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Émile Jaques-Dalcroze - Poème pour violon et orchestre
(b. Vienna, 6 July 1865 – d. Geneva, 1 July 1950)
(Second Violin Concerto in two movements, 1909)
I Dal Largo doloroso al Doloroso appassionato (p. 3)
II Dal Moderato con ritmo ostinato all’ Allegro con gioja (p. 35)
Preface
The French-Swiss composer, violinist, pianist, songwriter, pedagogue and theorist Émile Jaques-Dalcroze became known during his lifetime primarily for the development and dissemination of his ‚Méthode Jaques-Dalcroze‘ (MJD), a comprehensive training path in rhythmic gymnastics, the propagation of which sensibly led the music conservatories - largely based on Jaques-Dalcroze‘s findings – to finally pay more attention to the subject of ‚rhythmics‘ and establishing it as an independent aspect of training from 1925 onwards. (This partial success almost 100 years ago should not blind us to the fact that, even today, rhythmic awareness and feeling is still surprisingly underdeveloped on average among classically trained musicians compared to other musical directions). The parallel with two other great contemporaries is so striking that it must be mentioned here: with Rudolf Steiner (1861-1925) and George Ivanovich Gurdjieff (1866-1949). Of these three, Steiner was the one who achieved the greatest lasting success with his method of rhythmic movement, which he called ‚eurythmy‘ and which is still part of the general curriculum at the Waldorf schools he founded. Gurdjieff‘s ‚Movements‘, developed from the authentic experience of ancient Central Asian dance forms of high complexity, to which Thomas de Hartmann (1885-1956) put the music on paper, are by far the most demanding and advanced of these methods, but they always remained reserved, even after his death, for a rather small circle - within the groups that continue Gurdjieff‘s ‚Work‘ - especially in the USA, to this day - who were allowed to make these valuable experiences in intensive work. Jaques-Dalcroze had a far more pragmatic attitude, but the high level of his work is beyond doubt - one of his students was the German dancer Mary Wigman (1886-1973), who soon became famous, after Jaques-Dalcroze, together with his highly gifted pupil Suzanne Perrottet (1889-1983) and thanks to the powerful support of Wolf Dohm (1878-1914), had founded the musical-rhythmic ‚Bildungsanstalt Jaques-Dalcroze‘ in Hellerau near Dresden in 1910. Incidentally, Gurdjieff‘s group almost came to Hellerau permanently after fleeing the Russian Revolution in 1920, at Jaques-Dalcroze‘s invitation. After this plan failed, Gurdjieff founded his ‚Institute for the Harmonious Development of Man‘ with his students in 1922 in the Prieuré des Basses Loges near Paris, where his epoch-making school was lived out in practice. The educational institute initiated by Jaques-Dalcroze moved from Hellerau to Laxenburg near Vienna in 1925. In the meantime, Jaques-Dalcroze had founded the Jaques-Dalcroze Institute in Geneva in 1915, which still exists. Today, in addition to the Jaques-Dalcroze Institutes in Geneva and Brussels, there are about 30 training centres for rhythmics that are based on his methods and partly bear his name. And there is no doubt that although Steiner‘s eurythmy found the widest following even in lay circles, and that Gurdjieff‘s ‚Movements‘ is the real supreme discipline in this field, Jaques-Dalcroze‘s didactically oriented method received by far the greatest and most lasting recognition in the ‚professional world‘.
In view of all this, it is easy to lose sight of the fact that Jaques-Dalcroze was a composer in his own right and one endowed with excellent skills. Born in Vienna in 1865, the son of a Swiss watchmaker, the family, originally from the canton of Vaud, moved back to Geneva in 1875, where Émile studied at the Conservatoire from 1877-83, where Hugo de Senger (1835-92), conductor of the „Société des concerts symphoniques“, a native of Nördlingen in Swabia, taught him the rudiments of composition. This was followed by a stay in Paris, where he sought advice from Gabriel Fauré (one can hear influences of Fauré‘s modal style in Jaques-Dalcroze‘s music), after which he was able to work as a conductor in Algiers in 1886-87, where his interest in Arabic rhythms was awakened. In 1887-89 he continued his studies in Vienna with Anton Bruckner, Robert Fuchs and Hermann Graedener (1844-1929). It was to Bruckner‘s tuition that he owed most of all his solid mastery of the basics of harmony and counterpoint, but he found him too pedantic to stay there for long. In 1889-91 he was back in Paris, where he studied composition with Léo Delibes and made the acquaintance of Mathis Lussy (1828-1910), the Swiss rhythmist who worked there from 1846 to 1902, which was to have a decisive influence on the rest of his life. Back in Geneva in 1892, he became a harmony teacher at the conservatory and increasingly devoted himself to his rhythmic research and theories. At the same time, he was a prolific composer in almost all genres except sacred music. His songs and children‘s dances became popular in French-speaking Switzerland. Jaques-Dalcroze‘s orchestral music is hardly played even today.
Poème for Violin and Orchestra
(Second Violin Concerto)
Jaques-Dalcroze wrote three works for violin and orchestra, the first being a Nocturne, premièred by Eugène Ysaÿe in Zurich in 1900. This was followed by the traditional three-movement Violin Concerto in C minor op. 50 of 1901, which was premiered the same year in Geneva by Henri Marteau (1874-1934). In 1909 Jaques-Dalcroze composed his two-movement Poème for violin and orchestra, which he assigned to Eugène Ysaÿe (1858-1931), who never played it. The Poème was premièred in Stuttgart on 25 November 1909 by Felix Berber (1871-1930) and the Stuttgart Hofcapelle under the direction of Max von Schillings (1868-1933). The score and parts of the Poème were published in 1911, now subtitled ‚2nd Concerto (in 2 movements) for Violin and Orchestra‘, by N. Simrock in Berlin/Leipzig. In December 1925, George Enescu performed the Poème in three concerts with the Orchestre de la Suisse Romande conducted by Ernest Ansermet in Geneva, Vevey and Lausanne. The 2008 CD premiere recording for Guild by Rodion Zamuruev and the Moscow Symphony Orchestra under Alexander Anissimov unfortunately suffers from extensive disregard for the rather complex tempo relationships prescribed in great detail by the composer.
The Poème, which lasts 40 minutes even at too brisk tempi, is not an ordinary concert work that is particularly effective for the violinist. It serves neither the display of virtuosity nor musical entertainment, nor does it challenge with particular harmonic complexity. It could rather be described as ritual music, deliberately focussing on rhythmic relationships and variants and on far-reaching developments in a rather symphonic manner. Played without appropriate understanding, it can quickly come across as boring, monotonous and senseless. It is therefore essential that the contrasting tempo sections that build on each other are realised as precisely as possible in order to allow the proportions that appear behind them to have their immediate effect on the listener. Only then can a palpable arc of tension develop, which carries through from beginning to end in both movements. Jaques-Dalcroze composes with staying power and does not care whether some sections are perceived as redundant by the performers, or whether some details are perceived as scholastic and pedantic. He is concerned with the overall effect, which does not tolerate any interpretative excesses caused by impatience and the desire for excitement. A simple, pithy, almost meditatively serene, intimately singing performance is rather ideal. Apart from the rhythmic finesses and broadly conceived developments, the often very peculiar instrumentation stands out in particular, for example the long, clearly prominent unison doublings of cellos and bassoons, occasionally in octaves with the solo violin in a radiantly high register. Those who are not after quick effect can find much of interest here. Completely new are the summarising tempo headlines for the two movements, which efficiently document the essential characteristics in the shortest possible manner.
Christoph Schlüren, January 2022
Performance material is available from Boosey & Hawkes, Berlin (www.boosey.com).
Émile Jaques-Dalcroze - Poème pour violon et orchestre
(geb. Wien, 6. Juli 1865 – gest. Genf, 1. Juli 1950)
(2. Violinkonzert in zwei Sätzen, 1909)
I Dal Largo doloroso al Doloroso appassionato (p. 3)
II Dal Moderato con ritmo ostinato all’ Allegro con gioja (p. 35)
Vorwort
Der Französisch-Schweizer Komponist, Geiger, Pianist, Liedermacher, Pädagoge und Theoretiker Émile Jaques-Dalcroze wurde schon zu Lebzeiten vor allem durch die Entwicklung und Verbreitung der ‚Méthode Jaques-Dalcroze‘ (MJD) bekannt, ein umfassender Ausbildungsweg in rhythmischer Gymnastik, dessen Propagierung sinnvollerweise dazu führte, dass auch die Musikhochschulen – überwiegend von Jaques-Dalcrozes Erkenntnissen ausgehend – endlich dem Fach ‚Rhythmik‘ mehr Aufmerksamkeit schenkten und es ab 1925 als einen eigenständigen Ausbildungsaspekt etablierten. (Dieser Teilerfolg vor knapp 100 Jahren soll uns nicht darüber hinweg täuschen, dass bis heute bei klassisch ausgebildeten Musikern das rhythmische Bewusstsein und Spüren im Vergleich zu anderen Musikausbildungen im Durchschnitt erstaunlich unterentwickelt ist.) Hierbei ist die Parallele mit zwei anderen großen Zeitgenossen so auffallend, dass sie hier erwähnt werden muss: mit Rudolf Steiner (1861-1925) und George Iwanowitsch Gurdjieff (1866-1949). Unter diesen dreien war Steiner mit seiner Formensprache der rhythmischen Bewegung, die er ‚Eurythmie‘ nannte, und die bis heute an den von ihm begründeten Waldorfschulen zum allgemeinen Unterrichtsplan gehört, derjenige, der den größten nachhaltigen Erfolg erzielte. Gurdjieffs aus der authentischen Erfahrung uralter zentralasiatischer Tanzformen von hoher Komplexität entwickelte ‚Movements‘, zu welchen Thomas de Hartmann (1885-1956) die Musik zu Papier brachte, sind die bei weitem anspruchsvollste und fortgeschrittenste dieser Methoden, doch blieben sie stets auch nach seinem Tode einem recht kleinen Kreis – innerhalb der Gruppen, die Gurdjieffs ’Work’, vor allem in den USA, bis heute fortsetzen – vorbehalten, der in intensiver Arbeit diese wertvollen Erfahrungen machen durfte. Jaques-Dalcroze hatte hier eine weit pragmatischere Einstellung, doch soll das hohe Niveau seiner Arbeit nicht angezweifelt werden – eine seiner Schülerinnen war die bald darauf berühmt gewordene deutsche Ausdruckstänzerin Mary Wigman (1886-1973), nachdem Jaques-Dalcroze zusammen mit seiner hochbegabten Schülerin Suzanne Perrottet (1889-1983) und dank der machtvollen Unterstützung von Wolf Dohm (1878-1914) 1910 in Hellerau bei Dresden die musikalisch-rhythmische ‚Bildungsanstalt Jaques-Dalcroze‘ gegründet hatte. Beinahe übrigens wäre Gurdjieffs Gruppe nach der Flucht vor der russischen Revolution 1920, auf Einladung Jaques-Dalcrozes, auch dauerhaft nach Hellerau gekommen. Nachdem dieses Vorhaben gescheitert war, gründete Gurdjieff mit seinen Schülern 1922 in der Prieuré des Basses Loges bei Paris sein ‚Institut für die harmonische Entwicklung des Menschen‘, wo seine epochemachende Schule praktisch gelebt wurde. Die von Jaques-Dalcroze initiierte Bildungsanstalt zog 1925 von Hellerau nach Laxenburg in der Nähe von Wien. Mittlerweile hatte Jaques-Dalcroze 1915 in Genf das bis heute bestehende Jaques-Dalcroze-Institut gegründet. Heute gibt es, neben dem Genfer und dem Brüsseler Jaques-Dalcroze-Institut, ungefähr 30 Ausbildungsstätten für Rhythmik, die auf seinen Methoden fußen und teilweise seinen Namen tragen. Und es steht außer Zweifel, dass zwar Steiners Eurythmie die breiteste Anhängerschaft bis in Laienkreise hinein fand, und dass Gurdjieffs ‚Movements‘ die eigentliche Königsdisziplin in diesem Bereich ist, dass jedoch Jaques-Dalcrozes didaktischer orientierte Methode die bei weitem größte und dauerhafteste Anerkennung in der ‚Fachwelt‘ erhielt.
Über all dem geht leicht verloren, dass Jaques-Dalcroze ein eigenständiger und mit ausgezeichnetem Können ausgestatteter Komponist war. 1865 in Wien als Sohn eines Schweizer Uhrenfabrikanten geboren, zog die aus dem Kanton Vaud stammende Familie 1875 zurück nach Genf, wo Émile 1877-83 am Konservatorium studierte, wo ihm der aus dem schwäbischen Nördlingen stammende Hugo de Senger (1835-92), Dirigent der «Société des concerts symphoniques», die Anfangsgründe der Komposition beibrachte. Es folgte ein Aufenthalt in Paris, wo er sich Rat bei Gabriel Fauré holte (man kann in Jaques-Dalcrozes Musik Einflüsse des modalen Stils von Fauré hören), woraufhin er 1886-87 als Kapellmeister in Algier wirken konnte, wo sein Interesse für arabische Rhythmen geweckt wurde. 1887-89 setzte er sein Studium in Wien bei Anton Bruckner, Robert Fuchs und Hermann Graedener (1844-1929) fort. Bruckners Unterricht sollte er vor allem die solide Beherrschung der Grundlagen von Harmonie und Kontrapunkt verdanken, doch empfand er ihn als zu pedantisch, um es lange auszuhalten. 1889-91 war wieder in Paris, wo er sich in Komposition bei Léo Delibes weiterbildete und die Bekanntschaft des 1846-1902 dort wirkenden Schweizer Rhythmusforschers Mathis Lussy (1828-1910) machte, die sein weiteres Leben entscheidend prägen sollte. 1892 zurück in Genf, wurde er Harmonielehrer am Konservatorium und widmete sich nun zusehend seinen rhythmischen Forschungen und Theorien. Zugleich war er ein fruchtbarer Komponist in fast allen Gattungen außer der Sakralmusik. Seine Lieder und Kindertänze sind in der französischen Schweiz populär geworden. Jaques-Dalcrozes Orchestermusik wird bis heute kaum gespielt.
Poème für Violine und Orchester
(2. Violinkonzert)
Für Violine und Orchester schrieb Jaques-Dalcroze drei Werke, als erstes ein Nocturne, welches Eugène Ysaÿe 1900 in Zürich zur Uraufführung brachte. Dem folgte das klassisch dreisätzige Violinkonzert in c-moll op. 50 von 1901, welches noch im selben Jahr in Genf von Henri Marteau (1874-1934) aus der Taufe gehoben wurde. 1909 komponierte Jaques-Dalcroze sein zweisätziges Poème für Geige und Orchester, das er Eugène Ysaÿe (1858-1931) zueignete, der es jedoch nie gespielt hat. Das Poème wurde am 25. November 1909 in Stuttgart durch Felix Berber (1871-1930) und die Stuttgarter Hofcapelle unter der Leitung von Max von Schillings (1868-1933) uraufgeführt. Partitur und Stimmen des Poème erschienen 1911, nunmehr mit dem Subtitel ‚2tes Concert (in 2 Sätzen) für Violine und Orchester‘ versehen, beim Verlag N. Simrock in Berlin/Leipzig. Im Dezember 1925 wurde das Poème von George Enescu in drei Konzerten des Orchestre de la Suisse Romande unter der Leitung von Ernest Ansermet in Genf, Vevey und Lausanne gespielt. Die 2008 für Guild entstandene CD-Erstaufnahme von Rodion Zamuruev und dem Moskauer Symphonieorchester unter Alexander Anissimov leidet leider unter weitgehender Nichtbeachtung der vom Komponisten sehr detailliert vorgeschriebenen, ziemlich komplexen Tempoverhältnisse.
Das selbst bei zu zügigen Tempi 40 Minuten dauernde Poème ist kein gewöhnliches, geigerisch besonders dankbares Konzertwerk. Es dient weder der Zurschaustellung von Virtuosität noch musikantischer Unterhaltung, und es fordert auch nicht mit besonderer harmonischer Komplexität heraus. Man könnte es eher als rituelle Musik bezeichnen, die sich ganz bewusst auf rhythmische Beziehungen und Variantenbildungen und auf weitschauend angelegte Entwicklungen in einer eher symphonisch angelegten Weise fokussiert. Ohne entsprechende Verständnis gespielt, kann es schnell langweilig, eintönig und undankbar wirken. Daher ist es unerlässlich, dass die kontrastierenden, aufeinander aufbauenden Temposektionen so exakt wie möglich verwirklicht werden, um die dahinter aufscheinenden Proportionen auf den Hörer wirken zu lassen. Erst dann kann sich ein fasslicher Spannungsbogen einstellen, der in beiden Sätzen jeweils vom Anfang bis zum Ende durchträgt. Jaques-Dalcroze komponiert mit einem langen Atem und schert sich nicht darum, ob mancher Abschnitt von den Ausführenden womöglich als redundant, manche Gestaltung im Detail als schulmeisterlich und pedantisch empfunden werden mag. Ihm geht es um die Gesamtwirkung, die keine durch Ungeduld und das Verlangen nach Erregung hervorgerufenen interpretatorischen Wildwüchse verträgt. Ein schlichter, kerniger, fast meditativ gelassener, innig gesanglicher Vortrag erscheint eher ideal. Abgesehen von den rhythmischen Finessen und breit angelegten Entwicklungen sticht ganz besonders die oftmals sehr eigentümliche Instrumentation hervor, so beispielsweise die langen, deutlich hervortretenden Unisono-Verdopplungen von Celli und Fagotten, gelegentlich in Oktaven mit der Sologeige in strahlend hoher Lage. Wer nicht auf schnellen Effekt aus ist, kann hier viel Interessantes finden. Völlig neuartig sind die zusammenfassenden Tempobezeichnungen für die beiden Sätze, die auf effiziente Weise in kürzestmöglicher Weise das Wesentliche dokumentieren.
Christoph Schlüren, Januar 2022
Aufführungsmaterial ist erhältlich von Boosey & Hawkes, Berlin (www.boosey.com).
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