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Vincenzo Tommasini - Concerto per quartetto d’archi solista ed orchestra (1938)
(b. Rome, 17 September 1878 – d. Rome, 23 December 1950)
Preface
Born at Rome on 17 September 1878, Vincenzo Tommasini was one of the leading figures in the revival of orchestral music in twentieth-century Italy. Alongside the better-known figures of Gian Francesco Malipiero, Alfredo Casella, and Ildebrando Pizzetti, Tommasini was an important figure in the so-called generazione dell’ottanta. He studied violin, piano, and composition under Stanislao Falchi at the Liceo (now the Accademia Nazionale) di Santa Cecilia at Rome, before spending a short period under the tutelage of Max Bruch at the Hochschule für Musik in Berlin.
Tommasini cultivated a great love of and interest in the modern French school: in 1907 he authored a ground-breaking article on the music of Claude Debussy, the first study of that composer to appear in the Italian language.1 The influence of Debussy and his followers can be seen throughout Tommasini’s oeuvre, starting with his String Quartet no.1 in F (1910/1912). In the following decade, Tommasini became loosely associated with Casella’s Società Italiana di Musica Moderna, although he appears to have taken little interest in the musical debates of the day and made little effort to promote his own compositions.
From the mid-1910s, Tommasini developed a profound interest in the music of the Italian past, leading to the creation of some of his most enduringly popular works. The suite Le donne di buon umore (1917), arrangements of five sonatas by Domenico Scarlatti, was commissioned by Sergei Diaghilev and performed to great acclaim by the Ballets Russes; it may have inspired Stravinsky’s Pulcinella, composed for the same company three years later. But Tommasini’s neoclassicism is most clearly seen in the series of concerti he composed during the following two decades, including those for violin (1935), string orchestra (1942), and cello (1943), and the duo concertante for piano (1948). Indeed, his artistic interests and musical output closely mirror those of his more famous contemporaries Casella and Ottorino Respighi, from the expressionism of Il carnevale di Venezia (1928) to the Gregorian inflections of Il beato regno (1921), the pastoral rhapsody Paesaggi toscani (1922) to the experimental dissonance of La tempesta (1941).
While Tommasini and his music received modest attention in the international music press during his lifetime, following his death at Rome on 23 December 1950, the popularity of his music fell into sharp decline. Now over seventy years after his death, performances of Tommasini’s work are rare; his music is ripe for rediscovery and fresh appreciation.
Tommasini’s Concerto per quartetto d’archi solista ed orchestra (1938) is a product of the neoclassical language which typifies the music of his middle period. In choosing to cast this piece in the form of a concerto grosso for the unusual combination of a string quartet and orchestra, Tommasini may have been paying homage to his friend and colleague Alfredo Casella, who had composed a comparable work in 1924. The Concerto was published by Riccordi in 1938. Unfortunately, no correspondence between the composer and the firm has survived between June 1930 and June 1942, so little can be known about the genesis of the work, but Tommasini’s original full score has survived and is now housed in the Riccordi archives.
Tommasini dedicated the work to the Quartetto di Roma, who were resident at the Reale Accademia Filarmonica and were widely regarded as one of the foremost Italian chamber ensembles of the day. In 1938, the Quartetto di Roma comprised: Oscar Zuccarini (Violin I), Francesco Montelli (Violin II; later succeeded by Ivo Martinini), Aldo Perini (Viola), and Camillo Oblach (‘Cello). The quartet were the concertino soloists at the first performance, which took place during a concert given by the Orchestra della Regia Accademia di Santa Cecilia, conducted by Bernardino Molinari, at the Teatro Adriano on Sunday 24 November 1940. (The remainder of the programme comprised: Bach’s ‘Brandenburg’ Concerto no.3; the Overture to Act I of Mussorgsky’s Khovanschina; Stravinsky’s Feu d’artifice; and Beethoven’s Symphony no.5.) The critic for Il Lavoro Fascista (“d.a.”) described it as a “first rate” performance and praised Molinari for drawing out the best of the works by “penetrating deeply into the spirit and style of each work”. The string quartet played “as a homogenous block: with technical precision, fluency in musical details, and colourful feeling [vibrazioni].”
Two days after the performance, Mario Rinaldi wrote in La Tribuna:2 “We can honestly say that the performance of this Concerto represents a notable victory for the celebrated Quartetto di Roma, who were required to play a very difficult and challenging part. The ensemble was well balanced and each of the four instrumentalists rose out of the orchestral texture with confidence and clarity. […] The distinguished conductor [Molinari], the Quartetto di Roma, and Tommasini were warmly applauded, indeed they had to appear twice on the podium.”
Rinaldi qualified his observations, however, by noting that it had become all-too-commonplace for audiences to great new pieces with uncritical enthusiasm. This observation was echoed by the anonymous critic (“A. C.”) in L’Avvenire, who wrote that while the concert presented an attractive programme, it did not justify the wild applause that it received.3 Nevertheless, he wrote that Tommasini’s Concerto received “the most cordial and sincere applause, even if broken by some sporadic disapproval”. He scolded the “dissidenti,” claiming success for Tommasini and congratulating him on “un buon lavoro”.
Rinaldi stated that Tommasini’s new work had been composed “instinctively” and “naturally,” and that it created a feeling both of “intelligence” and “of the heart.” In line with the nationalist spirit of the times, Rinaldi was keen to emphasise that Tommasini’s chosen form, the concerto grosso, was quintessentially Italian; his use of the form recalled the great composers of the Italian past, most especially Pietro Antonio Locatelli (1695-1764). The work is laid out in two movements and lasts approximately 27 minutes in performance. The first movement (Allegro moderato) exhibits three themes which are developed through a tripartite structure akin to sonata form. As Rinaldi noted, the first theme is played first by the quartet and later taken up by the orchestra, passing through all instruments until it takes over the entire texture. The critic for Il Lavoro Fascista noted a certain imbalance at the opening of the work, when the soloists dominate, but praised Tommasini for the “appropriateness” of the themes and the way in which, after the full orchestra enters, the two groups complement each other, neither coming to dominate.4 In the second movement (Adagio), Rinaldi wrote that after a short cello solo, the movement enters the atmosphere of a vision. Rinaldi recalls a passage from La Luce Invisibile: “Music mainly expresses moods and only exceptionally can it evoke specific visual images by itself. She loves wandering in an inner, purely spiritual world.”5
The anonymous critic (“l.f.l.”) of the Giornale d’Italia penned a particularly poetic tribute to the work and its composer, praising Tommasini’s “calm and sensitive art,” while simultaneously hinting that the piece lacked the inspiration of his other works.6 The critic for Il Lavoro Fascista (“d.a.”) noted that the potential problems with the concerto grosso form were happily resolved only through Tommasini’s “musical sense and intelligence”. He praised the “cantilena in sordina” towards the end of the second movement, for its “delicate sweetness”. He also praised Tommasini for the way in which he handled the concluding section, moving from the canone to the fugato, from the staccato to the adagio, “without any sense of accademismo,” instead producing a breezy, brilliant, and light conclusion. The fascist critic’s extravagant praise of the composer is worth quoting at length, if only to highlight the way in which Tommasini’s work was received by the Italian establishment: “Coming to composition during [under the influence of] impressionism, Vincenzo Tommasini matured his style with aristocratic independence, made of reserve, elegance, and Italian accent. Indeed, we would affirm that in Tommasinian music the character of a citizen of Rome is revealed. How much in impressionism moves within that moonlight, those evanescent, almost impalpable half-hues that are congenital to this style; [in Tommasini’s music] this has become clearer, [and] has acquired Roman pronunciation. In this is the originality of Tommasini, in our opinion. […] Hence the great restraint [castigatezza] that is found in the best compositions of this author. The cycles opened by the Concerto therefore arouse more poetic thoughts than poetic images; everything that is called sensualism in music tends here to resolve itself into a spiritual content. He plays silky, well-designed melodies with a demure impulse, [with] elastic structures in which, especially in the second half, exquisitely turned details are highlighted. The theme with variations of the Finale is perhaps the least settled part of the new composition, although here too the musician has never found himself unable to elaborate the material and bring it to a successful conclusion.”7
The following year, Tommasini’s Concerto received a performance on 25 September 1941, during the seventh Festival Internazionale di Musica Contemporanea della Biennale di Venezia. The concert saw a collaboration between the Concerto sinfonico di musica italiana contemporanea and the Orchestra del Teatro La Fenice, conducted by Antonio Pedrotti, Fernando Previtali, and Alfredo Casella. The Concerto opened the programme (the names of the soloists are not recorded), followed by Luigi Dallapiccola’s Piccolo concerto per Muriel Couvreux, Gianandrea Gavazzeni’s Dialogo per tenore e baritono, Gian Francesco Malipiero’s Cello Concerto, and Previtali’s Espressioni sinfoniche. Tommasini’s work was not received well. Reviewing the festival in Le Arti (1941), Alessandro Piovesan wrote perhaps the fairest assessment of the Concerto, expounding a view of the composer which remains to this day: 8 “In his Concerto for string quartet, soloist and orchestra, Vincenzo Tommasini does not touch, to tell the truth, the high creative peaks. We must judge this Concerto as a document of an expert, balanced, [and] conscientious musician, a true connoisseur of the most difficult techniques of recent times. [However,] the themes in this Concerto are not always of first choice, and the construction, well planted on the stilts of tonality, is made of parallel lines formed by a dialogue between quartet and orchestra with various transformations of the essential thematic nuclei. The atmosphere is a bit of an aside; [nevertheless,] there often emerge elegant movements of the beautiful French manners in which Tommasini’s fundamental harmonic taste is found.”
Thomas Neal, 2022
1 Vincenzo Tommasini, ‘Claude Debussy e l’impressionismo nella musica,’ Rivista musicale italiana (1907), 157-167.
2 Mario Rinaldi, ‘Bernardino Molinari e un nuovo “Concerto” di Tommasini,’ La Tribuna (26 November 1940).
3 A.C. ‘All’Adriano,’ L’Avvenire (26 November 1940).
4 “d.a.”, ‘Molinari, il Quartetto di Roma e una novità di Tommasini,’ Il Lavoro Fascista (26 November 1940).
5 “La musica esprime principalmente degli stati d’animo e solo in via eccezionale può evocare da solo immagini visive determinate. Ella ama vagare in un mondo interiore, puramente spirituale.”
6 ‘Bernardino Molinari e il Quartetto di Roma,’ Giornale d’Italia (26 November 1940).
7 “Arriveremmo anzi con l’affermare che nella musica tommasiniana si rivela il carattere d’un cittadino di Roma. Quanto nello impressionismo si muove entro quel chiarore lunare, quelle mezze tinte evanescenti, quasi impalpabili che sono congenite a questo stile, s’e fatto piu terso, ha acquistato pronunzia romana. In cio e, secondo noi, l’originalita di Tommasini.”
8 Alessandro Piovesan, ‘La VII Festa Internazionale di Musica a Venezia,’ Le Arte (1941), pp.60-62: at 61.
For performance material please contact Ricordi, Milano.
Vincenzo Tommasini - Concerto per quartetto d’archi solista ed orchestra (1938)
(geb. Rom, 17. September 1878 - gest. Rom, 23. Dezember 1950)
Vorwort
Der am 17. September 1878 in Rom geborene Vincenzo Tommasini war eine der führenden Persönlichkeiten der Wiederbelebung der Orchestermusik im Italien des 20. Jahrhunderts. Neben den bekannteren Vertretern Gian Francesco Malipiero, Alfredo Casella und Ildebrando Pizzetti war Tommasini eine wichtige Figur der so genannten generazione dell‘ottanta. Er studierte Violine, Klavier und Komposition bei Stanislao Falchi am Liceo (heute Accademia Nazionale) di Santa Cecilia in Rom, bevor er eine kurze Zeit bei Max Bruch an der Hochschule für Musik in Berlin verbrachte.
Tommasini hegte eine große Liebe und ein großes Interesse für die moderne französische Schule: 1907 verfasste er einen bahnbrechenden Artikel über die Musik von Claude Debussy, die erste Studie über diesen Komponisten, die in italienischer Sprache erschien.1 Der Einfluss von Debussy und seinen Nachfolgern zieht sich durch Tommasinis gesamtes Oeuvre, angefangen mit seinem Streichquartett Nr. 1 in F (1910/1912). Im folgenden Jahrzehnt war Tommasini lose mit Casellas Società Italiana di Musica Moderna verbunden, obwohl er sich anscheinend nur wenig für die musikalischen Debatten der Zeit interessierte und kaum Anstrengungen unternahm, seine eigenen Kompositionen bekannt zu machen.
Ab Mitte der 1910er Jahre entwickelte Tommasini ein tiefes Interesse an der alten Musik der Italiens, was zur Entstehung einiger seiner dauerhaft populären Werke führte. Die Suite Le donne di buon umore (1917), eine Bearbeitung von fünf Sonaten von Domenico Scarlatti, wurde von Sergej Diaghilew in Auftrag gegeben und von den Ballets Russes mit großem Erfolg aufgeführt; sie könnte Strawinskys Pulcinella inspiriert haben, das drei Jahre später für dasselbe Ensemble komponiert wurde. Tommasinis Neoklassizismus zeigt sich jedoch am deutlichsten in einer Reihe von Konzerten, die er in den folgenden zwei Jahrzehnten komponierte, darunter solche für Violine (1935), Streichorchester (1942) und Cello (1943) sowie das Duo concertante für Klavier (1948). Seine künstlerischen Interessen und sein musikalisches Schaffen spiegeln die seiner berühmteren Zeitgenossen Casella und Ottorino Respighi wider: vom Expressionismus in Il carnevale di Venezia (1928) über die gregorianischen Anklänge von Il beato regno (1921) und die pastorale Rhapsodie Paesaggi toscani (1922) bis hin zur experimentellen Dissonanz von La tempesta (1941).
Während Tommasini und seine Musik zu seinen Lebzeiten in der internationalen Musikpresse nur mäßige Beachtung fanden, ging die Popularität seiner Musik nach seinem Tod in Rom am 23. Dezember 1950 stark zurück. Heute, mehr als siebzig Jahre nach seinem Tod, werden Tommasinis Werke nur noch selten aufgeführt; seine Musik ist reif für eine Wiederentdeckung und neue Wertschätzung.
Tommasinis Concerto per quartetto d‘archi solista ed orchestra (1938) ist ein Ausdruck der neoklassischen Sprache, die für die Musik seiner mittleren Schaffensperiode typisch ist. Mit der Wahl der Form eines Concerto grosso für die ungewöhnliche Kombination von Streichquartett und Orchester wollte Tommasini möglicherweise seinem Freund und Kollegen Alfredo Casella huldigen, der 1924 ein vergleichbares Werk komponiert hatte. Das Konzert wurde 1938 von Riccordi veröffentlicht. Leider ist zwischen Juni 1930 und Juni 1942 keine Korrespondenz zwischen dem Komponisten und dem Verlag erhalten geblieben, so dass über die Entstehung des Werks nur wenig bekannt ist, aber Tommasinis Originalpartitur ist erhalten geblieben und befindet sich heute im Riccordi-Archiv.
Tommasini widmete das Werk dem Quartetto di Roma, das an der Reale Accademia Filarmonica arbeitete und weithin als eines der besten italienischen Kammermusikensembles seiner Zeit galt. Im Jahr 1938 bestand das Quartetto di Roma aus Oscar Zuccarini (Violine I), Francesco Montelli (Violine II; später Nachfolger von Ivo Martinini), Aldo Perini (Viola) und Camillo Oblach (‚Cello). Das Ensemble war das solistische Quartett der Uraufführung des Concerto, die im Rahmen eines Konzerts des Orchestra della Regia Accademia di Santa Cecilia unter der Leitung von Bernardino Molinari am Sonntag, dem 24. November 1940, im Teatro Adriano stattfand. (Das restliche Programm umfasste Bachs Brandenburgisches Konzert Nr. 3, die Ouvertüre zum ersten Akt von Mussorgskys Chowanschtschina, Strawinskys Feu d‘artifice und Beethovens Symphonie Nr. 5). Der Kritiker von Il Lavoro Fascista („d.a.“) bezeichnete die Aufführung als „erstklassig“ und lobte Molinari dafür, dass er das Beste aus den Werken herausgeholt habe, indem er „tief in den Geist und den Stil eines jeden Werks eindrang“. Das Streichquartett spielte „wie ein homogener Block: mit technischer Präzision, fließenden musikalischen Details und farbigem Gefühl [vibrazioni]“.
Zwei Tage nach der Aufführung schrieb Mario Rinaldi in La Tribuna:2 „Wir können mit Fug und Recht behaupten, dass die Aufführung dieses Konzerts einen bemerkenswerten Sieg für das gefeierte Quartetto di Roma darstellt, das einen sehr schwierigen und anspruchsvollen Part zu spielen hatte. Das Ensemble war gut ausbalanciert, und jeder der vier Instrumentalisten hob sich mit Selbstvertrauen und Klarheit aus der orchestralen Textur heraus. [...] Der hervorragende Dirigent [Molinari], das Quartetto di Roma und Tommasini wurden mit großem Beifall bedacht, und sie mussten sogar zweimal auf dem Podium erscheinen.“
Rinaldi schränkte jedoch ein, dass es allzu üblich geworden sei, dass das Publikum große neue Stücke mit unkritischer Begeisterung aufnehme. Der anonyme Kritiker („A. C.“) in L‘Avvenire schloss sich dieser Beobachtung an und schrieb, dass das Konzert zwar ein attraktives Programm präsentierte, aber nicht den stürmischen Beifall rechtfertigte, der ihm zuteil wurde.3 Dennoch schrieb er, dass Tommasinis Konzert „den herzlichsten und aufrichtigsten Beifall erhielt, auch wenn er durch einige sporadische Missbilligungen unterbrochen wurde“. Er schimpfte über die „Dissidenten“, forderte einen Erfolg für Tommasini und gratulierte ihm zu „un buon lavoro“.
Rinaldi erklärte, Tommasinis neues Werk sei „instinktiv“ und „natürlich“ komponiert worden und erzeuge ein Gefühl von „Intelligenz“ und „Herz“. Im Einklang mit dem nationalistischen Zeitgeist betonte Rinaldi, dass Tommasinis gewählte Form, das Concerto grosso, ein typisch italienisches Werk sei, das an die großen Komponisten der italienischen Vergangenheit erinnere, vor allem an Pietro Antonio Locatelli (1695-1764). Das Werk ist in zwei Sätze gegliedert und dauert etwa 27 Minuten. Der erste Satz (Allegro moderato) enthält drei Themen, die durch eine dreiteilige Struktur, die der Sonatenform ähnelt, entwickelt werden. Wie Rinaldi bemerkte, wird das erste Thema zunächst vom Quartett gespielt und später vom Orchester aufgegriffen, wobei es alle Instrumente durchläuft, bis es die gesamte Textur übernimmt. Der Kritiker von Il Lavoro Fascista bemerkte ein gewisses Ungleichgewicht zu Beginn des Werks, wenn die Solisten dominieren, lobte aber Tommasini für die „Angemessenheit“ der Themen und die Art und Weise, wie sich die beiden Gruppen nach dem Einsetzen des gesamten Orchesters gegenseitig ergänzen, ohne dass eine von ihnen dominiert.4 Im zweiten Satz (Adagio) schrieb Rinaldi, dass der Satz nach einem kurzen Cellosolo in eine visionäre Atmosphäre eintrete. Rinaldi erinnert an eine Passage aus La Luce Invisibile: „Musik drückt vor allem Stimmungen aus, und nur ausnahmsweise kann sie von sich aus bestimmte visuelle Bilder hervorrufen. Sie liebt es, in einer inneren, rein geistigen Welt zu wandern“.5
Der anonyme Kritiker („l.f.l.“) des Giornale d‘Italia schrieb eine besonders poetische Hommage an das Werk und seinen Komponisten, indem er Tommasinis „ruhige und empfindsame Kunst“ lobte, während er gleichzeitig andeutete, dass dem Stück die Inspiration seiner anderen Werke fehle.6 Der Kritiker von Il Lavoro Fascista („d.a.“) bemerkte, dass die potenziellen Probleme mit der Form des Concerto grosso nur durch Tommasinis „musikalischen Sinn und Intelligenz“ glücklich gelöst wurden. Er lobte die „cantilena in sordina“ gegen Ende des zweiten Satzes für ihre „zarte Süße“. Außerdem schätzte er Tommasini für die Art und Weise, wie er den Schlussteil behandelte, indem er vom Canone zum Fugato, vom Staccato zum Adagio überging, „ohne jeglichen Sinn für accademismo“, und stattdessen einen luftigen, brillanten und leichten Schluss schuf. Die überschwängliche Hymne des faschistischen Kritikers auf den Komponisten ist es wert, ausführlich zitiert zu werden, und sei es nur, um die Art und Weise zu verdeutlichen, in der Tommasinis Werk vom italienischen Establishment aufgenommen wurde: „Vincenzo Tommasini, der in der Zeit des Impressionismus zur Komposition kam, entwickelte seinen Stil mit aristokratischer Unabhängigkeit, mit Zurückhaltung, Eleganz und italienischem Akzent. In der Tat würden wir behaupten, dass sich in Tommasinis Musik der Charakter eines römischen Bürgers offenbart. So viel im Impressionismus bewegt sich in jenem Mondlicht, jenen flüchtigen, fast ungreifbaren Halbtönen, die diesem Stil eigen sind; [in Tommasinis Musik] jedoch ist dies klarer geworden, [und] hat römische Diktion angenommen. Darin liegt unserer Meinung nach die Originalität Tommasinis. [...] Daher auch die große Zurückhaltung [castigatezza], die man in den besten Kompositionen dieses Autors findet. Die Zyklen, die das Concerto eröffnen, erwecken daher mehr poetische Gedanken als poetische Bilder; alles, was man in der Musik Sensualismus nennt, neigt hier dazu, sich in einen geistigen Inhalt aufzulösen. Er spielt seidige, gut gestaltete Melodien mit einem zurückhaltenden Impuls, [mit] elastischen Strukturen, in denen, besonders in der zweiten Hälfte, exquisit gestaltete Details hervorgehoben werden. Das Thema mit Variationen des Finales ist vielleicht der am wenigsten gefestigte Teil der neuen Komposition, obwohl sich der Musiker auch hier nie außerstande sah, das Material auszuarbeiten und zu einem erfolgreichen Abschluss zu bringen. „7
Im folgenden Jahr wurde Tommasinis Werk am 25. September 1941 im Rahmen des siebten Internationalen Festivals für zeitgenössische Musik der Biennale von Venedig aufgeführt. Das Konzert war eine Zusammenarbeit zwischen dem Concerto sinfonico di musica italiana contemporanea und dem Orchestra del Teatro La Fenice unter der Leitung von Antonio Pedrotti, Fernando Previtali und Alfredo Casella. Das Stück eröffnete das Programm (die Namen der Solisten sind nicht verzeichnet), gefolgt von Luigi Dallapiccolas Piccolo concerto per Muriel Couvreux, Gianandrea Gavazzenis Dialogo per tenore e baritono, Gian Francesco Malipieros Cellokonzert und Previtalis Espressioni sinfoniche. Tommasinis Werk wurde nicht gut aufgenommen. In einer Besprechung des Festivals in Le Arti (1941) schrieb Alessandro Piovesan die vielleicht gerechteste Beurteilung des Konzerts und vertrat eine Meinung über den Komponisten, die bis heute Bestand hat:8 „In seinem Konzert für Streichquartett, Solist und Orchester berührt Vincenzo Tommasini, um die Wahrheit zu sagen, die hohen schöpferischen Gipfel nicht. Wir müssen dieses Konzert als das Dokument eines sachkundigen, ausgeglichenen und gewissenhaften Musikers beurteilen, eines wahren Kenners der schwierigsten Techniken der letzten Zeit. [Die Themen dieses Konzerts sind jedoch nicht immer erste Wahl, und die Konstruktion, die auf den Stelzen der Tonalität steht, besteht aus parallelen Linien, die durch einen Dialog zwischen Quartett und Orchester mit verschiedenen Transformationen der wesentlichen thematischen Kerne gebildet werden. Die Atmosphäre ist ein wenig nebensächlich; [dennoch] entstehen oft elegante Sätze in schöner französischer Manier, in denen Tommasinis grundlegender harmonischer Geschmack zu finden ist.“
Thomas Neal, 2022
1 Vincenzo Tommasini, “Claude Debussy e l’impressionismo nella musica”, Rivista musicale italiana (1907), 157-167.
2 Mario Rinaldi, “Bernardino Molinari e un nuovo “Concerto” di Tommasini”, La Tribuna (26. November 1940).
3 A.C. “All’Adriano”, L’Avvenire (26. November 1940).
4 “d.a.”, “Molinari, il Quartetto di Roma e una novità di Tommasini”, Il Lavoro Fascista (26. November 1940).
5 “La musica esprime principalmente degli stati d’animo e solo in via eccezionale può evocare da solo immagini visive determinate. Ella ama vagare in un mondo interiore, puramente spirituale.”
6 “Bernardino Molinari e il Quartetto di Roma”, Giornale d’Italia (26. November 1940).
7 “Arriveremmo anzi con l’affermare che nella musica tommasiniana si rivela il carattere d’un cittadino di Roma. Quanto nello impressionismo si muove entro quel chiarore lunare, quelle mezze tinte evanescenti, quasi impalpabili che sono congenite a questo stile, s’e fatto piu terso, ha acquistato pronunzia romana. In cio e, secondo noi, l’originalita di Tommasini.”
8 Alessandro Piovesan, “La VII Festa Internazionale di Musica a Venezia”, Le Arte (1941), S. 60-62: S. 61.
Wegen Aufführungsmaterial wenden sie sich bitte an Ricordi, Milano.
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