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Jules Massenet - Cléopâtre.
Drame passionnel in four acts and five scenes on a libretto by Louis Payen (1910-12)
(b. Montaud, Loire, 12 May 1842 - d. Paris, 13 August 1912)
Preface
Cléopâtre was Massenet’s last opera, and the last in the final flowering of six operas that the elderly and mortally ill composer wrote under the influence of the Muse of his old age, Lucy Arbell (1882-1947). A singer variously described as a mezzo-soprano and a contralto (or, more compactly, as a mezzo-contralto), she was born Georgette Wallace, the granddaughter of an English aristocrat and art collector who had inherited a fortune and settled in Paris. Massenet met Arbell in 1906 and was swept away by her voice and vivacious personality (the prurient reader will perhaps be disappointed to learn that his infatuation went no further). He accompanied her at the piano in a recital of his chansons in June 1906 and wrote in ecstatic tones to his friends about her vocal and histrionic qualities. More importantly, he included roles for her in all of his final six operas, beginning with Ariane (1906), where she drew great acclaim in the role of Perséphone, and Thérése (1907), a drama of the French revolution in which she not only took the title role but received the composer’s dedication. The series continued with Bacchus (1909), one of Massenet’s most humiliating failures; Don Quichotte (1910), where the hero, sung by none other than Fyodor Chaliapin, was an elderly philosophizing gentleman, perhaps not unlike a certain late nineteenth-century French opera composer, and Dulcinea a rich and bright village beauty, perhaps not unlike Arbell herself; Roma (1912), where Arbell excelled as Posthumia; and the posthumously produced Panurge (1913), where she sang the Rabelaisian hero’s wife Colombe. The role of the femme fatale Cléopâtre was designed with Lucy Arbell very much in mind (with the result that, unusually, the roles of the two lovers, Cleopatra and Marc-Anthony, are both given to low voices), and Arbell fully expected to create it at the première – with fateful consequences, as we shall see.
Massenet received the libretto to Cléopâtre from his librettist Louis Payen in early 1910 and immediately began to concoct initial ideas for the musical setting. But other projects (Pantagruel) and the side-effects of his ultimately terminal illness prevented him from devoting himself whole-heartedly to the score until autumn 1911, when the bulk of the work was composed. The final touches were applied at the end of May 1912. As with all of Massenet’s late operas, the score is noteworthy for its sharp reduction of means, tending to concentrate on vocal melody and a subdued, restrained orchestral accompaniment with occasional splashes of his famous “iridescent color” (including a set of African darbukas in the tavern scene). The title figure is very much the center of the action: the battle scenes happen before the opera opens or between the acts, and all the characters seem to be satellites of the mortally attractive Egyptian queen, a vamp in the tradition of Arbell’s age-mate Theda Bara. The male figures at her side, Spakos and Marc-Antoine, both perish abjectly before the opera is over, and she dispatches her male slaves into the hereafter with casual alacrity. The focus of score and libretto alike lies on the sultry decadence of the Egyptian court and the circumstances surrounding Cleopatra’s famous suicide, here properly drawn out for operatic effect.
Small wonder that Lucy Arbell, a femme fatale in her own right, was intent on creating the role of Cléopâtre at the première, presented at the Monte Carlo Opera on 23 February 1914 under the baton of Léon Jéhin. In the event, the directors of the Monte Carlo Opera felt called upon to give this honor to the fabulously beautiful Russian soprano Maria Kuznetsova (1880-1966), who was causing a sensation with her talents as a singer and ballerina (she danced the role of Potiphar’s Wife in the première of Richard Strauss’s Josephslegende that same year). Kuznetsova being a soprano, the vocal part had to be subjected to 288 changes, all of them meticulously noted by Arbell. Feeling that the dying composer had given her exclusive rights to sing the première, Arbell cruelly sued the composer’s widow and daughter and was awarded damages amounting to 30,000 francs by the Paris Courts on 12 March 1914 (for comparison, Strauss’s fee for the entire score of Josephslegende was 6,000 francs), only to lose her case subsequently on appeal. Arbell is known to have sung Cléopâtre later at Nantes and Bordeaux, and Werther as late as 1924, but the great tradition of Massenet interpreters was to pass her by in favor of Geraldine Farrar, Mary Garden, and Lina Cavalieri.
Cléopâtre, like all of Massenet’s late operas, was accorded a succès d’estime, but with the change of taste brought about by the Great War it had to struggle to maintain a hold in the repertoire. In October 1919 it was mounted at Paris’s Théâtre-Lyrique du Vaudeville, with Mary Garden in the title role, and the later performances with Arbell in Nantes and Bordeaux have already been mentioned. Thereafter, apart from the remarkably beautiful aria of seduction “J’ai versé le poison dans cette coupe d’or” and the final duet between Cléopâtre and Marc-Antoine, “Regarde l’horizon,” little was heard of the work until November 1990, when it was chosen to inaugurate the first Massenet Festival in Saint-Étienne. This production, with Kathryn Harries in the title role and Patrick Fournillier conducting the Nouvel Orchestre St.-Étienne, was released on CD in 1992. Since then the beauty of the score, and the special attraction of an irresistible seductress singing music from one of history’s supreme creators of melody for the female voice, have ensured that the opera has not been forgotten entirely. In 2002 it was recorded in the studio by Montserrat Caballé and the Orchestre del Mediterraneo Unito, conducted by Miquel Ortega; and a 2004 concert performance, again with Montserrat Caballé and Miquel Ortega, this time conducting the Gran Teatro del Liceo, was issued live on DVD in 2006. As recently as 2013 Cléopâtre was mounted at the Opéra de Marseille in a production conducted by Lawrence Foster with Beatrice Uria-Monzon in the title role. The present contribution to the revival of Massenet’s sumptuous “drame passionnel” is a faithful reproduction of the first edition in full score, published by Heugel of Paris in 1915.
Cast of Characters
Cléopâtre - Mezzo-soprano
Marc-Antoine - Baritone
Spakos - Tenor
Octavie - Soprano
Charmion - Soprano
Ennius - Baritone
Amnhès - Baritone
Sévérus - Baritone
Slave of the Gate - Baritone
A Slave - Baritone
A Voice - Baritone
Chorus
Roman officers and soldiers, Egyptian slaves, wedding procession, Cléopâtre’s retinue
Ballet
Adamos (male principal), Greek and Egyptian slaves, Cléopâtre’s retinue
Time and Place
Roman Antiquity, ca. 40-30 BC
Synopsis of the Plot
Act I, the camp of Marc-Antoine in Tarsus, on the banks of the Cydnus: While emissaries from kingdoms of the East offer sumptuous gifts, Marc-Antoine proclaims the power of Rome and promises peace. Spakos, Cléopâtre’s liberated slave, announces the arrival of the Egyptian queen, seeking to pay tribute to the Roman commander. Two processions enter, headed by women so ravishingly beautiful that Marc-Antoine is convinced one of them must be Cléopâtre. But the queen’s entrance is more magnificent still: a gilt barge appears on the river, bearing Cléopâtre and her female attendants like Aphrodite surrounded by nymphs. The slaves roll out the red carpet, and Cléopâtre approaches Marc-Antoine’s tent, alone, her entire demeanor radiating submission. Marc-Antoine is smitten and conquered. A messenger arrives with the surprising news that Marc-Antoine is ordered to return to Rome and render an account of his campaign. Further, Octavian has offered him the hand of his sister Octavie in marriage. But the love-struck Marc-Antoine joins Cléopâtre on her barge.
Act II, Scene 1, Marc-Antoine’s atrium in Rome: After procrastinating for months, Marc-Antoine has finally obeyed the Senate’s orders. He is now in Rome on the day of his wedding to Octavie. Ennius, fresh from Egypt, reports that Cléopâtre has found solace in another. Marc-Antoine is plunged into despair. Octavie begs him to let her cure his secret sorrow, but he feels compelled to go to Egypt. Scene 2, Amnhès’s tavern in Alexandria: Cléopâtre has just arrived with Spakos, seeking fresh amusement. The innkeeper, sensing the importance of the disguised guests, offers them a special attraction: the young dancer Adamos, who performs for them. Seized with jealousy, Spakos attempts to strangle the young man. But the tavern’s regulars pressure the two strangers until the queen finally discloses her true identity. As she leaves the tavern, her handmaid Charmion reports that Marc-Antoine has returned.
III. Act, Cléopâtre’s luxuriant gardens: Libyan, Chaldean, and Scythian dancers demonstrate their art before the couch of Cléopâtre and Marc-Antoine, the latter now cloaked in the robes of an Eastern potentate. Cléopâtre offers a kiss to any slave willing to drink a cup of poison. When Marc-Antoine vents his outrage at her depravity, she calls him weak-spirited. Then Marc-Antoine learns that Rome has declared war on Egypt. He is torn between two worlds.
Act IV, the terrace before an underground temple: Marc-Antoine has been utterly defeated by Octavian in the naval battle of Actium, Cléopâtre prepares to die. She wishes to see Marc-Antoine once again, but Spakos tells her that he perished in the battle. To her surprise, Marc-Antoine enters, but severely wounded, and soon dies. Cléopâtre lifts the basket of fruit in which a waiting asp is concealed.
Bradford Robinson, 2014
For performance material please contact Heugel, Paris.
Jules Massenet - Cléopâtre.
Drame passionnel in vier Aufzügen und füng Bildern
nach einem Libretto von Louis Payen (1910-12)
(geb. Montaud, Loire, 12. Mai 1842 - gest. Paris, 13. August 1912)
Vorwort
Beim „Drame passionnel“ Cléopâtre handelt es sich nicht nur um die letzte Oper Massenets, sondern auch um die letzte Blüte in der Reihe von sechs Opern, die der alternde und sterbenskranke Komponist unter dem Einfluss der Muse seiner alten Tage hervorbrachte: die Sängerin Lucy Arbell (1882-1947). Diese Enkelin eines namhaften englischen Aristokraten und Kunstsammlers, der in den 1870er Jahren ein Vermögen geerbt und sich in Paris niedergelassen hatte, kam mit bürgerlichem Namen Georgette Wallace auf die Welt und wird verschiedentlich als Mezzosopran oder Alt, oder sogar noch kompakter als „Mezzoalt“ bezeichnet. Massenet lernte sie 1906 kennen und wurde sofort von ihrer Stimme und ihrem aufbrausend-temperamentvollen Wesen in den Bann gezogen (den sensationslustigen Leser muss die Erkenntnis enttäuschen, dass die Beziehung offenbar keine Bettgeschichte war). In diesem Jahr begleitete er sie bei einem öffentlichen Konzertvortrag seiner Chansons und pries seinen Freunden gegenüber in überschwänglichen Tönen ihre stimmlichen und schauspielerischen Qualitäten. Noch wichtiger: Der Komponist berücksichtigte Arbell in allen sechs seiner letzten Opern, als erstes 1906 in Ariane, bei der sie in der Rolle der Perséphone für Aufsehen sorgte, dann 1907 in der Revolutionsoper Thérése, bei der sie nicht nur die Titelrolle bekleidete, sondern auch zugleich Widmungsträgerin des Werkes war. Es folgten Hauptrollen in Bacchus (1909), einem der wenigen Fiaskos des erfolgsverwöhnten Opernkomponisten Massenet; Don Quichotte (1910), bei dem der Titelheld (von keinem Geringeren als Fjodor Schaljapin gesungen) als alternder philosophierender Herr eine kaum zu übersehende Ähnlichkeit mit einem gewissen französischen Opernkomponisten des ausgehenden 19. Jahrhunderts aufwies und die von Arbell gesungene Dulcinée als wohlhabende und blitzgescheite Dorfschönheit umgedeutet wird; Roma (1912), in der Arbell als Posthumia brillierte; und die posthum aufgeführte Oper Panurge (1913), in der sie die Rolle der Colombe, der Ehefrau des rabelaisischen Titelhelden, kreierte. Die Rolle der Femme fatale Cléopâtre wurde demnach Lucy Arbell gleichsam kompositorisch auf dem Leib geschrieben (mit dem ungewöhnlichen Ergebnis, dass die beiden Liebenden Cléopatre und Marc-Antoine im tiefen Stimmfach konzipiert wurden), und Arbell erwartete nichts anderes, als dass sie die Titelrolle bei der Premiere singen durfte – eine Erwartung, die verhängnisvolle Konsequenzen haben sollte.
Im Frühjahr 1910 erhielt Massenet das Libretto zu Cléopâtre vom Librettisten Louis Payen und machte sich sofort mit ersten grundsätzlichen Ideen an die Arbeit. Dennoch traten andere Projekte (vor allem Pantagruel) sowie die Nebenwirkungen seiner fortschreitenden Krebserkrankung dazwischen, so dass er sich erst im Herbst 1911 der Vertonung voll und ganz widmen und den Hauptteil der Kompositionsarbeiten hinter sich bringen konnte. Ende Mai 1912 wurden die letzten Retuschen an der Partitur angebracht. Wie beim Spätwerk Massenets insgesamt zeichnet sich die Partitur durch eine deutliche Reduzierung der kompositorischen Mittel aus, die zu einer Fokussierung auf Vokalmelodie mit zurückhaltender Orchesterbegleitung führt, jedoch nicht ohne gelegentliche Ausbrüche seiner berühmten „irisierenden Klangfarben“ (wie etwa den Einsatz afrikanischer Darbuka-Trommeln in der Wirtshausszene). Mittelpunkt der Handlung ist auf alle Fälle die Titelheldin: Die historischen Schlachtszenen finden entweder vor dem Handlungsbeginn oder zwischen den Akten statt, und alle handelnden Personen scheinen Trabanten der männermordenden ägyptischen Königin zu sein, eines „Vamps“ im Sinne von Arbells Altersgenossin Theda Bara. Die männlichen Hauptpersonen, die sich um sie kreisen – Spakos und Marc-Antoine – erleiden im Laufe der Handlung jeweils ein klägliches Ende, die männlichen Sklaven Cléopâtres werden von ihr bedenkenlos ins Jenseits gefördert. Partitur und Libretto sind gleichermaßen auf die schwülstige Dekadenz des ägyptischen Königshofs konzentriert sowie auf die Umstände um den berühmten Freitod der historischen Cleopatra, der hier zur Erhöhung der Bühnenwirksamkeit am Schluss voll ausgekostet wird.
Also nimmt es nicht Wunder, dass Lucy Arbell – auch auf ihre Weise eine Femme fatale – die Rolle der Cléopâtre bei der glanzvollen Uraufführung unbedingt singen wollte, die schließlich am 23. Februar 1914 unter der Leitung von Léon Jéhin in Monte Carlo stattfand. Letztendlich beschloss jedoch die monegassische Theaterdirektion, diese Ehre der sagenumwoben schönen russischen Sopranistin Maria Kusnezowa (1880-1966) zuteil werden zu lassen, die gerade mit ihrer Doppelbegabung als Sängerin und Tänzerin Furore machte (sie tanzte im gleichen Jahr die Rolle von Potiphars Frau bei der Premiére des Balletts Josephslegende von Richard Strauss). Für die Sopranistin Kusnezowa musste die Partie der Cléopâtre an nicht weniger als 288 Stellen geändert werden, die alle peinlichst genau von Arbell aufgezählt wurden. In der nicht ganz unberechtigten Überzeugung, der sterbende Komponist habe ihr die ausschließlichen Aufführungsrechte für die Titelrolle bei der Premiere erteilt, entschloss sich Arbell zum grausam pietätlosen Schritt, gegen die Komponistenwitwe und -tochter gerichtlich vorzugehen, wobei ihr am 12. März 1912 vom Pariser Gericht eine Summe von 30.000 Francs als Schadensersatz zuerteilt wurde (zum Vergleich: Das Honorar Richard Strauss’ für die ganze Partitur der Josephslegende betrug lediglich 6.000 Francs). In der nächsten Instanz jedoch wurde dieses Urteil offensichtlich rückgängig gemacht. Nachweislich hat Arbell später die Rolle der Cléopâtre in Nantes und Bordeaux gesungen und ist auch noch im Jahre 1924 in Werther aufgetreten, jedoch ging die große Tradition der Massenet-Interpretinnen an ihr vorbei zugunsten von Geraldine Farrar, Mary Garden und Lina Cavalieri.
Wie bei allen Spätwerken Massenets erlebte Cléopâtre einen Achtungserfolg, musste jedoch nach dem gründlichen Wandel des Zeitgeschmacks im Zuge des Ersten Weltkriegs um einen Platz im Repertoire kämpfen. Im Oktober 1919 wurde das Werk am Pariser Théâtre-Lyrique du Vaudeville mit Mary Garden in der Titelrolle inszeniert; die späteren Aufführungen mit Arbell in Nantes und Bordeaux wurden bereits oben erwähnt. Danach, mit Ausnahme der berauschend schönen Arie der Verführung „J‘ai versé le poison dans cette coupe d‘or“ und des abschließenden Duetts zwischen Cléopâtre und Marc-Antoine „Regarde l‘horizon“, wurde es ziemlich still um Cléopâtre, bis das Werk auserkoren wurde, das erste Massenet-Festival in Saint-Étienne im November 1990 zu eröffnen. Diese Inszenierung mit Kathryn Harries in der Titelrolle und Patrick Fournillier am Dirigentenpult mit dem Nouvel Orchestre St.-Étienne wurde 1992 auch auf CD veröffentlicht. Danach haben die Klangschönheit der Partitur und der besondere Reiz einer unwiderstehlichen Verführerin, die die Musik eines der überragendsten Schöpfer von Melodien für die weibliche Stimmer vorträgt, dafür gesorgt, dass die Oper nicht gänzlich in Vergessenheit geraten ist. Im Jahre 2002 wurde Cléopâtre von Montserrat Caballé und dem Orchestre del Mediterraneo Unito unter der Leitung von Miquel Ortega aufgenommen, und eine Konzertaufführung aus dem Jahr 2004 – erneut mit Caballé und Ortega, diesmal jedoch mit dem Orchester des Gran Teatro del Liceo – ist 2006 auf DVD erschienen. Noch 2013 wurde Cléopâtre an der Opéra de Marseille in einer Inszenierung mit Beatrice Uria-Monzon unter der Leitung von Lawrence Foster aufgeführt.
Beim vorliegenden Beitrag zur Wiederbelebung des üppigen Drame passionnel Massenets handelt es sich um einen unveränderten Nachdruck der Erstausgabe der Partitur, die 1915 beim Pariser Verlag Heugel erschien.
Handelnde Personen
Cléopâtre - Mezzosopran
Marc-Antoine - Bariton
Spakos - Tenor
Octavie - Sopran
Charmion - Sopran
Ennius - Bariton
Amnhès - Bariton
Sévérus - Bariton
Sklave der Pforte - Bariton
Ein Sklave - Bariton
Eine Stimme - Bariton
Chor
Römische Offiziere, ägyptische Sklaven, Hochzeitszug, Gefolge der Cléopâtre
Ballett
Adamos (Haupttänzer), griechische und ägyptische Sklaven, Gefolge der Cléopâtre
Zeit und Ort der Handlung
Römische Antike, ca. 40-30 Jahre vor Christi Geburt
Zusammenfassung der Handlung
I. Akt, das Lager Marc-Antoines zu Tarsus, am Ufer des Cydnus: Gesandten aus östlichen Königreiche bieten reiche Geschenke dar; Marc-Antoine verkündet die Macht Roms und verspricht Frieden. Spakos, ein befreiter Sklave der Cléopâtre, meldet die baldige Ankunft der ägyptischen Königin, um dem römische Feldherrn ihren Tribut zu zollen. Zwei vor-ausgehende, durch atemberaubend schöne Frauen geführte Umzüge verleiten Marc-Antoine zu dem Schluss, eine davon müsse die Cléopâtre sein. Der eigentliche Eintritt der Königin ist jedoch noch weitaus prunkvoller: Am Fluss erscheint eine goldbedeckte Galeere, auf der die Cléopâtre zusammen mit ihren Hofdamen wie Aphrodite umgebenen von Nymphen getragen wird. Die Sklaven rollen einen roten Teppich aus, Cléopâtre nähert sich alleine dem Zelt Marc-Antoines. In ihrer Haltung wirkt sie demütig, Marc-Antoine ist hingerissen und besiegt. Ein Gesandter aus Rom bringt jedoch eine überraschende Nachricht: Marc-Antoine wird befohlen, nach Rom zurückzukehren, um Bericht über seinen Feldzug zu erstatten, außerdem bietet Octavian eine Heirat mit seiner Schwester Octavie an. Der liebestrunkene Marc-Antoine besteigt jedoch mit Cléopâtre die Galeere.
II. Akt, 1. Bild, das Atrium Marc-Antoines in Rom: Nach einer Verzögerung von einigen Monaten hat sich Marc-Antoine dem Befehl des Senats gebeugt. Er befindet sich nun in Rom, und zwar am Tag seiner Hochzeit mit Octavie. Der gerade aus Ägypten eingetroffene Ennius bringt die Nachricht, dass sich Cléopâtre mit einem anderen getröstet habe. Marc-Antoine wird in Verzweiflung gestürzt. Octavie bittet ihn inbrünstig um Erlaubnis, ihn von seinem heimlichen Kummer zu heilen. Marc-Antoine fühlt sich jedoch gezwungen, nach Ägypten abzureisen. 2. Bild, das Wirtshaus des Amnhès in Alexandria: Auf der Suche nach neuen Belustigungen ist Cléopâtre gerade mit Spakos eingetroffen. Der Wirt Amnhès, der die Bedeutung der verkleideten Gäste erahnt, bietet eine besondere Attraktion an: den jungen Tänzer Adamos, der einen Tanz vollführt. Von Eifersucht übermannt versucht Spakos, den Jungen zu erdrosseln. Die Stammgäste des Wirtshaus bedrängen jedoch die beiden Fremdlinge, bis die Königin ihre wahre Identität preisgibt. Als sie das Wirtshaus verlässt, wird sie durch ihre Kammerzofe Charmion von der Rückkehr Marc-Antoines unterrichtet.
III. Akt, die prächtigen Gärten der Cléopâtre: Libysche, chaldäische und skythische Tänzer stellen ihre Künste zur Schau vor dem Diwan von Cléopâtre und Marc-Antoine, der in die Gewändern eines östlichen Monarchen gekleidet ist. Cléopâtre bietet an, jedem Sklaven, der bereit wäre, einen Becher Gift auszutrinken, mit einem Kuss zu belohnen. Als Marc-Antoine seine Empörung über solche Verderbtheit zum Ausdruck bringt, wirft ihm Cléopâtre Mutlosigkeit vor. Da erfährt Marc-Antoine von der Kriegserklärung Roms gegen Ägypten: Er fühlt sich zwischen zwei Welten hin- und hergerissen.
IV. Akt, die Terrasse eines Hypogäums: Marc-Antoine wurde von Octavian in der Seeschlacht bei Aktium vernichtend geschlagen, Cléopâtre bereitet sich auf den Tod vor. Auf ihren Wunsch hin, Marc-Antoine doch noch einmal sehen zu können, antwortet Spakos, Marc-Antoine sei bereits gestorben. Zu ihrer Überraschung tritt Marc-Antoine ein, der jedoch seinen Schlachtwunden bald erliegt. Cléopâtre hebt den Obstkorb hoch, in dem eine Giftschlange verborgen auf sie lauert.
Bradford Robinson, 2014
Aufführungsmaterial ist von Heugel, Paris, zu beziehen.
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