und fast ein Jahrzehnt danach lebte und arbeitete Prokofjew im Ausland und verbrachte seine Zeit größtenteils in Europa und in den Vereinigten Staaten. In den frühen Jahren dieser Periode entstanden Werke wie die satirische Oper Der Liebe zu drei Orangen, Op. 33 (1919) und das Klavierkonzert Nr. 3 in C-Dur, Op. 26 (1917–21), die beide 1921 in Chicago uraufgeführt wurden. Die Ouvertüre für 17 Instrumente, Op. 42 – manchmal auch bezeichnet als "amerikanische" Ouvertüre (American Overture), oder Ouvertüre in B, Ouvertüre in B-Dur, oder Ouvertüre in B-Dur für 17 Instrumente – wurde 1926 von der Aeolian Company für die Eröffnungsfeier ihres neuen Gebäudes (mit einem neuen Konzertsaal) in New York City in Auftrag gegeben. Die Aeolian Company war kurz vor der Wende zum 20. Jahrhundert als Hersteller von mechanischen Orgeln und pneumatischen Spielpianos (oder "Pianolas") entstanden, doch kamen diese automatisierten Instrumente bis zur Mitte der 1920er Jahre während des rasanten Fortschritts von Schallplatten und Radios aus der Mode. Dennoch sollte die Ouvertüre den neuen Standort des Musikfabrikanten in der 689 Fifth Avenue (ihrem vierten Hauptsitz zu diesem Zeitpunkt) feiern, einem Gewerbebau, der zwischen 1925 und 1927 in Midtown Manhattan an der nordöstlichen Ecke der Fifth Avenue und der 54th Street errichtet wurde. Der brandneue Konzertsaal mit 150 Sitzen stellte eine erhebliche Verkleinerung gegenüber der vorherigen "Aeolian Hall" mit ihren 1100 Plätzen dar (untergebracht im "Aeolian Building" in der 29–33 West 42nd Street und 34 West 43rd Street, nördlich des Bryant Parks). Er war einer der besten Konzertsäle seiner Zeit, wahrscheinlich unvergessen wegen der dortigen Uraufführung von George Gershwins Rhapsody in Blue im Jahr 1924, mit dem Komponisten am Klavier. Und doch fühlt sich die Musik, die Prokofjew für den neueren, kleineren Saal schrieb, immer noch gewaltig an. Sie beschwor die Pracht neuer Architektur und Industrie – glänzende, hoch aufragende Wolkenkratzer und die moderne, energiegeladene Aufregung der Großstadt.

Die Komposition ist "amerikanisch" – im übertragenen Sinne – dank ihrer kreativen Anfänge und der inspirierten Klangwelt, aber interessanterweise wurde Op. 42 weder in den Vereinigten Staaten geschrieben noch uraufgeführt. Tatsächlich entstand das Werk in Frankreich. Es wurde am 24. August 1926 vollendet und erlebte am 7. Februar 1927 seine Premiere in Moskau im Rahmen einer zweimonatigen Konzerttournee durch die Sowjetunion. Seit Prokofievs Ausreise ins europäische Exil im Jahr 1918 waren diese Aufführungen die erste Gelegenheit für den Komponisten, seine Musik in der Heimat zu spielen.

Die Reaktionen auf die Ouvertüre waren wenig begeistert, zumindest unter dem sowjetischen Publikum. Nach der Premiere gab es laut Prokofjew eine eher peinliche Stille, "...'eine verwirrte Reaktion, denn die Ouvertüre hatte sie nicht erreicht.'..."3 Prokofjews privates Tagebuch aus dieser Zeit beschreibt seine Kämpfe, Publikum und Kritik für die Ouvertüre zu gewinnen, er sinniert über das Stück, die Proben, die Werbemaßnahmen, und bietet eine Diagnose seines Misserfolgs an. Teilweise machte er seine Zuhörer dafür verantwortlich. Er ging sogar so weit, das Stück zweimal in demselben Konzertprogramm aufzuführen, in der Hoffnung, dass das Publikum es nach einem zweiten Hören besser verstehen und schätzen würde. Im Jahre 1928, auch als Reaktion auf die Kritiken, schuf Prokofjew eine alternative Version des Stücks für grosses Orchester (Op. 42-bis), die am 18. Dezember 1930 in Paris unter der Leitung von Pierre Monteux uraufgeführt wurde.

Die strukturelle Ökonomie der Ouvertüre für 17 Instrumente ist schlank und hält sich ans Wesentliche. Getreu den neoklassizistischen Vorlieben des Komponisten ist das Werk etwas unspektakulär in klassischer Rondoform (A-B-A-C-A) gehalten, es gibt kaum Entwicklung thematischen Materials und keine Coda. Allerdings ist die Instrumentierung ziemlich ungewöhnlich. Prokofjew beschrieb das Konzept und die strukturelle Anlage der Ouvertüre unter Berücksichtigung des ursprünglich vorgesehenen Aufführungsortes, des neuen Konzertsaals der Aeolians: "...Da der Saal nicht sehr groß war, beschloss ich, ein Ensemble aus siebzehn Musikern zu verwenden. Die Hauptinstrumente sollten zwei Klaviere, zwei Harfen und eine Celesta sein - der Zweck letzterer ist, hauptsächlich im unteren Register gespielt zu werden, um die Klangfülle der Klaviere zu erhöhen. Ich fügte fünf Holzbläser hinzu, um die Musik zu festigen, zwei Trompeten und eine Posaune, mit Zurückhaltung verwendet, um Kraft hinzuzufügen und die rhythmischen Passagen zu betonen, sowie drei Kontrabässe für das Bassregister. Der siebzehnte Musiker sollte mehrere Schlaginstrumente spielen - deshalb nannte ich es eine ‚Ouvertüre für siebzehn Musiker' und nicht ‚siebzehn Instrumente'..."4

Leser der vorliegenden Partitur mögen verwirrt sein von der obigen Beschreibung des Komponisten. Das Werk ist – zumindest in dieser Ausgabe – eindeutig als Ouvertüre für 17 Instrumente betitelt, daher ist Prokofjews scheinbar widersprüchlicher Satz etwas rätselhaft. Technisch gesehen benötigt das Werk 15 verschiedene Instrumentalstimmen (insgesamt 20 Instrumente, wenn man die verdoppelten zählt) und mindestens 17 Musiker: Flöte, Oboe, 2 Klarinetten in C, Fagott, 2 Trompeten in C, Posaune, Schlagzeug (Pauken, Becken, Bassdrum, Snaredrum), Celesta, 2 Harfen, 2 Klaviere, 1 Cello und 2 Kontrabässe.

Tasteninstrumente und Harfen bilden den Kern des Stücks. Blech- und Holzbläser tragen das Werk, sie betonen und unterstreichen die Melodielinien, während die Streicher subtil Farben hinzufügen, Textur erzeugen und den Bass verstärken. Alle Instrumente haben eine ausgeprägt rhythmische Funktion, perkussive Texturen dominieren den Klang. Prokofjew nutzt gekonnt die artikulatorische Kraft des gesamten Ensembles und erzielt insgesamt ein klangliches Ergebnis, das sich erfrischend von der typischen homogeneren Besetzung von Streichquartetten, Sinfonien und Konzerten jener Zeit unterscheidet. Seine vertraut resolute Tonalität, gewürzt mit Dissonanzen, ist auch hier sehr präsent und definiert eine relativ einfache und klare harmonische Sprache, während die Melodien von seinem Talent zeugen, volkstümliche Einfachheit mit romantischer Lyrik zu verschmelzen.

Das Hauptthema ist geradezu überschwänglich. Die ersten Momente bereits präsentieren eine wahre Fanfare, überbordende, lärmende Energie, ein lebendiges Bild der aktiven, bunten, geschäftigen und ausgelassenen Stadt New York der 1920er Jahre. In den Eröffnungstakten schafft der Komponist nicht nur ein hyperaktives Geflecht von Rhythmen durch geschichtete Ostinati, sondern überlagert auch Artikulationen in unisono-Melodien. Beispielsweise spielen einige Instrumente legato, andere gleichzeitig staccato, und so entstehen "hybride" Artikulationen, die die rhythmischen Aktionen der Begleitung wunderbar mit schwindelerregendem Effekt widerspiegeln. Zwischen den Hauptthemen des Rondos erklingen deutlich stimmungsvollere Episoden voller Lyrik, einige davon kontemplativ, andere hingegen sind vorübergehend unruhiger (abschweifend, verschlungen – sogar "aufwühlend" oder zeitweise spiralförmig). Sie machen sich auf eine Forschungsreise in die tieferen Regionen des Klangs, ein kurzer, psychedelischer Trip, der entfernt an Berlioz' Symphonie fantastique, Op. 14 (1830) erinnert. Diese lyrischen Episoden, wie Israel Nestyev argumentiert, markieren den Beginn der Suche des Komponisten nach einem neuen Melodiestil, der in der Poesie von Der verlorene Sohn, Op. 46 (1928-29), dem Streichquartett Nr. 1 in B-Moll, Op. 50 (1931) und schließlich "dem melodischen Reichtum des Zweiten Violinkonzerts, Romeo und Julia und anderer seiner Kompositionen in der sowjetischen Periode" fortgesetzt wird.5

Selten gespielt, aufgenommen oder besprochen gilt Op. 42 gemeinhin nicht als eine der "inspirierendsten" Schöpfungen des Komponisten. Aber das Werk besticht durch seinen freudigen Schwung, treibende Rhythmen, vielgestaltige Texturen und eine außergewöhnliche Forschungsreise in unterschiedlichste Klangkombinationen. Mit Urteilsvermögen und meisterhafter Ökonomie sind die Instrumente eingesetzt, um eine sehr helle, sehr lebendige Musik zu kreieren, die höchst intelligent ist, von der geschäftigen und mitreißenden Eröffnung bis zum abrupten Abbruch am Ende. Dies ist, wie J.M. David einmal sagte, " ... ‚Ein Russe in New York' im Stil von Gershwins ‚Ein Amerikaner in Paris'".6

Samuel Judson Crawford, 2025

Für Aufführungsmaterial wenden Sie sich bitte an Boosey & Hawkes, Berlin.

Bibliographie
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1 Claude Samuel, Prokofiev, Übersetzt von Miriam John (London: Calder and Boyars, 1971), 8.
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4 Lawrence Hanson and Elisabeth Hanson, Prokofiev: A Biography in Three Movements (New York: Random House, 1964), 203.
5 Israel V. Nestyev, Sergei Prokofiev: His Musical Life, Übersetzt von Rose Prokofieva (New York: Alfred A. Knopf, 1946), 121.
6 J.M. David, "Overture, Op. 42 'American Overture' – Serge Prokofiev." Liner Notes für das Bläserensemble der Columbus State University, Electric Dawn. Bläserensemble der Columbus State University, Robert W. Rumbelow, Dirigent, aufgenommen 2004-2005 (Summit Records, DCD 442, 2005).

Wegen Aufführungsmaterial wenden Sie sich bitte an Boosey & Hawkes, Berlin.

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