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Albert Huybrechts - Chant funèbre pour violoncelle et orchestre (1926)
(b. Dinant, 12 February 1899 – d. Woluwé-Saint-Pierre, 21 February 1938)
Concertino pour violoncelle et orchestre
(1932)
I Modérément animé (p. 1) – Lent (p. 22) – Cadence (p. 40) – Vif (p. 42) – Lent (p. 66) –
Tempo I (p. 68) – Vif (p. 79)
Preface
Belgium is a deeply dysfunctional country, a nation traumatized by the split between its Flemish and Walloon wings. It is also a country with many “skeletons in the closet.” One of these skeletons has recently been gradually disinterred: Albert Huybrechts, by far the most riveting figure of Belgian modernism. Huybrechts has even been honored by a website authorized by his descendents, which, if short on background information, at least contains a complete catalogue of his slender oeuvre and an overview of the commercial recordings of his music.
Huybrechts’s father died just as the boy reached maturity, and he had to assume responsibility for supporting his mother and siblings, leading a life in the shadow of success. Things did not always look this way, for in 1925 he received the Coolidge Prize for his freshly completed Sonata for Violin and Piano (it would become his most frequently performed work) and, five days later, the first prize at the Ojay Festival for his First String Quartet. Lasting success was just within his reach, only to slip immediately from his grasp. Undaunted, he used the always scant time at his disposal to continue composing, generally chamber music of exquisite refinement, but also orchestral works, songs, and a theater score for Aeschylus’s Agamemnon which, apart from the prelude, has vanished. No sooner had he finally been appointed a professor at Brussels Conservatory than he died of kidney failure.
The son of an orchestral cellist, Huybrechts trained to become an oboist (which surely goes some way to explain his great predilection for the woodwinds) and won first prize at the Conservatory at the age of sixteen for his instrumental prowess. He was taught composition by Joseph Jongen (1873-1953), Belgium’s highly acclaimed successor to César Franck, and went on to acquire a solid mastery of his craft. His early works reflect this sphere of influence, to which was added an obvious admixture of Debussy. Then, step by step, he considerably enlarged his stylistic spectrum, imbibing the new achievements of Stravinsky, Bartók, Schoenberg, Milhaud, and Honegger, among others. But the music he felt closest to was that of Albert Roussel, as is manifest in his headstrong truculence, his off-kilter harmonies and rhythms, his radical focus on the inner life of motivic evolution, devoid of extra-musical associations, his striking blend of themes and figuration into a sort of neo-classical polyphony which, one might say, smuggles the contrapuntal art of the early Netherlandish masters incognito into a coarse expressive idiom, and his almost flagrant indifference to sensational modernism as an end in itself. (Incidentally even Roussel, despite his sterling quality, high reputation in specialist circles, and top-caliber performances, ultimately failed to attain the popularity of Fauré, Debussy, Ravel, Milhaud, or Poulenc.)
Huybrechts’s mature creations of the 1930s are constantly distinguished by a density, rigor, and hermetic grandeur otherwise encountered, in this regularity, only among the greatest masters of the art. At the same time, for all the savagery and vibrant eloquence of the fast movements, they are pervaded by a deeply introverted, bleak inflection that suggests a desperate struggle against loneliness while never yielding to sentimental resignation.
Huybrechts’s approach to neo-classicism goes beyond Stravinsky’s dispassionately constructed puzzles, Poulenc’s picturesque stylistic fractures or Milhaud’s playful bitonality. He fully assimilated their vocabulary and grammar while invariably writing from a holistic stance that conveys an alert, actively integrative mind with an indissoluble amalgam of technical mastery, seriousness of purpose, humor, sarcasm, drama, tragedy, and tender intimacy. His “late” works (if the works of a man in his mid-thirties can be called late) are infinitely remote from any semblance of French bucolics. Much like Roussel, but in an entirely different way, he found his own path, which incorporated the full range of dissonance and yet, for all its deliberate vagaries, never descends into clogged aridity and resists easy classification into any of the terminological pigeonholes of the day, whether neoclassicism or Neue Sachlichkeit. His music blends elements of Expressionism and Impressionism in a unique manner that both stands at and transcends the cutting edge of his day.
The two works for cello and orchestra
The number of Huybrechts’ orchestral works, composed between 1922 and 1933, is small. The two-movement «Poème féerique» (1922-23) and the ‘Poème biblique’ «David» (1923), two works for large orchestra, both of which apparently remained unperformed, were followed by the «Chant funèbre» for cello and orchestra in 1926, the three-movement «Sérénade pour orchestre» in 1929, the symphonic movement «Chant d’angoisse» in 1930, and in 1931 a Nocturne for orchestra and the three-movement «Divertissement» for brass and percussion, in which the Nocturne is incorporated as the middle movement in a reorchestrated version, and finally the Concertino for cello and orchestra composed in 1932-33. In addition to five orchestral works and one work for wind orchestra, there are thus two concertante works for cello and orchestra, which are made accessible together in this volume.
«Chant funèbre», completed in orchestral score on 15 August 1926, is dedicated to Marcel Louon. Like Huybrechts’ other individual orchestral movements, this piece is also a slow movement of introverted character. «Chant funèbre» was first performed on 18 October 1930 at the Concerts populaires in Brussels by Maurice Dambois (1889-1969) under the direction of Désiré-Émile Inghelbrecht (1880-1965), who also conducted the Paris premiere on 19 March at the Concerts Pasdeloup, where Louis Ruyssen (born 1888) was the soloist. «Chant funèbre» also exists in the composer’s own version for cello and piano.
The very demanding Concertino for Cello and Orchestra is Huybrechts’s last orchestral work and a remarkable precursor of the late Concertino for Cello and Orchestra op. 57 (1936) by his kindred spirit and older French colleague Albert Roussel (1869-1937). It combines the contrasting sequence of fast-slow-fast movements in a single movement, with the solo cadenza forming the transition from the slow middle movement to the fast finale. Completed in particell score in August 1932 and in orchestral score on 31 July 1933, the Concertino is dedicated to Louis Ruyssen and was premiered on 16 September 1935 on the occasion of the Exposition universelle et internationale de Bruxelles by Maurice Dambois and the Orchestre Philharmonique de Bruxelles conducted by Léon Jongen (1884-1969).
The scores of these two concertante works were published by CeBeDem in Brussels and have long been out of print: «Chant funèbre» in 1958 and the Concertino in 1968. The present edition presents the unaltered reprint of these first printed manuscript editions. Huybrechts’ works for cello and orchestra are among the most original and significant in the cello literature of the period between the world wars. Their discovery, like the discovery of Huybrechts’ orchestral œuvre in general, is long overdue on an international level, and the present edition aims to contribute to accelerating this process.
Christoph Schlüren, September 2021
Albert Huybrechts - Chant funèbre pour violoncelle et orchestre (1926)
(geb. Dinant, 12. Februar 1899 – gest. Woluwé-Saint-Pierre, 21. Februar 1938)
Concertino pour violoncelle et orchestre
(1932)
I Modérément animé (p. 1) – Lent (p. 22) – Cadence (p. 40) – Vif (p. 42) – Lent (p. 66) –
Tempo I (p. 68) – Vif (p. 79)
Vorwort
Belgien ist ein zutiefst zerrüttetes Land, von der Spaltung zwischen flämischem und wallonischem Lager traumatisiert, und ein Land mit vielen „Leichen im Keller“. Eine dieser Leichen wird in den letzten Jahren Stückchen um Stückchen ausgegraben: Albert Huybrechts, der zweifelsohne bestechendste Vertreter der klassischen Moderne Belgiens, dem übrigens mittlerweile eine von den Nachkommen autorisierte Webseite gewidmet ist, die zwar nicht gerade viel Background-Information enthält, jedoch wenigstens ein komplettes Werkverzeichnis (das Œuvre Huybrechts’ ist schmal) und einen Überblick über die kommerziellen Aufnahmen seiner Werke.
Da Huybrechts’ Vater starb, als der Sohn gerade volljährig wurde, übernahm er die Unterhalts-verpflichtungen für Mutter und Geschwister und führte ein Leben im Schatten der Erfolgreichen. Das sah nicht immer so aus, denn 1925 erhielt er für seine frisch fertiggestellte Sonate für Violine und Klavier (sein in der Folge meistgespieltes Werk) den Coolidge-Preis und fünf Tage später für sein 1. Streichquartett den ersten Preis des Ojay-Festivals. Der dauerhafte Erfolg war zum Greifen nahe, und entglitt ihm doch sogleich wieder. Unbeirrt hat er in der stets knapp bemessenen Zeit, die ihm dafür blieb, weiter komponiert: weit überwiegend Kammermusik vom feinsten, aber auch Orchesterwerke, Lieder und eine Bühnenmusik zu Aischylos’ Agamemnon, die leider bis auf das Vorspiel verschollen ist. Als endlich die Ernennung zum Konservatoriumsprofessor in Brüssel erreicht war, starb er an einem Nierenversagen..
Als Sohn eines Orchestercellisten wurde er zum Oboisten herangebildet (was sicher eine Erklärung für seine große Vorliebe für die Holzblasinstrumente ist) und gewann mit sechzehn Jahren als Instrumentalist den ersten Preis am Konservatorium. In Komposition wurde er von Joseph Jongen (1873 -1953), dem angesehenen Franck-Nachfolger in Belgien, unterwiesen und eignete sich gründlichste handwerkliche Fertigkeit an. Die frühen Werke stehen denn auch noch in dieser Einflusssphäre, doch treten auch offenkundige Einflüsse Debussys hinzu.
Dann erweiterte sich sein stilistisches Spektrum Schritt um Schritt beträchtlich, und er saugte die neuen Errungenschaften Strawinskys, Bartóks, Schönbergs, Milhauds, Honeggers usw. auf. Am nächsten steht er dem Schaffen Albert Roussels: in seiner widerborstigen Querständigkeit, den schrägen Harmonien und Rhythmen, der aller außermusikalischen Assoziationen abholden radikalen Konzentration auf das Eigenleben der motivischen Entfaltung, der frappierenden Verwebung von Thematischem und Figurativem zu einer Art neuklassischer Polyphonie, die die kontrapunktische Kunst der altniederländischen Meister sozusagen incognito in den aufgerauht expressiven Tonfall schmuggelt, und im fast demonstrativen Desinteresse an sensationeller Modernität als Selbstzweck. (Übrigens sollte ja selbst Roussel trotz höchsten Karats, größter Schätzung in Fachkreisen und exzellentester Aufführungen letztlich nicht die Popularität etwa von Fauré, Debussy, Ravel, Milhaud oder Poulenc erreichen.)
Die reifen Werke Huybrechts’ in den dreißiger Jahren sind kontinuierlich von einer Dichte, Stringenz und hermetischen Größe gekennzeichnet, wie dies nur bei den ganz Großen in solcher Regelmäßigkeit der Fall ist. Zugleich ist bei aller Wildheit und lebenssprühenden Eloquenz der schnellen Sätze überall ein zutiefst introvertierter, trostloser Tonfall gegenwärtig, der anmutet wie ein verzweifelter Kampf mit der Einsamkeit und dabei niemals in resignative Sentimentalität umkippt.
Auch Huybrechts’ Aneignung des Neoklassizismus geht sowohl über die kühl konstruierte Puzzle-Technik Strawinskys hinaus als auch über die pittoresken Stilbrüche Poulencs oder die bitonale Musikanterie Milhauds: Huybrechts hat sich deren Vokabular und Grammatik souverän zu eigen gemacht und schreibt zugleich stets aus einer ganzheitlichen Haltung heraus, die einen wachen, integrativ handelnden Geist vermittelt, bei dem technische Meisterschaft, ernsthafte Aussage, Humor, Sarkasmus, Drama, Tragödie und zärtliche Innigkeit nicht zu trennen sind.
Sein Spätwerk – das ‚Spätwerk’ eines Mittdreißigers – hat alle französische Idyllik unendlich weit hinter sich gelassen – in einiger Hinsicht vergleichbar Roussel, und doch auch so ganz anders, hat Huybrechts seinen eigenen Weg gefunden, der das dissonante Spektrum integriert und darin, bei allen absichtlichen Unwegsamkeiten, nie trockener Sperrigkeit anheimfällt, und auf den sich eben keiner der zeittypischen kategorisierenden Begriffe wie Neoklassizismus oder Neue Sachlichkeit treffsicher anwenden lässt, denn in dieser Musik verschmelzen Elemente des Expressionismus und Impressionismus auf einmalige Weise auf der Höhe der Zeit und diese im selben Atemzug transzendierend.
Die beiden Werke für Cello und Orchester
Die Zahl der Orchesterwerke von Huybrechts, entstanden zwischen 1922 und 1933, ist gering. Nach dem zweisätzigen «Poème féerique» (1922-23) und dem ’Poème biblique’ «David« (1923), zwei Werken in großer Orchesterbesetzung, die beide anscheinend unaufgeführt geblieben sind, folgten 1926 der «Chant funèbre» für Cello und Orchester, 1929 die dreisätzige «Sérénade pour orchestre», 1930 der symphonische Satz «Chant d’angoisse», 1931 ein Nocturne für Orchester und das dreisätzige «Divertissement» für Blechbläser und Schlagzeug, in welches das Nocturne in umorchestrierter Fassung als Mittelsatz eingearbeitet ist, sowie das 1932-33 komponierte Concertino für Cello und Orchester. Neben fünf Orchesterwerken und einem Werk für Blasorchester stehen also zwei konzertante Werke für Cello und Orchester, die in vorliegendem Band gemeinsam zugänglich gemacht werden.
«Chant funèbre», am 15. August 1926 in Orchesterpartitur vollendet, ist Marcel Louon gewidmet. Wie die anderen orchestralen Einzelsätze Huybrechts’ ist auch dieses Stück ein langsamer Satz introvertierten Charakters. Zur Uraufführung gelangte «Chant funèbre» am 18. Oktober 1930 in den Brüsseler Concerts populaires durch Maurice Dambois (1889-1969) unter der Leitung von Désiré-Émile Inghelbrecht (1880-1965), der auch am 19. März die Pariser Erstaufführung in den Concerts Pasdeloup leitete, wo Louis Ruyssen (geb. 1888) der Solist war. «Chant funèbre» existiert außerdem in des Komponisten eigener Fassung für Cello und Klavier.
Das sehr anspruchsvolle Concertino für Cello und Orchester ist Huybrechts’ letztes Orchesterwerk und ein bemerkenswerter Vorläufer des späten Concertino für Cello und Orchester op. 57 (1936) seines geistesverwandten älteren französischen Kollegen Albert Roussel (1869-1937). Es vereint die kontrastierenden Satzfolge schnell-langsam-schnell in einem einzigen Satz, wobei die Solokadenz den Übergang vom langsamen Mittelsatz zum schnellen Finale bildet. In der Particell-Skizze im August 1932 und in Orchesterpartitur am 31. Juli 1933 vollendet, ist das Concertino Louis Ruyssen gewidmet und wurde am 16. September 1935 anlässlich der Exposition universelle et internationale de Bruxelles durch Maurice Dambois und das Orchestre Philharmonique de Bruxelles unter der Leitung von Léon Jongen (1884-1969) uraufgeführt.
Die Partituren der beiden konzertanten sind bei CeBeDem in Brüssel erschienen und seit langer Zeit vergriffen: «Chant funèbre» 1958 und das Concertino 1968. Die vorliegende Ausgabe präsentiert den unveränderten Nachdruck derselben. Huybrechts’ Werke für Cello und Orchester zählen zum Originellsten und Bedeutendsten in der Celloliteratur der Zeit zwischen den Weltkriegen. Ihre Entdeckung, wie überhaupt die Entdeckung des orchestralen Œuvres von Huybrechts, ist auf internationalem Niveau lange überfällig, und vorliegende Edition will zur Beschleunigung dieses Prozesses beitragen.
Christoph Schlüren, September 2021
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