< back to overview Repertoire & Opera Explorer
Richard Strauss - Wandrers Sturmlied op. 14
(b. Munich, June 11, 1864; d. Garmisch-Partenkirchen, 8 September, 1949)
for six-part choir and grand orchestra
Preface
The six-part composition Wandrers Sturmlied (Wanderer’s Storm Song), composed in 1885, was written when Richard Strauss was just 21 years old and is his first major piece for mixed choir with orchestral accompaniment. Stylistically, Strauss based his Opus 14 heavily on the great choral works of Johannes Brahms, such as Schicksalslied op. 54 (1871), Nänie op. 82 (1881), and Gesang der Parzen op. 83 (1882). Not only did those compositions make a deep impression on Strauss, but also Brahms himself, whom he met repeatedly during his time as ducal music director of the Meiningen court orchestra. Brahms’ 4th Symphony, incidentally, was premiered in Meiningen on 25 October 1885, just a few weeks after Strauss took up his duties on 1 October. The preoccupation with the compositions of Brahms on the one hand and the lively Brahms reception by the conductor and leader of the Meiningen Hofkapelle Hans von Bülow on the other hand left their mark on Strauss and he fell into a veritable “Brahmsschwärmerei” (Brahms fever), as he later expressed it himself. It was not until the years in Meiningen that Strauss turned stylistically, through the influence of his friend and mentor Alexander Ritter, first violinist in Meiningen, to the music of Richard Wagner and Franz Liszt, which influenced the composer’s further musical development. The premiere of Wandrers Sturmlied took place about two years after its composition on 8 March 1887: Strauss himself conducted the Municipal Orchestra and the Municipal Choir in the Gürzenich Hall in Cologne, and the audience and critics cheered the work, which takes about 20 minutes to perform. In print, however, the choral work had already appeared the year before at the Munich publishing house of Josef Aibl. The dedicatee is the conductor and composer Franz Wüllner, who promoted Strauss and who prepared the premiere with the Municipal Choir.
The text base of the choral work is Johann Wolfgang von Goethe’s hymn of the same name, Wandrers Sturmlied, which was written in the summer of 1772 and thus at an early stage of his Sturm und Drang phase. In the summer of 1771, Goethe ended his love affair with Friederike Brion, who then wrote a letter that awakened a deep sense of remorse in Goethe. In order to come to terms with his feelings, Goethe went on wanderings and wrote freely; one product of these wandering poems is Wandrers Sturmlied, in which Goethe, among other things, metaphorically takes up a storm that he had actually experienced. The hymn in Pindaric ode form comprises 15 stanzas, although Richard Strauss set only the first six to music. In terms of content, the poem is not easy to understand; a fact that Goethe was apparently also aware of: for this reason, the hymn was not printed until 1815 in the edition of his complete works, not without the poet’s apologetic assessment that the hymn was “half nonsense”. A large part of the ancient references is not found in the first six stanzas set to music, which is why an interpretation can be omitted here.
In the first four stanzas, the genius inherent in man is sung about, which bristles against the storms of life and fate, and through which man, like Apollo, is lifted into the heights to the Muses. In the last two stanzas, the transfiguration is complete and man, accompanied by the Muses, rises godlike above the metaphorical mud of life.
Musically, Wandrers Sturmlied is characterized by several motifs that are combined in the course of the composition. What is striking here is the treatment of the vocal parts like orchestral instruments, already noted by contemporaries, which is expressed, for example, by triplets and dotted notes, long sustained notes, and a woodwind effect in the chorus. Right at the beginning of the composition, the storm motif is heard, characterized by staccato sextuplets. The chorus enters in unison after an orchestral introduction and introduces the main theme, which can be divided into a genius motive and a rain and storm motive. Thus, while the first stanza is highly dramatically dominated by a storm of both content and music (characterized by polyphony), the second stanza is followed by calming. It is about the genius lifting man up away from the mud path to light heights, equal to Apollo walking over the mud of the Deucalion’s flood (sent by Zeus to purify the earth) and killing Python (the dragon guarding the oracle of Delphi) (Deucalion is the son of Prometheus and the only one to survive the flood with his wife). In the music, a new motif is heard, which expresses man’s moving upwards. Furthermore, there is a Python motif and an Apollo motif. In addition to all these motifs, the different meters are also noteworthy: Strauss alternates here over the words “Pythius Apollo” between 3/4 and 4/4 meter, in some places even for individual voices only, resulting in dense polyphony. With this technique Strauss apparently wanted to achieve a spherical transfiguration of the choral sound when comparing the human genius with the divine Apollo. The shorter third stanza musically brings an idyll that corresponds to the night scene of Goethe’s hymn. This is followed by the fourth stanza with the concise storm motif, when the snowstorm is mentioned. The genius, however, envelops man in warmth, accompanied by Muses and Charites (the three Charites, as daughters of Zeus, correspond to the three Graces of Roman mythology). In the fifth stanza, in the invocation of those Muses and Charites, man himself speaks as the lyrical subject. Here, too, the focus is still on the mud of Deucalion’s flood, which Goethe paraphrases as “son of water and earth”. The last stanza is opened by a chorale-like use of the vocal parts, which gives the words a sacred character and reinforces the impression of man’s rapture into artistic, lofty spheres. The work finally ends in a very calm tempo with the repeated use of the word “godlike”.
Matthias Guschelbauer, 2021.
For performance material please contact Universal Edition, Vienna.
Richard Strauss - Wandrers Sturmlied op. 14
(geb. München, 11. Juni 1864 – gest. Garmisch-Partenkirchen, 8. September 1949)
für sechsstimmigen Chor und großes Orchester
Vorwort
Das im Jahre 1885 komponierte sechsstimmige Werk Wandrers Sturmlied entstand, als Richard Strauss gerade einmal 21 Jahre alt war. Es ist dessen erstes großes Stück für gemischten Chor mit Orchesterbegleitung. Stilistisch lehnte Strauss sein Opus 14 stark an die großen Chorwerke Johannes Brahms’ an, wie etwa das Schicksalslied op. 54 (1871), die Nänie op. 82 (1881) und den Gesang der Parzen op. 83 (1882). Nicht nur jene Kompositionen machten einen tiefen Eindruck auf Strauss, sondern auch Brahms selbst, den er während seiner Zeit als herzoglicher Musikdirektor der Meininger Hofkapelle wiederholt traf. So wurde etwa auch die 4. Symphonie Brahms’ am 25. Oktober 1885 in Meiningen uraufgeführt, und das nur wenige Wochen nach Strauss’ Amtsantritt am 1. Oktober. Die Beschäftigung mit den Werken Brahms’ einerseits sowie die rege Brahms-Rezeption durch den Dirigenten und Leiter der Meininger Hofkapelle Hans von Bülow andererseits prägten Strauss, und er verfiel in eine regelrechte „Brahmsschwärmerei“, wie er selbst es später einmal formulierte. Erst in den Meininger Jahren wandte sich Strauss stilistisch, durch den Einfluss seines Freundes und Mentors Alexander Ritter, erster Geiger in Meiningen, der Musik Richard Wagners und Franz Liszts zu, die die weitere musikalische Entwicklung des Komponisten beeinflusste. Die Uraufführung von Wandrers Sturmlied fand rund zwei Jahre nach der Komposition am 8. März 1887 statt: Strauss selbst dirigierte das Städtische Orchester und den Städtischen Chor im Gürzenichsaal in Köln, Publikum und Kritik bejubelten das rund 20 Minuten dauernde Werk. Im Druck erschien das Chorwerk jedoch schon im Jahr zuvor beim Münchner Verlag Josef Aibl. Widmungsträger ist der Dirigent und Komponist Franz Wüllner, der Strauss förderte und der die Uraufführung mit dem Städtischen Chor vorbereitete.
Textgrundlage des Chorwerks ist Johann Wolfgang von Goethes gleichnamige Hymne Wandrers Sturmlied, die im Sommer 1772 und somit früh in dessen Sturm und Drang Phase entstand. Im Sommer 1771 beendete Goethe die Liebschaft mit Friederike Brion, die daraufhin mit einem Brief ein tiefes Gefühl der Reue bei Goethe weckte. Um seine Gefühle zu verarbeiten, begab sich Goethe auf Wanderschaft und dichtete dabei frei vor sich hin; ein Produkt dieser Wanderdichtungen ist Wandrers Sturmlied, in dem Goethe unter anderem einen real erlebten Sturm metaphorisch aufgreift. Die Hymne in pindarischer Odenform umfasst 15 Strophen, wobei Richard Strauss lediglich die ersten sechs vertonte. Inhaltlich ist die Dichtung nicht einfach zu verstehen; ein Umstand, der offenbar auch Goethe bewusst war: Gedruckt wurde die Hymne deshalb auch erst 1815 in dessen Werkausgabe, nicht ohne die entschuldigende Einschätzung des Dichters, die Hymne sei „Halbunsinn“. Ein Großteil der antiken Referenzen befindet sich nicht in den ersten sechs vertonten Strophen, weshalb eine Deutung hier ausgespart werden kann.
Besungen wird in den ersten vier Strophen der dem Menschen innewohnende Genius, der den Stürmen des Lebens und Schicksals trotz, und durch den der Mensch, gleich Apollo, in die Lüfte zu den Musen gehoben wird. In den letzten beiden Strophen ist die Verklärung vollzogen und der Mensch schwebt, von Musen begleitet, göttergleich über den metaphorischen Schlamm des Lebens hinweg.
Musikalisch ist Wandrers Sturmlied von mehreren Motiven gekennzeichnet, die im Laufe der Komposition miteinander verwebt werden. Auffällig dabei ist die bereits von Zeitgenossen bemerkte Behandlung der Singstimmen wie Orchesterinstrumente, die sich etwa durch Triolen und Punktierungen, langausgehaltene Töne und eine Holzbläserwirkung des Chores äußert. Gleich zu Anfang der Komposition erklingt das Sturmmotiv, das von staccatierten Sextolen geprägt ist. Der Chor setzt nach einer Orchestereinleitung unisono ein und stellt das Hauptthema vor, das in ein Geniusmotiv und ein Regen- und Sturmmotiv unterteilt werden kann. Während die erste Strophe also höchst dramatisch von inhaltlichem und musikalischem Sturm (charakterisiert durch die Polyphonie) beherrscht wird, folgt in der zweiten Strophe die Beruhigung. Hier geht es darum, dass der Genius den Menschen weg vom Schlammpfad in lichte Höhen hebt, wie einst Apollo, der über den Schlamm der Deukalionischen Flut wandelt (die von Zeus zur Reinigung über die Erde geschickt wurde) und Python (den Drachen, der das Orakel von Delphi bewacht) tötet (Deukalion ist der Sohn des Prometheus und überlebt mit seiner Frau als einziger die Flut). In der Musik erklingt ein neues Motiv, das das Entrücken des Menschen in die Höhe ausdrückt. Hinzu treten außerdem ein Pythonmotiv und ein Apollomotiv. Neben all diesen Motiven sind auch die verschiedenen Metren beachtenswert: Strauss wechselt hier über den Worten „Pythius Apollo“ zwischen 3/4 und 4/4 Takt, an manchen Stellen sogar nur für einzelne Stimmen, was zu dichter Polyphonie führt. Mit dieser Technik wollte Strauss offenbar erreichen, den Chorklang beim Vergleich des menschlichen Genius mit dem göttlichen Apollo sphärenhaft zu verklären. Die kürzere dritte Strophe bringt musikalisch eine Idylle, die der Nachtszene von Goethes Hymne entspricht. Daran schließt die vierte Strophe mit dem prägnanten Sturmmotiv an, als von dem Schneegestöber die Rede ist. Der Genius umhüllt den Menschen jedoch mit Wärme, begleitet von Musen und Charitinnen (die drei Charitinnen entsprechen als Töchter des Zeus den drei Grazien der römischen Mythologie). In der fünften Strophe, bei der Anrufung jener Musen und Charitinnen, spricht der Mensch selbst als lyrisches Ich. Auch hier geht es noch immer um den Schlamm der Deukalionischen Flut, den Goethe als „Sohn des Wassers und der Erde“ umschreibt. Die letzte Strophe wird von einem choralartigen Einsatz der Chorstimmen eröffnet, was den Worten einen sakralen Charakter verleiht und den Eindruck der Entrückung des Menschen in künstlerisch-hohe Sphären bekräftigt. Das Werk endet schließlich in einem sehr ruhigen Tempo mit der mehrfachen Wiederholung des Wortes „göttergleich“.
Matthias Guschelbauer, 2021.
Das Aufführungsmaterial ist von der Universal Edition, Wien, zu beziehen.
< back to overview Repertoire & Opera Explorer