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Carl Nielsen - Fifth Symphony (1922)
(b. Nørre-Lyndelse near Odense, 9 June 1865 - d. Copenhagen, 3 October 1931
Vorwort
If you are a regular listener to classical music, the following might have happened to you. You are listening to a piece of music that you have never heard before, and suddenly, you are struck by musical lightning: this passage sounds so familiar! Even when you don’t know why exactly, it is as if you heard it before – a ‘déjà entendu’. Something of the kind happened to me when I heard Nielsen’s Fifth Symphony for the first time. While at first I couldn’t quite figure out the resemblance, a bit later I realized what it was: Maurice Ravel’s Boléro. The high-pitched clarinet solo towards the end of the first movement did the trick, together with a very generous serving of snare drum.
This listening experience tickled my musical memory and my musicological curiosity at the same time: could the two compositions be related? Ravel’s Boléro was composed in the summer of 1928 and premiered in the Paris Opera on 22 November 1928. A quick search taught me, however, that Carl Nielsen’s Symphony premiered in… 1922. Might it be that Ravel took some cues for his Boléro from Nielsen’s Fifth Symphony instead?
Nielsen wrote his Fifth Symphony between October 1920 and January 1922. The music was first performed on 24 January 1922 at the Copenhagen Musikforeningen, exactly nine days after the composer had completed his fair draft of the score. At the end of 1926, the full score of the symphony was published. It was his first symphony in thirty years that did not bear a programmatic title.
On the day of the first performance, Nielsen gave an interview with the journal Politiken. He stated that “my first symphony was also nameless. But then came The Four Temperaments, Espansiva, and The Inextinguishable [Nielsen’s second, third, and fourth symphonies], really just different names for the same thing, the only thing that music can ultimately express: the resting forces as opposed to the active ones. If I were to find a name for my new, fifth symphony, it would express something similar. I have not been able to find the one word which was at once characteristic and not too pretentious – and so I have left it. (…) These explanations and instructions as to what the music represents are only bad: they distract the listener and hinder the absolute understanding of the Symphony.” From his comments, it appears that Nielsen wanted his new symphony to be perceived as different from its predecessors, as a more ‘abstract’ composition.
Whether they were abstract or programmatic, it was indeed mainly thanks to his symphonies that Carl Nielsen rose to international prominence after the Second World War. In this process, recordings played an important role. In his 1997 study of Nielsen’s Fifth Symphony, David Fanning lists 27 available recordings, made between 1933 and 1993. Additionally, I have been able to retrieve at least 13 versions recorded after 1993, many of which have been (re)released in sets containing Nielsen’s complete symphonies.
Taking stock of this total of more than forty recordings, it may seem that one of the most influential was the one made for CBS by Leonard Bernstein and the New York Philharmonic in 1962. Not only did it contribute strongly to making the symphony known internationally, but comparison also suggests that it set the standard for many later performances in terms of tempo and duration. For the first movement, the majority of the recordings that I could access have a duration of under 20 minutes. At 18:36, Bernstein’s tempo is equally on the faster side. The fastest performance of the first movement is the one conducted by Myung-whun Chung (with the Gothenburg Symphony Orchestra in 1987, 17:50), the slowest with Georg Høeberg (the very first recording of the symphony, with the Danish Radio Symphony Orchestra in 1933, 21:34). The second movement in Bernstein’s recording has a duration of 14:41. The shortest duration of the movement is found in recordings of Paul Kletzki (with the Orchestre de la Suisse Romande in 1970, 14:20) and Colin Davis (with the London Symphony Orchestra in 2009, 14:20), the slowest is the performance with Michael Schønwand (with the Danish National Radio Symphony Orchestra in 2000, 17:41). But while Bernstein is again on the fast side of the spectrum, the majority of the available recordings have a duration of over 16 minutes.
But remarkably, various Danish recordings were made even before 1962: after Høeberg’s recording of 1933 mentioned earlier, Erik Tuxen made no less than three with the same Danish Radio Symphony Orchestra (April and August 1950, and April 1955), and Thomas Jensen recorded the work with the same orchestra in April 1954 for Decca. The early recording success of the Symphony might surprise, but it was the logical consequence of the piece’s success in concert performance. After its Copenhagen premiere, the piece was performed there again in 1923 and 1925. The symphony was successful internationally, with performances in Gothenburg (Sweden) and Berlin in 1922, in Stockholm in 1924, in Oslo in 1926. In 1927, it was played in Frankfurt am Main, Leipzig, Königsberg (now Kaliningrad), and Amsterdam; in 1928, in Stockholm again.
The Parisian premiere took place at the Salle Gaveau on 21 October 1926, in a concert entirely dedicated to works of Nielsen: the premiere of the Flute Concerto and the Fifth Symphony, and performances of the Violin Concerto and a number of shorter compositions. It was attended by key figures of Parisian cultural life, including Arthur Honegger and Maurice Ravel.
It is probably an exaggeration to state that Ravel’s Boléro was born on that Thursday, 21 October 1926, but it seems likely that something stuck in Ravel’s mind that evening. Not only did Nielsen’s symphony inspire – or at least encourage – Ravel to assign an important role to the snare drum, also the symphony’s melodic lines with their diminished fifths and sevenths, and the high clarinet tessitura at the end of the first movement left their traces in Ravel’s ballet music. And just as Ravel considered his Boléro to be an orchestral experiment, Nielsen’s Symphony also bears a number of innovative features.
Formally, the Symphony stands out by its two-movement structure, in contrast to the traditional four parts in a symphony. There are a number of well-known examples of two-part antecedents (Schubert’s ‘Unfinished’ symphony of 1822, or Mahler’s Symphonie der Tausend of 1907, for example), and many more examples of symphonies with more than four parts (e.g., Beethoven’s Pastoral Symphony, 1816, or Berlioz’ Symphonie Fantastique of 1830). In spite of these prestigious examples in the repertory, Nielsen seems to have felt the need to justify his new symphony’s structure in only two parts.
In the interview with Politiken, he commented: “I have changed the form this time and used two movements instead of the usual four. I have thought so much about this: in the old symphonic form, most of what was said was usually said in the first Allegro. Then came the quiet Andante, which acted as a contrast. After that the Scherzo, which again comes on too high and ruins the mood of the Finale, where the ideas run out too early. (…) This time, I have divided the symphony into two large, broad part: the first, which begins slowly and quietly, and the second, which is more active.” Despite Nielsen’s justification, the Fifth Symphony has remained his only symphony with two instead of four movements.
After the premiere, reviewers noted Nielsen’s use of fairly harsh dissonances, especially in the first movement. Unlike that other popular Nordic symphonist, Jean Sibelius (who was also born in 1865), Nielsen’s musical language is not romantic. Although today it is not considered revolutionary because it is accessible and essentially tonal, in 1922 it was perceived as decidedly modernist. Today, most listeners would probably situate him somewhere halfway between the two extremes.
Certainly the most experimental element in the symphony are the aleatory passages assigned to the snare drum (bar 351-375) in the first movement. The player is instructed to “play in his own tempo, as though determined at all costs to obstruct the music. He keeps to his own beat by following a metronome placed in front of him, set to quarter note = 116”. At bar 367, he gets to play a “cadenza ad libitum”, with the instruction “the side drummer now improvises entirely freely with all possible fantasy, although from time to time he must pause”. The result is a ‘battle’ between the snare drum and the orchestra, in which the composer gives the snare drum the liberty to interrupt the orchestra when he wants and try to disrupt it.
The second movement starts off in a rapid and nervous ‘scherzo’ character, in which the orchestration gradually becomes thinner and lighter. At bar 410 (Presto), Nielsen introduces a fugato section in the strings. After a climax, the strings return to the first theme of the movement, but now set in imitation as well. Again, in a manner similar to the first movement, Nielsen expertly builds up to an impressive climax, using imitation and orchestration as its driving forces.
And indeed, ‘force’ may well be the word to describe this symphony as a whole. Nielsen’s Fifth is a symphony full of contrasts, unorthodox in its structure and orchestration. It is, even a century later, exactly this originality and orchestral energy that makes for a surprising musical experience, bound to leave the symphony’s listener wanting to hear it again. And again.
Pieter Mannaerts, 2021
For performance materials please contact the publisher Edition Wilhelm Hansen, Copenhagen
Carl Nielsen - Fünfte Sinfonie
(geb. Nørre-Lyndelse bei Odense, 9. Juni 1865 - gest. Kopenhagen, 3. Oktober 1931
(1922)
Wenn Sie ein regelmäßiger Hörer klassischer Musik sind, könnte Ihnen Folgendes passiert sein. Sie hören ein Musikstück, das Sie noch nie zuvor gehört haben, und plötzlich trifft Sie ein musikalischer Blitz: Diese Passage klingt so vertraut! Auch wenn Sie nicht genau wissen, warum, ist es, als hätten Sie es schon einmal gehört - ein ‚déjà entendu‘. Etwas Ähnliches passierte mir, als ich Nielsens Fünfte Symphonie zum ersten Mal hörte. Zuerst konnte ich die Ähnlichkeit nicht ganz erkennen, aber etwas später wurde mir klar, was es war: Maurice Ravels Boléro. Das hohe Klarinettensolo gegen Ende des ersten Satzes hat es mir angetan, zusammen mit einem sehr großzügigen Happen kleiner Trommel.
Dieses Hörerlebnis kitzelte mein musikalisches Gedächtnis und meine musikwissenschaftliche Neugierde zugleich: Könnten die beiden Kompositionen verwandt sein? Ravels Boléro wurde im Sommer 1928 komponiert und am 22. November 1928 in der Pariser Oper uraufgeführt. Eine schnelle Recherche ergab jedoch, dass Carl Nielsens Sinfonie im Jahr 1922 ihre Premiere erlebte. Könnte es sein, dass Ravel stattdessen einige Anregungen für seinen Boléro aus Nielsens Fünfter Symphonie nahm?
Nielsen schuf seine Fünfte Symphonie zwischen Oktober 1920 und Januar 1922. Sie wurde am 24. Januar 1922 im Kopenhagener Musikforeningen uraufgeführt, genau neun Tage, nachdem der Komponist letzte Hand an die Partitur angelegt hatte. Ende 1926 wurde die Orchesterpartitur des Werks veröffentlicht. Es war seine erste Sinfonie seit dreißig Jahren, die keinen programmatischen Titel trug.
Am Tag der Uraufführung gab Nielsen ein Interview mit der Zeitschrift Politiken. Er erklärte, dass „meine erste Sinfonie auch namenlos war. Aber dann kamen Die vier Temperamente, Espansiva und Das Unauslöschliche [Nielsens zweite, dritte und vierte Sinfonie], eigentlich nur verschiedene Namen für dieselbe Sache, das Einzige, was die Musik letztlich ausdrücken kann: die ruhenden Kräfte im Gegensatz zu den aktiven. Wenn ich einen Namen für meine neue, fünfte Sinfonie finden sollte, würde sie etwas Ähnliches ausdrücken. Es ist mir nicht gelungen, das eine Wort zu finden, das zugleich charakteristisch und nicht zu prätentiös war - und so habe ich es gelassen. (...) Diese Erklärungen und Anweisungen, was die Musik darstellt, sind nur schlecht: sie lenken den Hörer ab und behindern ein vollständiges Verständnis der Symphonie.“ Aus seinen Kommentaren geht hervor, dass Nielsen seine neue Sinfonie anders als ihre Vorgänger wahrnehmen wollte, als eine „abstraktere“ Komposition.
Ob abstrakt oder programmatisch, in der Tat war es vor allem seinen Sinfonien zu verdanken, dass Carl Nielsen nach dem Zweiten Weltkrieg zu internationaler Bekanntheit gelangte. In diesem Prozess spielten Tonaufnahmen eine wichtige Rolle. David Fanning listet in seiner 1997 erschienenen Studie über Nielsens Fünfte Symphonie 27 verfügbare Aufnahmen auf, die zwischen 1933 und 1993 entstanden. Zusätzlich konnte ich mindestens 13 nach 1993 aufgenommene Fassungen ausfindig machen, von denen viele in Sets mit Nielsens kompletten Sinfonien (wieder)veröffentlicht wurden.
Wenn man eine Bilanz dieser insgesamt mehr als vierzig Aufnahmen zieht, scheint es, dass eine der einflussreichsten diejenige war, die 1962 mit Leonard Bernstein und den New Yorker Philharmonikern für CBS entstand. Sie trug nicht nur wesentlich dazu bei, die Sinfonie international bekannt zu machen, sondern setzte im Vergleich auch den Standard für viele spätere Aufführungen in Bezug auf Tempo und Dauer. Für den ersten Satz hat die Mehrheit der Aufnahmen, auf die ich zugreifen konnte, eine Dauer von unter 20 Minuten. Mit 18:36 ist Bernsteins Tempo ebenfalls auf der schnelleren Seite. Die schnellste Aufführung des ersten Satzes ist die von Myung-whun Chung (mit dem Göteborger Sinfonieorchester 1987, 17:50), die langsamste mit Georg Høeberg (die allererste Aufnahme der Sinfonie, mit dem Dänischen Radio-Sinfonieorchester 1933, 21:34). Der zweite Satz in Bernsteins Aufnahme hat eine Dauer von 14:41. Die kürzeste Dauer des Satzes findet sich in Aufnahmen von Paul Kletzki (mit dem Orchestre de la Suisse Romande 1970, 14:20) und Colin Davis (mit dem London Symphony Orchestra 2009, 14:20), die langsamste ist die Aufführung mit Michael Schønwand (mit dem Danish National Radio Symphony Orchestra 2000, 17:41). Aber während Bernstein wiederum auf der schnellen Seite des Spektrums liegt, hat die Mehrheit der verfügbaren Aufnahmen eine Dauer von über 16 Minuten.
Aber bemerkenswerterweise gab es schon vor 1962 verschiedene dänische Aufnahmen: Nach der bereits erwähnten Aufnahme von Høeberg aus dem Jahr 1933 produzierte Erik Tuxen nicht weniger als drei Einspielungen mit demselben dänischen Radio-Sinfonieorchester (April und August 1950 sowie April 1955), und Thomas Jensen nahm das Werk mit demselben Orchester im April 1954 für Decca auf. Der frühe Aufnahmeerfolg der Sinfonie mag überraschen, aber er war die logische Konsequenz des Erfolgs des Stücks in der Konzertaufführung. Nach der Kopenhagener Uraufführung wurde das Stück dort 1923 und 1925 erneut aufgeführt. Die Sinfonie war international erfolgreich, mit Aufführungen in Göteborg (Schweden) und Berlin 1922, in Stockholm 1924, in Oslo 1926. Im Jahr 1927 wurde sie in Frankfurt am Main, Leipzig, Königsberg (heute Kaliningrad) und Amsterdam gespielt, 1928 erneut in Stockholm.
Die Pariser Uraufführung fand am 21. Oktober 1926 im Salle Gaveau statt, in einem Konzert, das ganz den Werken Nielsens gewidmet war: die Uraufführung des Flötenkonzerts und der Fünften Sinfonie sowie Aufführungen des Violinkonzerts und einer Reihe kürzerer Kompositionen. Es wurde von wichtigen Persönlichkeiten des Pariser Kulturlebens besucht, darunter Arthur Honegger und Maurice Ravel.
Es ist wahrscheinlich eine Übertreibung, dass Ravels Boléro an diesem Donnerstag, dem 21. Oktober 1926, geboren wurde, aber es scheint wahrscheinlich, dass an diesem Abend etwas in Ravels Kopf hängen blieb. Nicht nur, dass Nielsens Sinfonie Ravel dazu inspirierte - oder zumindest ermutigte -, der kleinen Trommel eine wichtige Rolle zuzuweisen, auch die melodischen Linien der Sinfonie mit ihren verminderten Quinten und Septimen und die hohe Klarinetten-Tessitura am Ende des ersten Satzes hinterließen ihre Spuren in Ravels Ballettmusik. Und so wie Ravel seinen Boléro als orchestrales Experiment verstand, trägt auch Nielsens Sinfonie eine Reihe von innovativen Zügen.
Formal zeichnet sich die Sinfonie durch ihre zweisätzige Struktur aus, im Gegensatz zu den traditionellen vier Teilen einer Sinfonie. Es gibt eine Reihe bekannter Beispiele für zweistimmige Vorläufer (z. B. Schuberts Unvollendete von 1822 oder Mahlers Symphonie der Tausend von 1907) und noch viel mehr Beispiele für Symphonien mit mehr als vier Teilen (z. B. Beethovens Pastoralsymphonie, 1816, oder Berlioz‘ Symphonie Fantastique von 1830). Trotz dieser prestigeträchtigen Beispiele im Repertoire scheint Nielsen das Bedürfnis gehabt zu haben, die Struktur seiner neuen Sinfonie in nur zwei Teilen zu rechtfertigen.
In einem Interview mit Politiken kommentierte er: „Ich habe diesmal die Form geändert und zwei Sätze statt der üblichen vier verwendet. Ich habe viel darüber nachgedacht: In der alten symphonischen Form fand das meiste, was gesagt wurde, gewöhnlich im ersten Allegro statt. Dann kam das ruhige Andante, das als Kontrast diente. Danach das Scherzo, das wieder zu sehr auftrumpft und die Stimmung des Finales verdirbt, in dem die Ideen zu früh ausgehen. (...) Diesmal habe ich die Sinfonie in zwei große, breit angelegte Teile geteilt: den ersten, der langsam und ruhig beginnt, und den zweiten, der aktiver ist.“ Trotz Nielsens Rechtfertigung ist die Fünfte seine einzige Sinfonie mit zwei statt vier Sätzen geblieben.
Nach der Uraufführung bemängelten Kritiker Nielsens Verwendung von recht harschen Dissonanzen, insbesondere im ersten Satz. Im Gegensatz zu dem anderen populären nordischen Sinfoniker, Jean Sibelius (der ebenfalls 1865 geboren wurde), ist Nielsens Musiksprache nicht romantisch. Obwohl sie heute nicht als revolutionär angesehen wird, denn sie ist zugänglich und im Wesentlichen tonal, wurde sie 1922 als entschieden modern empfunden. Heute würden die meisten Hörer ihn wahrscheinlich irgendwo in der Mitte zwischen den beiden Extremen verorten.
Das sicherlich experimentellste Element der Sinfonie sind die der kleinen Trommel zugewiesenen aleatorischen Passagen (Takt 351-375) im ersten Satz. Der Spieler wird angewiesen, „in seinem eigenen Tempo zu spielen, als sei er entschlossen, die Musik um jeden Preis zu behindern. Er hält sich an seinen eigenen Takt, indem er einem vor ihm platzierten Metronom folgt, das auf Viertelnote = 116 eingestellt ist“. In Takt 367 bekommt er eine „Kadenz ad libitum“ zu spielen, mit der Anweisung „der Trommler improvisiert nun völlig frei mit aller ihm möglichen Phantasie, obwohl er von Zeit zu Zeit pausieren muss“. Das Ergebnis ist ein „Kampf“ zwischen der Kleinen Trommel und dem Orchester, in dem der Komponist der Kleinen Trommel die Freiheit gibt, das Orchester zu unterbrechen, wann er will und es zu stören.
Der zweite Satz beginnt wie ein schnelles und nervöses Scherzo, in dem die Orchestrierung allmählich dünner und leichter wird. In Takt 410 (Presto) führt Nielsen einen Fugato-Abschnitt in den Streichern ein. Nach einem Höhepunkt kehren die Streicher zum ersten Thema des Satzes zurück, nun aber ebenfalls imitativ gesetzt. Ähnlich wie im ersten Satz baut Nielsen gekonnt zu einem beeindruckenden Höhepunkt auf, wobei er Imitation und Orchestrierung als treibende Kräfte einsetzt.
Und in der Tat ist „Kraft“ vielleicht das richtige Wort, um diese Sinfonie als Ganzes zu beschreiben. Nielsens Fünfte ist eine Sinfonie voller Kontraste, unorthodox in ihrer Struktur und Orchestrierung. Es ist genau diese Originalität und orchestrale Energie, die auch ein Jahrhundert später noch für ein überraschendes musikalisches Erlebnis sorgt, das den Hörer dazu bringt, die Sinfonie noch einmal hören zu wollen. Und ein weiteres Mal.
Pieter Mannaerts, 2021
Für Aufführungsmaterial wenden Sie sich bitte an den Verlag Edition Wilhelm Hansen, Kopenhagen
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