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Albert Huybrechts - Sérenade en trois movements pour orchestre
(b. Dinant, 12 February 1899 – d. Woluwé-Saint-Pierre, 21 February 1938)
(1929-30)
I Modérément animé (p. 1) – Lent (p. 22) – Animé (p. 23) – Tempo primo (p. 28)
II Très lent (p. 31) – Un peu plus animé (p. 35) – Lent (p. 39) – Très lent (p. 40) – Plus animé (p. 46)
III Vif et joyeux (p. 49) – Très vif (p. 55) – Plus lent (p. 60) – Lent – Vif (p. 61) – Lent (p. 62) – Vif – Lent (p. 63) – Plus lent (p. 65) – Ramenez peu à peu le mouvement 1 (p. 68) – Tempo primo (p. 70) – Très vif (p. 74)
Nocturne pour orchestre symphonique
(1927)
Belgium is a deeply dysfunctional country, a nation traumatized by the split between its Flemish and Walloon wings. It is also a country with many “skeletons in the closet.” One of these skeletons has recently been gradually disinterred: Albert Huybrechts, by far the most riveting figure of Belgian modernism. Huybrechts has even been honored by a website authorized by his descendents, which, if short on background information, at least contains a complete catalogue of his slender oeuvre and an overview of the commercial recordings of his music.
Huybrechts’s father died just as the boy reached maturity, and he had to assume responsibility for supporting his mother and siblings, leading a life in the shadow of success. Things did not always look this way, for in 1925 he received the Coolidge Prize for his freshly completed Sonata for Violin and Piano (it would become his most frequently performed work) and, five days later, the first prize at the Ojay Festival for his First String Quartet. Lasting success was just within his reach, only to slip immediately from his grasp. Undaunted, he used the always scant time at his disposal to continue composing, generally chamber music of exquisite refinement, but also orchestral works, songs, and a theater score for Aeschylus’s Agamemnon which, apart from the prelude, has vanished. No sooner had he finally been appointed a professor at Brussels Conservatory than he died of kidney failure.
The son of an orchestral cellist, Huybrechts trained to become an oboist (which surely goes some way to explain his great predilection for the woodwinds) and won first prize at the Conservatory at the age of sixteen for his instrumental prowess. He was taught composition by Joseph Jongen (1873-1953), Belgium’s highly acclaimed successor to César Franck, and went on to acquire a solid mastery of his craft. His early works reflect this sphere of influence, to which was added an obvious admixture of Debussy. Then, step by step, he considerably enlarged his stylistic spectrum, imbibing the new achievements of Stravinsky, Bartók, Schoenberg, Milhaud, and Honegger, among others. But the music he felt closest to was that of Albert Roussel, as is manifest in his headstrong truculence, his off-kilter harmonies and rhythms, his radical focus on the inner life of motivic evolution, devoid of extra-musical associations, his striking blend of themes and figuration into a sort of neo-classical polyphony which, one might say, smuggles the contrapuntal art of the early Netherlandish masters incognito into a coarse expressive idiom, and his almost flagrant indifference to sensational modernism as an end in itself. (Incidentally even Roussel, despite his sterling quality, high reputation in specialist circles, and top-caliber performances, ultimately failed to attain the popularity of Fauré, Debussy, Ravel, Milhaud, or Poulenc.)
Huybrechts’s mature creations of the 1930s are constantly distinguished by a density, rigor, and hermetic grandeur otherwise encountered, in this regularity, only among the greatest masters of the art. At the same time, for all the savagery and vibrant eloquence of the fast movements, they are pervaded by a deeply introverted, bleak inflection that suggests a desperate struggle against loneliness while never yielding to sentimental resignation.
Huybrechts’s approach to neo-classicism goes beyond Stravinsky’s dispassionately constructed puzzles, Poulenc’s picturesque stylistic fractures or Milhaud’s playful bitonality. He fully assimilated their vocabulary and grammar while invariably writing from a holistic stance that conveys an alert, actively integrative mind with an indissoluble amalgam of technical mastery, seriousness of purpose, humor, sarcasm, drama, tragedy, and tender intimacy. His “late” works (if the works of a man in his mid-thirties can be called late) are infinitely remote from any semblance of French bucolics. Much like Roussel, but in an entirely different way, he found his own path, which incorporated the full range of dissonance and yet, for all its deliberate vagaries, never descends into clogged aridity and resists easy classification into any of the terminological pigeonholes of the day, whether neoclassicism or Neue Sachlichkeit. His music blends elements of Expressionism and Impressionism in a unique manner that both stands at and transcends the cutting edge of his day.
Sérénade & Nocturne
The number of Huybrechts’ orchestral works, composed between 1922 and 1933, is small. The two-movement «Poème féerique» (1922-23) and the ‘Poème biblique’ «David» (1923), two works for large orchestra, both of which apparently remained unperformed, were followed by the «Chant funèbre» for cello and orchestra in 1926, the Nocturne pour orchestre symphonique in 1927, the three-movement «Sérénade pour orchestre» in 1929, the symphonic movement «Chant d’angoisse» in 1930, and in 1931 the three-movement «Divertissement» for brass and percussion, in which the Nocturne is incorporated as the middle movement in a reorchestrated version, and finally the Concertino for cello and orchestra composed in 1932-33. In addition to five orchestral works there are two concertante works for cello and orchestra and one work for brass orchestra.
The Sérénade in three movements for orchestra is to be regarded as Huybrechts’ central orchestral work. He completed the first movement on 17 July, the second on 15 August, and the third on 6 October 1929. He finished the orchestration on 4 March 1930. Huybrechts dedicated it to his friend, the banker and arts patron Henry Le Bœuf (1874-1935): «à mon grand ami Henry Le Bœuf. Hommage respectueux». Unfortunately, it has not been possible to determine when the Sérénade was premiered. The only vinyl record of the Sérénade, together with Huybrechts’ ‘Poème biblique’ «David», by the Orchestre National de Belgique under René Defossez (1905-88) was released on Decca as a mono recording. Performances, however, remain an absolute rarity to this day. The score was published as a manuscript print by CeBeDem in Brussels in 1958.
In this approx. 17-minute work, Huybrechts proves himself to be a master at the height of his time, familiar with all means. The spiritual affinity with Albert Roussel (especially with his Concert pour petit orchestre Op. 34 from 1926 and Petite Suite Op. 39 from 1929) and Igor Stravinsky is astounding in the unruly, transverse tone, as well as in the completely unpretentious combination of the idyllic, the grotesque, the enigmatically sombre and the motivically obsessive. It is therefore not at all surprising that Daniel Denis (b. 1952), mastermind of the leading Belgian progressive rock group Univers Zero, named Huybrechts as one of the main influences of their music.
Huybrechts completed the Nocturne for symphony orchestra in full score on 8 October 1927. It is one of the strongest slow movements of Franco-Belgian music ever, but here too the date of the premiere is currently unknown. We only know that - after the publication of the manuscript score in 1954 by CeBeDem in Brussels - it was performed on 18 December 1958 at the Palais des Beaux Arts in Brussels by the Orchestre National Belgique conducted by Fritz Celis (b. 1929). Huybrechts reworked the Nocturne four years later, in the autumn of 1931, into the middle movement of his Divertissement for brass and percussion, which was first performed in 1938 under the baton of Franz André (1893-1975).
The scores of both works, published by CeBeDem in Brussels, have long been out of print: «Chant funèbre». The present edition presents the unaltered reprint of these first printed manuscript editions. Huybrechts’ orchestral works, as well as his chamber music œuvre, are among the most original in the period between the world wars. Their discovery, like the discovery of Huybrechts’ œuvre in general, is long overdue on an international level, and the present edition aims to contribute to accelerating this process.
Christoph Schlüren, September 2021
Albert Huybrechts - Sérenade en trois movements pour orchestre
(geb. Dinant, 12. Februar 1899 – gest. Woluwé-Saint-Pierre, 21. Februar 1938)
(1929-30)
I Modérément animé (p. 1) – Lent (p. 22) – Animé (p. 23) – Tempo primo (p. 28)
II Très lent (p. 31) – Un peu plus animé (p. 35) – Lent (p. 39) – Très lent (p. 40) – Plus animé (p. 46)
III Vif et joyeux (p. 49) – Très vif (p. 55) – Plus lent (p. 60) – Lent – Vif (p. 61) – Lent (p. 62) – Vif – Lent (p. 63) – Plus lent (p. 65) – Ramenez peu à peu le mouvement 1 (p. 68) – Tempo primo (p. 70) – Très vif (p. 74)
Nocturne pour orchestre symphonique
(1927)
Belgien ist ein zutiefst zerrüttetes Land, von der Spaltung zwischen flämischem und wallonischem Lager traumatisiert, und ein Land mit vielen „Leichen im Keller“. Eine dieser Leichen wird in den letzten Jahren Stückchen um Stückchen ausgegraben: Albert Huybrechts, der zweifelsohne bestechendste Vertreter der klassischen Moderne Belgiens, dem übrigens mittlerweile eine von den Nachkommen autorisierte Webseite gewidmet ist, die zwar nicht gerade viel Background-Information enthält, jedoch wenigstens ein komplettes Werkverzeichnis (das Œuvre Huybrechts’ ist schmal) und einen Überblick über die kommerziellen Aufnahmen seiner Werke.
Da Huybrechts’ Vater starb, als der Sohn gerade volljährig wurde, übernahm er die Unterhalts-verpflichtungen für Mutter und Geschwister und führte ein Leben im Schatten der Erfolgreichen. Das sah nicht immer so aus, denn 1925 erhielt er für seine frisch fertiggestellte Sonate für Violine und Klavier (sein in der Folge meistgespieltes Werk) den Coolidge-Preis und fünf Tage später für sein 1. Streichquartett den ersten Preis des Ojay-Festivals. Der dauerhafte Erfolg war zum Greifen nahe, und entglitt ihm doch sogleich wieder. Unbeirrt hat er in der stets knapp bemessenen Zeit, die ihm dafür blieb, weiter komponiert: weit überwiegend Kammermusik vom feinsten, aber auch Orchesterwerke, Lieder und eine Bühnenmusik zu Aischylos’ Agamemnon, die leider bis auf das Vorspiel verschollen ist. Als endlich die Ernennung zum Konservatoriumsprofessor in Brüssel erreicht war, starb er an einem Nierenversagen.
Als Sohn eines Orchestercellisten wurde er zum Oboisten herangebildet (was sicher eine Erklärung für seine große Vorliebe für die Holzblasinstrumente ist) und gewann mit sechzehn Jahren als Instrumentalist den ersten Preis am Konservatorium. In Komposition wurde er von Joseph Jongen (1873-1953), dem angesehenen Franck-Nachfolger in Belgien, unterwiesen und eignete sich gründlichste handwerkliche Fertigkeit an. Die frühen Werke stehen denn auch noch in dieser Einflusssphäre, doch treten auch offenkundige Einflüsse Debussys hinzu.
Dann erweiterte sich sein stilistisches Spektrum Schritt um Schritt beträchtlich, und er saugte die neuen Errungenschaften Strawinskys, Bartóks, Schönbergs, Milhauds, Honeggers usw. auf. Am nächsten steht er dem Schaffen Albert Roussels: in seiner widerborstigen Querständigkeit, den schrägen Harmonien und Rhythmen, der aller außermusikalischen Assoziationen abholden radikalen Konzentration auf das Eigenleben der motivischen Entfaltung, der frappierenden Verwebung von Thematischem und Figurativem zu einer Art neuklassischer Polyphonie, die die kontrapunktische Kunst der altniederländischen Meister sozusagen incognito in den aufgerauht expressiven Tonfall schmuggelt, und im fast demonstrativen Desinteresse an sensationeller Modernität als Selbstzweck. (Übrigens sollte ja selbst Roussel trotz höchsten Karats, größter Schätzung in Fachkreisen und exzellentester Aufführungen letztlich nicht die Popularität etwa von Fauré, Debussy, Ravel, Milhaud oder Poulenc erreichen.)
Die reifen Werke Huybrechts’ in den dreißiger Jahren sind kontinuierlich von einer Dichte, Stringenz und hermetischen Größe gekennzeichnet, wie dies nur bei den ganz Großen in solcher Regelmäßigkeit der Fall ist. Zugleich ist bei aller Wildheit und lebenssprühenden Eloquenz der schnellen Sätze überall ein zutiefst introvertierter, trostloser Tonfall gegenwärtig, der anmutet wie ein verzweifelter Kampf mit der Einsamkeit und dabei niemals in resignative Sentimentalität umkippt.
Auch Huybrechts’ Aneignung des Neoklassizismus geht sowohl über die kühl konstruierte Puzzle-Technik Strawinskys hinaus als auch über die pittoresken Stilbrüche Poulencs oder die bitonale Musikanterie Milhauds: Huybrechts hat sich deren Vokabular und Grammatik souverän zu eigen gemacht und schreibt zugleich stets aus einer ganzheitlichen Haltung heraus, die einen wachen, integrativ handelnden Geist vermittelt, bei dem technische Meisterschaft, ernsthafte Aussage, Humor, Sarkasmus, Drama, Tragödie und zärtliche Innigkeit nicht zu trennen sind.
Sein Spätwerk – das ‚Spätwerk’ eines Mittdreißigers – hat alle französische Idyllik unendlich weit hinter sich gelassen – in einiger Hinsicht vergleichbar Roussel, und doch auch so ganz anders, hat Huybrechts seinen eigenen Weg gefunden, der das dissonante Spektrum integriert und darin, bei allen absichtlichen Unwegsamkeiten, nie trockener Sperrigkeit anheimfällt, und auf den sich eben keiner der zeittypischen kategorisierenden Begriffe wie Neoklassizismus oder Neue Sachlichkeit treffsicher anwenden lässt, denn in dieser Musik verschmelzen Elemente des Expressionismus und Impressionismus auf einmalige Weise auf der Höhe der Zeit und diese im selben Atemzug transzendierend.
Sérénade & Nocturne
Die Zahl der Orchesterwerke von Huybrechts, entstanden zwischen 1922 und 1933, ist gering. Nach dem zweisätzigen «Poème féerique» (1922-23) und dem ’Poème biblique’ «David« (1923), zwei Werken in großer Orchesterbesetzung, folgten 1926 der «Chant funèbre» für Cello und Orchester, 1927 das Nocturne für Orchester, 1929-30 die dreisätzige «Sérénade pour orchestre», 1930 der symphonische Satz «Chant d’angoisse», 1931 das dreisätzige «Divertissement» für Blechbläser und Schlagzeug, in welches das Nocturne in umorchestrierter Fassung als Mittelsatz eingearbeitet ist, sowie das 1932-33 komponierte Concertino für Cello und Orchester. Neben fünf Orchesterwerken sind dies zwei konzertante Werke für Cello und Orchester sowie ein Werk für Blasorchester.
Die Sérénade in drei Sätzen für Orchester ist als zentrales Orchesterwerk Huybrechts’ anzusehen. Den ersten Satz vollendete er am 17. Juli, den zweiten am 15. August und den dritten am 6. Oktober 1929. Die Orchestration beendete er 4. März 1930. Huybrechts widmete sie seinem Freund, dem Bankier und Kunstförderer Henry Le Bœuf (1874-1935): «à mon grand ami Henry Le Bœuf. Hommage respectueux». Wann die Sérénade uraufgeführt wurde, ließ sich leider nicht ermitteln. Auf Schallplatte erschien die einzige Einspielung der Sérénade, zusammen mit Huybrechts’ ‚Poème biblique‘ «David», durch das Orchestre National de Belgique unter René Defossez (1905-88) bei Decca als Mono-Aufnahme. Aufführungen sind bis heute eine absolute Seltenheit. Als Manuskriptdruck erschien die Partitur 1958 bei CeBeDem in Brüssel.
In diesem ca. 17minütigen Werk erweist sich Huybrechts als mit allen Mitteln vertrauter Meister auf der Höhe seiner Zeit, die geistige Verwandtschaft mit Albert Roussel (insbesondere mit dessen Concert pour petit orchestre op. 34 von 1926 und Petite Suite op. 39 von 1929) und Igor Strawinsky ist in dem widerborstigen, querständigen Tonfall verblüffend, wie auch in der vollkommen unprätentiösen Kombination des Idyllischen, Grotesken, hintergründig Düsteren und motivisch Obsessiven. Es ist daher auch keineswegs verwunderlich, dass Daniel Denis (geb. 1952), Mastermind der führenden belgischen Progressive Rock-Gruppe Univers Zero, Huybrechts als einen der Haupteinflüsse ihrer Musik benannte.
Das Nocturne für symphonisches Orchester vollendete Huybrechts am 8. Oktober 1927 in Orchesterpartitur. Es ist einer der großartigsten langsamen Sätze der franko-belgischen Musik über-haupt, doch ist auch hier das Uraufführungsdatum derzeit unbekannt. Wir wissen lediglich, dass es – nach der Veröffentlichung der Manuskriptpartitur 1954 bei CeBeDem in Brüssel – am 18. Dezember 1958 im Brüsseler Palais des Beaux Arts zu einer Aufführung durch das Orchestre National de Belgique unter der Leitung von Fritz Celis (geb. 1929) gekommen ist. Huybrechts hat das Nocturne dann vier Jahre später, im Herbst 1931, umgearbeitet zum Mittelsatz seines Divertissement für Blechbläser und Schlagzeug, welches erstmals 1938 unter der Leitung von Franz André (1893-1975) gespielt wurde.
Die Partituren der beiden bei CeBeDem in Brüssel erschienenen Werke sind seit langer Zeit vergriffen. Die vorliegende Ausgabe präsentiert den unveränderten Nachdruck derselben. Huybrechts’ wenige Orchesterwerke zählen wie seine Kammermusik zum Originellsten in der Zeit zwischen den Weltkriegen. Die Entdeckung des orchestralen Œuvres von Huybrechts, wie überhaupt seines Schaffens, ist auf internationalem Niveau lange überfällig, und vorliegende Edition will zur Beschleunigung dieses Prozesses beitragen.
Christoph Schlüren, November 2021
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