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Adolf Busch - Symphony in E minor op. 39 for large orchestra
(b. Siegen, August 8, 1891 – d. Guilford, Vermont, USA, June 9, 1952)
Preface
Adolf Busch - a composer? The musician is known primarily as a performer, even if the community of those who appreciate historical recordings is not necessarily growing rapidly today. But anyone who has heard Busch as a violinist is not only influenced by his playing when listening to recent interpretations of the same works, but also makes demands that cannot always be met. As an interpreter, Adolf Busch was famous for the intensity of his musical approach. He refused musical beauty as an end in itself (just like his brothers) - the deepening into the musical substance is still considered exemplary today. As a person, too, Busch was similarly uncompromising - his position against Nazi Germany, his resolute devotion to and commitment to what he believed in and what was important to him are still exemplary today.
Adolf Busch was born in Siegen in 1891, the second of seven surviving children of a carpenter who, through much practice, had become a violin maker, and the daughter of a locksmith who ran her own handicrafts shop. Adolf received his first violin lessons from his father at the age of two and a half, he performed in public for the first time at the age of four, and the “child prodigy” label was not long in coming. From 1902 to 1909 he studied at the Cologne Conservatory with Willy Hess, Bram Eldering and Fritz Steinbach. Adolf’s brother, the conductor Fritz Busch, describes his brother’s composition lessons with Steinbach as “rarely given[...] but all the more excellent for it[...]”. Large and small forms were explored, and Steinbach also provided his pupil with poems on song composition. On 26 January 1909, Adolf Busch met Max Reger and he played the composer’s Violin Concerto in A major by heart, accompanied by his brother Fritz. Reger was enthusiastic about his playing, and the two subsequently gave many concerts together. Busch’s compositional development owes much to their friendship, even though other composers, such as Ferruccio Busoni, later left their mark on Busch’s oeuvre, which was nevertheless quite unique.
In 1912 Busch became concertmaster of the Vienna Konzertverein Orchestra and in 1918 was appointed professor at the Musikhochschule in Berlin, which he gave up after only a few years. Already in Vienna he had become primarius of a string quartet, which was renamed the Busch Quartet in 1918.
Adolf Busch became best known because as early as 1933 - by then living in Riehen near Basel - he cancelled all concerts in Germany because of the beginning persecution of the Jews; he was one of the founders of the Lucerne Festival and in 1939 he emigrated to the USA. There he was a co-founder of the Marlboro School of Music in 1950, and several of his descendants are still closely associated with the summer courses and the associated concerts today.
Adolf Busch’s compositional development took place parallel to his brilliant career as a violinist, even if his compositional activity had to be subordinated to concert performances. His oeuvre includes several symphonies, a violin concerto, a piano concerto and other orchestral works, organ and piano music as well as songs, several choral works, but above all chamber music in a variety of instrumentations. Busch experimented with a hardly manageable number of different duo, trio or quartet instrumentations, but we also find, for example, a quintet for saxophone and strings, another for flute and strings and a string sextet. The fact that many of his works have been forgotten for a long time is (not least) due to the difficulty of finding the scores – most of them never have been printed or are out of print today. It was not until January 2022, after many decades of oblivion, that Busch’s Piano Concerto in C major op. 31 could be performed again in Reichenbach in the Vogtland region, after new performance material had been created. Many of Adolf Busch’s music manuscripts are deposited or donated at the Paul Sacher Foundation in Basel. Seventy works with opus numbers may not seem like much at first - but many of these works are divided into opus 2a-c or even 69a-e. Nor is it easy to characterise the compositions in their diversity – they can be too different in terms of facture, ambition and target audience, from house music to symphonies with a final chorus or the choral-symphonic 6th Psalm, which was completed only a few days before his death.
Busch had already composed his first symphony (in D major) in 1907 at the age of sixteen; it has remained unpublished to this day. The Symphony in B minor op. 10, composed in 1916, was published posthumously in 2008. It is therefore misleading that the press labelled Busch’s Symphony in E minor op. 39 as his first. It is dated 10 July to 2 August 1927, i.e. during his holiday in Bad Gastein in Salzburger Land. Back in Basel, Busch played the symphony to his brother-in-law Otto Grüters on 4 August. “He reported,” says Grüters, “that the first movement was a bit of programme music: mistral mood in Giens [on the Côte d’Azur]. At first he expressed it with all kinds of instruments, but now it is only expressed with the timpani. In the last movement (manuscript(?) p. 98) is a passage that came to him in a dream dialogue with Death: Death appeared to him as a strong, beautiful man, and A explained to him what nonsense it would be to fetch him now, when he was composing so beautifully and would never do anything better. Moreover, it was a disgrace that he, Death, looked like eternal life.”
In terms of length, the composition considerably exceeds the B minor Symphony; the slow movement in particular is more than twice as long as its earlier counterpart. Busch dedicated the work – generally regarded as one of his best orchestral compositions – to his brother Fritz, who had already played it through with the Dresden Staatskapelle at the beginning of September 1927. These ideal conditions made it possible for the composer to make adjustments to the orchestration. Hans Gál, who was also present, reported that Fritz Busch made his own comments and put all his experience as an orchestral conductor at the service of his brother’s composition. Especially in the area of dynamic shading, the conductor sometimes intervened significantly to make the textures clearer and the structures easier to grasp. Fritz planned the premiere of the work for his concert tour to New York. The symphony was first heard at Carnegie Hall on 25 November 1927, but its success was overshadowed by the brilliant debut of a young violinist who was soon to become Adolf Busch’s pupil - the then eleven-year-old Yehudi Menuhin. Olin Downes, notorious critic of the New York TimesKölnische Zeitung described the work as “ a long and powerful symphony in three movements [...,] seriously and conventionally written. The composer is popular in German programmes, and it would be unfair to deny him some genuine melodic ideas and brilliant, if exaggerated, orchestration. But we can’t find much that is special.” The symphony was repeated two days later in a matinee concert at the Mecca Auditorium “with very great success”, and the double performance in New York was soon reflected in further performances in Germany, especially after the work had been contracted by Breitkopf & Härtel. The German premiere took place in Düsseldorf on 14/15 June 1928 under Hans Weisbach in the presence of the composer. “What first and foremost captivates,” said Werner Wesselhoeft in the Kölnische Zeitung , “is the elemental power of expression, not only in terms of dynamics and rhythm, but rather in the naturalness of feeling. One senses: nothing here is laboriously contrived, there is no artificial profundity; every single musical expression has its natural justification. [...] With Busch one has [...] the conviction that his work is absolutely honest. [...] The individual movements are strictly self-contained, clear and comprehensible in structure, so that the listener could follow without difficulty. The first is almost too concise to mention, with bloodcurdling and gripping tensions and contrasts in the thematic treatment. Here, as in the soulful Adagio, the whirling Scherzo and the dramatically shaped last movement with its effective conclusion, Busch shows himself as a master. Weisbach was the best interpreter of the work. With captivating verve, he spurred the orchestra on to a great performance without resorting to notes, one of the best we have ever heard here under Weisbach. Busch, Weisbach and the orchestra were celebrated by the audience.”
Fuerther performances in Dresden on 28 September 1928 under Fritz Busch, in Essen on 12 March 1929 under Max Fiedler, in Aachen on 18 March 1930 under Peter Raabe and in Basel on 13 December 1930 under Felix Weingartner, who, according to the press, rehearsed the work “with much love”, made the composer Adolf Busch, who was present at several performances, widely known as a serious orchestral composer who, in addition to his exceptional violinist activities, “also [developed] into a remarkable phenomenon as a composer,” as Karl Straube told the conductor Siegmund von Hausegger. “It is our duty to support him as a composer - who is completely outside of the party system - because in this capacity he is one of the quiet ones in the country.”
Jürgen Schaarwächter, 2024
Curator of the Brüder Busch Archive at the Max Reger Institute
The performance material is available from the publisher Breitkopf & Härtel, Wiesbaden
Adolf Busch - Sinfonie e-Moll op. 39 für großes Orchester
(geb. Siegen, 8. August 1891 – gest. Guilford, Vermont, USA, 9. Juni)
Vorwort
Adolf Busch – ein Komponist? Der Musiker ist doch vor allem als Interpret bekannt, auch wenn die Gemeinde jener, die historische Aufnahmen schätzen, heute nicht mehr unbedingt schnell wächst. Doch wer Busch als Geiger gehört hat, ist für viele neuere Interpretationen derselben Werke nicht nur geprägt, sondern stellt auch Ansprüche, die nicht immer erreicht werden können. Als Interpret war Adolf Busch berühmt für die Intensität des musikalischen Zugriffs. Musikalische Schönheit als Selbstzweck lag ihm (wie auch seinen Brüdern) fern – die Tiefe seines Eindringens in die musikalische Substanz gilt bis heute immer wieder als exemplarisch. Auch als Mensch war Busch ähnlich kompromisslos – seine Position gegen Nazideutschland, seine entschiedene Hingabe an und Einsatz für das, woran er glaubte und was im wichtig war, sind bis heute beispielhaft.
Adolf Busch wurde 1891 in Siegen geboren als das zweite von insgesamt sieben überlebenden Kindern eines Schreiners, der es durch viel Übung zum Geigenbauer gebracht hatte, und einer ihren eigenen Handarbeitsladen führenden Tochter eines Schlossers. Schon im Alter von zweieinhalb Jahren erhielt Adolf ersten Violinunterricht von seinem Vater, mit vier Jahren trat er erstmals öffentlich auf, und das „Wunderkind“-Etikett ließ nicht lange auf sich warten. Von 1902 bis 1909 studierte er am Kölner Konservatorium bei Willy Hess, Bram Eldering und Fritz Steinbach. Adolfs Bruder, der Dirigent Fritz Busch beschreibt den Kompositionsunterricht seines Bruders bei Steinbach als „zwar selten erteilt[...], dafür aber um so vortrefflicher[...]“. Große und kleine Formen wurden erkundet, außerdem versorgte Steinbach seinen Schüler mit Gedichten zur Liedkomposition. Am 26. Januar 1909 lernte Adolf Busch Max Reger kennen, er spielte, begleitet von seinem Bruder Fritz, dem Komponisten auswendig dessen Violinkonzert A-Dur vor. Reger war von seinem Spiel begeistert, und in der Folge konzertierten beide vielfach miteinander. Die kompositorische Entwicklung Buschs verdankt dieser Freundschaft viel, wenngleich später auch weitere Komponisten, etwa Ferruccio Busoni, ihre Spuren in Buschs insgesamt aber doch ganz eigenen Schaffen hinterließen.
1912 wurde Busch Konzertmeister beim Wiener Konzertvereins-Orchester und erhielt 1918 eine Professur an der Musikhochschule in Berlin, die er aber nach nur wenigen Jahren wieder aufgab. Schon in Wien war er Primarius eines Streichquartetts geworden, das 1918 zum Busch-Quartett umbenannt wurde.
Am bekanntesten wurde Adolf Busch, weil er schon 1933 – mittlerweile in Riehen bei Basel lebend – alle Konzerte in Deutschland wegen der beginnenden Judenverfolgung absagte; Er gehörte zu den Begründern der Luzerner Festwochen und 1939 emigrierte in die USA. Dort war er 1950 Mitbegründer der Marlboro School of Music, und mehrere seiner Nachfahren sind den Sommerkursen und den dazugehörigen Konzerten heute immer noch aufs Engste verbunden.
Adolf Buschs kompositorische Entwicklung vollzog sich parallel zu seiner brillanten geigerischen Karriere, auch wenn sich seine kompositorische Tätigkeit dem Konzertieren unterordnen musste. In seinem Œuvre finden sich mehrere Sinfonien, ein Violinkonzert, ein Klavierkonzert und andere Orchesterwerke, Orgel- und Klaviermusik sowie Lieder, mehrere Chorwerke, vor allem aber Kammermusik in vielfältiger Besetzung. Busch experimentierte mit einer kaum überschaubaren Menge an unterschiedlichen Duo-, Trio- oder Quartettbesetzungen, doch finden wir auch etwa ein Quintett für Saxophon und Streicher, ein weiteres für Flöte und Streicher und ein Streichsextett. Dass viele seiner Werke seit längerer Zeit vergessen sind, ist nicht zuletzt der schwierigen Greifbarkeit der Noten geschuldet – der größte Teil blieb ungedruckt oder ist heute vergriffen. Erst im Januar 2022 konnte nach vielen Jahrzehnten des Vergessens Buschs Klavierkonzert C-Dur op. 31 in Reichenbach im Vogtland wieder aufgeführt werden, nachdem neues Aufführungsmaterial erstellt worden war. Viele Notenhandschriften Adolf Buschs befinden sich als Depositum bzw. Schenkung in der Paul Sacher Stiftung Basel. Siebzig Werke mit Opuszahl mögen zunächst einmal nicht so viel scheinen – doch sind viele dieser Werke aufgeteilt in Opus 2a-c oder gar 69a-e. Auch ist es nicht leicht, die Kompositionen in ihrer Vielfalt zu charakterisieren – zu unterschiedlich können sie von Faktur, Anspruch und Zielgruppe sein, von der Hausmusik bis zur Sinfonie mit Schlusschor oder dem chorsymphonischen 6. Psalm, der nur wenige Tage vor seinem Tod vollendet wurde.
Eine Erste Sinfonie (in D-Dur) hatte Busch bereits 1907 sechzehnjährig komponiert, sie ist bis heute ungedruckt geblieben. Posthum erschien 2008 die Sinfonie h-Moll op. 10, 1916 entstanden. So ist es gänzlich irreführend, dass die Presse Buschs Sinfonie e-Moll op. 39 als seine erste bezeichnete. Sie ist datiert 10. Juli bis 2. August 1927, mithin während seines Erholungsaufenthalts in Bad Gastein im Salzburger Land. Zurück in Basel, spielte Busch schon am 4. August seinem Schwager Otto Grüters aus der Sinfonie vor. „Er berichtet,“ so Grüters, „der erste Satz sei etwas Programmmusik: Mistralstimmung in Giens [an der Côte d’Azur]. Zuerst habe er sie mit allen möglichen Instrumenten ausgedrückt, jetzt werde sie es nur noch mit der Pauke. Im letzten Satze (Manuskript(?) S. 98) sei eine Stelle, die ihm im Traumgespräch mit dem Tod gekommen sei: der Tod erschien ihm als kräftiger, schöner Mann, und A erklärte ihm was es für ein Unsinn wäre ihn jetzt zu holen, wo er gerade so schön komponiere und er nie etwas Besseres machen werde. Überdies sei es eine Schande, daß er, der Tod, aussehe wie das ewige Leben.“
Vom Umfang her übersteigt sie die h-Moll-Sinfonie beträchtlich, besonders der langsame Satz ist mehr als doppelt so lang wie das frühere Pendant. Adolf widmete das Werk, das allgemein als eines seiner besten Orchesterkompositionen angesehen wird, seinem Bruder Fritz, der es bereits Anfang September 1927 mit der Dresdner Staatskapelle durchspielte. Die idealen Voraussetzungen ermöglichten es dem Komponisten, in der Orchestrierung noch Anpassungen vorzunehmen. Hans Gál, der gleichfalls anwesend war, berichtete, dass Fritz Busch seine eigenen Anmerkungen vorbrachte und seine ganzen Erfahrungen als Orchesterdirigent in den Dienst der Komposition seines Bruders stellte. Gerade im Bereich der dynamischen Schattierungen griff der Dirigent teilweise deutlich ein, um die Texturen klarer und die Strukturen leichter fassbar zu machen. Fritz plante die Uraufführung des Werks für seine Konzertreise nach New York fest ein. Die Sinfonie erklang erstmals am 25. November 1927 in der Carnegie Hall, doch wurde ihr Erfolg überschattet durch das strahlende Debüt eines jungen Geigers, der bald darauf Schüler Adolf Buschs werden sollte – der damals elfjährige Yehudi Menuhin. Olin Downes, berüchtigter Kritiker der New York Times, bezeichnete das Werk als „eine lange und kraftvolle Symphonie in drei Sätzen […,] ernsthaft und konventionell geschrieben. Der Komponist ist in deutschen Programmen beliebt, und es wäre ungerecht, ihm einige echte melodische Ideen und eine brillante, wenn auch übertriebene Orchestrierung abzusprechen. Aber wir können nicht viel Besonderes finden.“ Die Sinfonie wurde zwei Tage darauf in einem Matineekonzert im Mecca Auditorium „mit ganz großem Erfolg“ wiederholt, und die doppelte Aufführung in New York schlug sich bald auch in weiteren Aufführungen in Deutschland nieder, besonders nachdem das Werk durch Breitkopf & Härtel unter Vertrag genommen worden war. In Düsseldorf erfolgte am 14./15. 6. 1928 die deutsche Erstaufführung unter Hans Weisbach in Anwesenheit des Komponisten. „Was zunächst und zumeist bestrickt, ist“, so Werner Wesselhoeft in der Kölnischen Zeitung, „die elementare Gewalt im Ausdruck, nicht allein nach der dynamischen und rhythmischen Seite als vielmehr in der Natürlichkeit der Empfindung. Man fühlt: hier ist nichts mühsam erklügelt, hier gibt’s keine künstlichen Tiefsinnigkeiten; jeder einzelne musikalische Ausdruck hat seine natürliche Begründung. […] Bei Busch hat man […] die Überzeugung, daß sein Schaffen unbedingt ehrlich ist. […] Die einzelnen Sätze sind in sich streng geschlossen, im Aufbau klar und verständlich, so dass der Hörer ohne Schwierigkeiten folgen konnte. Der erste ist fast zu knapp zu nennen, mit blutvollen und packenden Spannungen und Gegensätzen in der thematischen Behandlung. Hier wie in dem seelenvollen Adagio, dem wirbelnden Scherzo und dem dramatisch gestalteten letzten Satz mit dem wirkungsvollen Schluss zeigt sich Busch als Meister. An Weisbach hatte das Werk den besten Ausdeuter. Mit hinreißendem Schwung feuerte er, ohne sich der Noten zu bedienen, das Orchester zu einer ganz großen Leistung an, die mit zum Besten gehört, was wir hier unter Weisbach überhaupt gehört haben. Busch, Weisbach und das Orchester wurden vom Publikum nach Gebühr gefeiert.“
Weitere Aufführungen in Dresden am 28. September 1928 unter Fritz Busch, in Essen am 12. März 1929 unter Max Fiedler, in Aachen am 18. März 1930 unter Peter Raabe und in Basel 13. 12. 1930 unter Felix Weingartner, der das Werk, so die Presse, „mit viel Liebe einstudiert“ hatte, machten den Komponisten Adolf Busch, der bei mehreren Aufführungen anwesend war, auch als ernstzunehmenden Orchesterkomponisten weithin bekannt, der sich neben seiner exzeptionellen geigerischen Tätigkeit, so Karl Straube dem Dirigenten Siegmund von Hausegger gegenüber, „auch als Komponist zu einer bemerkenswerten Erscheinung [entwickelt]. Es ist unsere Pflicht, ihm – der ganz außerhalb des Parteigetriebes steht – als Komponist Förderung zu schenken, denn er gehört in solcher Eigenschaft zu den Stillen im Lande.“
Jürgen Schaarwächter, 2024
Kustos des BrüderBuschArchivs im Max-Reger-Institut
Das Aufführungsmaterial des Werks ist über den Verlag Breitkopf & Härtel zu beziehen.
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