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Max Fiedler - Serenade in G major for small orchestra, op. 15
(b. Zittau, 31 December 1859 – d. Stockholm, 1 December 1939)
(1932?)
I Allegro non troppo (p. 1) – Tranquillo (p. 3) – (Tempo I, p. 5) – Tranquillo (p. 9)
(Tempo I, p. 10) – Tranquillo (p. 13) – (Tempo I, p. 15)
II Allegro giocoso (p. 18) – Meno mosso (p. 21) – Tempo I (p. 23) – Tranquillo (p. 27)
III Allegro agitato – Tranquillo (p. 28) – Walzertempo (p. 29)
Allegro non troppo (Tempo del primo movimento) (p. 42) – (Fine molto tranquillo, p. 46)
Preface
August Max Fiedler was one of the greatest and most celebrated conductors of his generation. He grew up in his native Zittau, where he received his first music lessons from his father Karl Friedrich August Fiedler, a clarinetist, violinist, and pianist from Germany’s Wendish minority. On 23 February 1870, Max gave his first public performance at the age of eleven, playing the solo part in Mozart’s A-major Piano Concerto (K. 488). Before enrolling at Leipzig Conservatory, he played Chopin’s F-minor Concerto in Zittau under his father’s baton on 21 February 1877. The same concert witnessed the première of his orchestral character-piece Abschied. Until 1880 he was a student in Leipzig, where he was instructed in piano by Carl Reinecke (1824-1910), who influenced him particularly in the Schumann tradition, and in composition by the learned contrapuntist Salomon Jadassohn (1831-1902). His musical way of thinking was heavily influenced by Moritz Hauptmann (1792-1868). Having passed his examinations, he played Reinecke’s C-major Piano Concerto in his final concert.
In 1882, Fiedler, at Reinecke’s recommendation, was made a piano teacher at the Von Bernuth Conservatory in Hamburg. There he came into close contact with Brahms’s friend Julius Spengel (1853-1936), who conducted Hamburg’s St. Cecilia Society from 1872 to 1927. In this way he became acquainted with Brahms, who even asked him to deputize for him in the solo part of his Second Piano Concerto. Fiedler frequently heard Brahms play his own music, and later remarked of his rubato that “it cannot be put down in writing.” He also befriended Hans von Bülow, and in later years was celebrated throughout the world as the “authentic interpreter of Brahms.” Fiedler deeply venerated Brahms to the end of his days and was most deeply impressed by von Bülow as a conductor. His successful conducting début came about at a Hamburg Philharmonic Concert on 3 December 1886 at the suggestion of the Philharmonic Society’s musical director, Julius von Bernuth (1830-1902). On this occasion he performed his only Symphony in D minor, composed in 1885-86. It proved to be the turning point in his career, and he soon became the audience’s favorite among Hamburg conductors. In a few years the number of “Fiedler concerts” rose from one to ten per season, eclipsing even those of the Philharmonic. In the course of the 1890s he came to be seen as one of Germany’s front-rank conductors. In 1898 he received his first invitation to St. Petersburg, where every winter he conducted the Imperial Russian Society of Music in four concerts over five weeks in St. Petersburg and one in Moscow (featuring inter alia Nikolai Medtner as soloist). He also become increasingly committed to the music of Richard Strauss and formed friendships with Alexander Glasunov (who spoke fluent German), César Cui, Anton Rubinstein, Rimsky-Korsakov, Liadov, Taneyev, and Arensky. Further invitations for guest performances soon followed from Spain, France, Italy, and England. In 1904, one year after his appointment as co-director of the Von Bernuth Conservatory, the competing enterprises merged under his leadership. The same year saw his début in Philadelphia. Now nothing more stood in the way of an international career. In 1908 he succeeded Wilhelm Gericke, Arthur Nikisch, and Karl Muck as principal conductor of the Boston Symphony Orchestra. Soon the New York press was praising him to the skies:
“Never can the orchestra have sounded more beautiful than it did yesterday evening when the conductor Max Fiedler guided it in a marvelously supple and technically infallible performance. The exquisite beauty and consummate flexibility of the orchestral sound has never been better displayed; nor has this admirable body rendered every movement with more incisiveness or gripping force than under Herr Fielder’s leadership.”
In 1912, Fiedler left Boston and settled in Berlin, where he soon gained a foothold with his own concerts and mounted legendary evenings of Brahms. In 1916 he was appointed head of the Musical Association and City Music Director in Essen, a position he retained until 1934. It was the golden age of the Essen orchestra. His final years were spent mainly giving guest performances in Berlin and Stockholm. Fiedler’s concerts in Essen abounded in local premieres of new compositions, including some from his own pen and many works by Strauss, Reger, Mahler, Pfitzner, Hausegger, Sibelius, Busoni, Rachmaninoff, Sinding, d’Albert, Braunfels, Wetzler, Keussler, Kaminski, Schoenberg, Atterberg, Nielsen, Respighi, Georg Schumann, Franz Schmidt, Glasunov, Adolf Busch, Szymanowski, Kletzki, Sekles, Dopper, Graener, Julius Weismann, Bruno Stürmer, Woyrsch, Trapp, Hindemith, Honegger, Stravinsky, etc.
As intensively as Fiedler cultivated contemporary music, including even the iconoclastic modernists, as a composer he trod conservatively in the footpaths marked out by Brahms. His relatively slender oeuvre, all expertly crafted, typifies the Kapellmeistermusik of his day. His opus 1 (the opus numbers do not always match up with the dates of composition), a String Quartet with two violas, was premièred at Leipzig Conservatory on 30 May 1879 as an examination piece. A first set of Five Piano Pieces (op. 2) was premièred in 1883 and a second set (op. 3) in 1888, both times in Hamburg. They were followed by Six Lieder (op. 4), Two Lieder (op. 5), Six Piano Pieces (op. 6), Four Choral Lieder (op. 7), Three Lieder with accompaniment for piano trio (op. 8), and Two Women’s Choruses (op. 9), all written during the 1880s. Some of the Six Lieder (op. 10) were also composed at this time. Rounding off this early creative period was his Symphony in D minor (without opus no.), which occasioned his breakthrough as a conductor in 1886 (later, at the age of seventy, he revived it in Essen). In 1898 he wrote a Prelude for string orchestra, organ and trumpet that likewise remained without opus number, as did the choral work Schwertschmiede (premièred in 1917) and the prelude with chorale Nun danket alle Gott (premièred in 1923).
Apart from the Serenade presented in this volume, Fiedler’s most successful orchestral work was the Lustspiel-Ouvertüre (Overture to a comedy, op. 11), composed in 1914. The Hamburger Nachrichten commented on its première: “It is a pretty, agile, carefully thought-out piece of music spiced with many surprises and small, deliberate, and deliberately willful concessions to the modernism of our times, tidy and concise in its form, ingratiating and neat in its musical ideas.” Hans Hehemann, writing in Essen on 21 January 1917, found the Lustspiel-Ouvertüre “a truly comical piece which possesses, besides all manner of rascalities and lovable emotional excesses, the virtue of brevity.”
The Brahmsian Sonata for Piano and Cello (op. 12) arose as early as 1892. The Eight Lieder (op. 13) are considered Fiedler’s finest contribution to the genre. His String Quartet in A minor, though bearing the opus number 14, was already premièred in Leipzig on 10 June 1880. After the op. 15 Serenade Fiedler went on to write Two Songs for mixed a cappella chorus for the Essen Musical Association (op. 16). To this, at the age of seventy-three, he added the Overture in E major: Essen (op. 17) on the sequence of pitches E-Eb-Eb-E (“ESSE” in German letter notation). Hehemann called it “the work of a man who is profoundly at home in the music of Brahms and, being a conductor, knows how to astutely shape the sonic world of the late romantics.” Saar-Schwur, a male chorus written as a pièce d’occasion, received the opus number 17b. Op. 18 was a Fantasy Piece for piano, and op. 19, his final composition, was Two Pieces for cello and piano. The latter work is summed up by his biographer Gaston Dejmek: “From this quiet opus the aged Fiedler takes leave of worldly things and, at the same time, rejects all externalities in order to withdraw into himself.”
Here is what Dejmek, writing in Max Fiedler: Werden und Wirken (Essen, 1940), has to say about Fiedler’s Serenade, op. 15:
“On 7 February 1931 Max Fiedler dedicated his op. 15 ‘to the Essen City Orchestra in grateful fellowship.’ […] Compared to the Lustspiel-Ouvertüre it offers interesting thematic material, especially in its opening movement. […] The little piece has melodious grace and rhythmic delicacies in a cheerful, amiable, modest tone. This music, which is frequently broadcast on radio, wishes to be heard and judged just as it is.”
The première of the Serenade took place in the Ruhr Settlement Association Hall, Essen, on 13 June 1931, with the Essen Orchestral Association led by its principal conductor Bill (Wilhelm) Fiedler (b. 1891). The concert marked the orchestra’s seventy-fifth anniversary and featured Max Fiedler himself as the soloist in Mozart’s A-major Piano Concerto (K 488). Hans Hehemann reported on the event on 15 June:
“The three-movement Serenade is a very fresh and tuneful piece which declines to seek new paths, cleverly distributes its contrasts and tensions within a lyrical G-major mood, and bids goodbye to the listeners with a brisk and buoyant waltz. Its lovable contents are matched by the mastery and accuracy with which it has been fashioned within its limited musical resources. This is music that immediately catches the ear, and it does no harm if we know who first heard certain things of this kind in his inner imagination.”
In the years before his death, Fiedler’s Serenade was indeed highly popular in Germany. It thus comes as no surprise to find that it was one of the first compositions conducted by the young Sergiu Celibidache, who performed it on 19 April 1942 in Berlin’s Bach Hall in Lützow Street with the renowned amateur orchestra, Berliner Musikfreunde e. V.
No matter what attitude today’s musicians and listeners may take toward an explicitly backward-looking musical language such as Fiedler’s, this Serenade has, all in all, a distinctive formal design that sets it clearly apart from far better-known contributions to the genre. It convinces us with its charm, lilt, and masterly dramatic structure.
Incidentally, the opening movement will be of historical interest to anyone concerned with the niceties of historical performance practice, for Fiedler adds the contrasting tempo Tranquillo every time it occurs, but without once indicating when to return to Tempo primo. In other words, at this time any proper conductor who understood his craft was generally expected to know perfectly well, without instructions, how to handle tempo relations, which, of course, become obvious on sober reflection.
The second movement is a humorous scherzo that has a witty feature in common with the Gavotte from Sergey Prokofiev’s Symphonie classique – namely, as Sergiu Celibidache so amusingly put it, that “the dancer falls asleep at the end.” This is because the second repeat of the Meno mosso is not, all logical conventions to the contrary, followed by a return to the main tempo. The motif of the brief fugal Allegro agitato that opens the finale is taken from the head of the trio theme in the scherzo. The assault calms down and leads to that expansive waltz which forms the most lasting expressive constant in this little piece, and which finally winds up in a cyclic return of the opening movement. But if that movement ended in an unbridled fortissimo, the Serenade as a whole bids us farewell in the most delicate pianissimo.
Translation: Bradford Robinson
For performance materials please contact the publishers Ries & Erler, Berlin (www.rieserler.de).
Max Fiedler - Serenade G-Dur für kleines Orchester op. 15
(geb. Zittau, 31. Dezember 1859 – gest. Stockholm, 1. Dezember 1939)
(1932?)
I Allegro non troppo (p. 1) – Tranquillo (p. 3) – (Tempo I, p. 5) – Tranquillo (p. 9)
(Tempo I, p. 10) – Tranquillo (p. 13) – (Tempo I, p. 15)
II Allegro giocoso (p. 18) – Meno mosso (p. 21) – Tempo I (p. 23) – Tranquillo (p. 27)
III Allegro agitato – Tranquillo (p. 28) – Walzertempo (p. 29)
Allegro non troppo (Tempo del primo movimento) (p. 42) – (Fine molto tranquillo, p. 46)
Vorwort
August Max Fiedler war einer der bedeutendsten und prominentesten Dirigenten seiner Generation. Er wuchs in seiner Geburtsstadt Zittau heran und erhielt ersten Musikunterricht bei seinem Vater, dem sorbischen Klarinettisten, Geiger und Pianisten Karl Friedrich August Fiedler. Mit elf Jahren trat er am 23. Februar 1870 erstmals öffentlich als Solist in Mozarts Klavierkonzert A-Dur KV 488 auf. Bevor er ins Leipziger Konservatorium eintrat, spielte er am 21. Februar 1877 in Zittau unter der Leitung seines Vaters noch Chopins f-moll-Konzert, und im selben Konzert kam sein Charakterstück für Orchester ‚Abschied’ zur Uraufführung. In Leipzig studierte er bis 1880. Im Klavierspiel wurde er von Carl Reinecke (1824-1910) unterwiesen, der ihn insbesondere hinsichtlich der Schumann-Aufführungstradition beeinflusste. Sein Kompositionslehrer war der beschlagene Kontrapunktiker Salomon Jadassohn (1831-1902). Sein musikalisches Denken wurde stark von Moritz Hauptmann (1792-1868) geprägt. In seinem Abschlusskonzert nach bestandener Prüfung spielte Fiedler Carl Reineckes Klavierkonzert in C-Dur.
1882 wurde Max Fiedler auf Vermittlung Reineckes als Klavierlehrer an das von-Bernuth’sche Konservatorium in Hamburg berufen. Dort kam er in engen Kontakt mit Johannes Brahms’ Freund Julius Spengel (1853-1936), der von 1872 bis 1927 Dirigent des Hamburger Cäcilienvereins war, und lernte so Brahms kennen, der ihn dann sogar bat, für ihn als Solist in seinem B-Dur-Klavierkonzert einzuspringen. Fiedler hörte Brahms häufig seine Werke spielen und berichtete später von dessen Rubato, „das man nicht hinschreiben kann“. Auch mit Hans von Bülow schloss Fiedler Freundschaft, und später sollte man ihn in aller Welt als den „authentischen Brahms-Interpreten“ feiern. Zeitlebens hegte Fiedler eine tiefe Verehrung für Brahms, und als Dirigent hat ihn Bülow am meisten beeindruckt. Sein erfolgreiches Dirigierdebüt gab Fiedler auf Anregung Julius von Bernuths (1830-1902), des Musikdirektors der Philharmonischen Gesellschaft, am 3. Dezember 1886 in einem Hamburger Philharmonischen Konzert mit seiner eigenen, 1885-86 komponierten, einzigen Symphonie in d-moll. Dies war der entscheidende Wendepunkt in seinem Werdegang, und bald wurde er zum Publikumsliebling unter den Kapellmeistern der Hansestadt. In wenigen Jahren stieg die Zahl der ‚Fiedler-Konzerte’ von einem auf zehn Konzerte pro Saison und stellte die Philharmonischen Konzerte in den Schatten. Im Laufe der 1890er Jahre galt er als einer der führenden deutschen Dirigenten. 1898 wurde er erstmals nach St. Petersburg eingeladen, wo er jeden Winter fünf Wochen lang je vier Konzerte der Kaiserlich-Russischen Musikgesellschaft in Petersburg und eines Moskau leitete, unter anderen mit Nikolai Medtner als Solist. Immer mehr setzte er sich nun auch für die Musik von Richard Strauss ein und befreundete sich mit Alexander Glasunov, der fließend deutsch sprach, und auch mit César Cui, Anton Rubinstein, Rimskij-Korsakov, Liadov, Tanejev und Arenskij. Weitere Einladungen als Gastdirigent in Spanien, Frankreich, Italien und England folgten bald. 1904 kam es zur Fusion der konkurrierenden Unternehmungen unter der Leitung Fiedlers, der bereits im Jahr zuvor Mitdirektor des von-Bernuth’schen Konservatoriums geworden war. 1904 gastierte Fiedler zudem erstmals in Philadelphia, und nun war die internationale Karriere nicht mehr aufzuhalten. Er wurde 1908 als Nachfolger von Wilhelm Gericke, Arthur Nikisch und Karl Muck Chefdirigent des Boston Symphony Orchestra, und bald pries ihn die New Yorker Presse: „Niemals kann das Orchester schöner geklungen haben als gestern Abend, als der Dirigent Max Fiedler es zu einem wunderbar geschmeidigen und technisch fehlerlosen Vortrag führte. Die auserlesene Schönheit und vollkommene Beweglichkeit des Orchesterklanges zeigte sich nie besser, nie hat dieser bewundernswerte Spielkörper jeden Satz mit größerer Deutlichkeit und fesselnderer Kraft wiedergegeben als unter Herrn Fiedlers Leitung.“
1912 verließ Max Fiedler Boston und ließ sich in Berlin nieder, wo er sich bald mit eigenen Konzerten etablierte und legendäre Brahms-Abende veranstaltete. 1916 wurde er als Leiter des Musikvereins und Städtischer Musikdirektor nach Essen berufen, und dieser Aufgabe blieb er bis 1934 verbunden. Es war die goldene Ära des Essener Orchesters. In seinen letzten Lebensjahren wirkte er überwiegend als Gastdirigent in Berlin und Stockholm. Fiedlers Essener Konzerte waren reich an Novitäten, worunter sich natürlich auch eigene Werke fanden, und vieles von Strauss, Reger, Mahler, Pfitzner, Hausegger, Sibelius, Busoni, Rachmaninoff, Sinding, d’Albert, Braunfels, Wetzler, Keußler, Kaminski, Schönberg, Atterberg, Nielsen, Respighi, Georg Schumann, Franz Schmidt, Glasunov, Adolf Busch, Szymanowski, Kletzki, Sekles, Dopper, Graener, Julius Weismann, Bruno Stürmer, Woyrsch, Trapp, Hindemith, Honegger, Strawinsky usw.
So intensiv er sich für die zeitgenössische Musik bis zur bilderstürmerischen Moderne einsetzte, so konservativ wandelte Max Fiedler als Komponist in den von Brahms gewiesenen Bahnen. Handwerklich vorzüglich gearbeitet, ist sein relativ schmales Schaffen, dessen Opuszählungen teilweise nicht der Entstehungszeit entsprechen, ein typisches Beispiel für die Kapellmeistermusik der Zeit. Sein Opus 1, ein Streichquintett (mit 2 Bratschen), wurde am 30. Mai 1879 als Prüfungsarbeit am Leipziger Konservatorium uraufgeführt. Die 5 Klavierstücke op. 2 erklangen erstmals 1883, die 5 Klavierstücke op. 3 1888, jeweils in Hamburg. Es folgen 6 Lieder op. 4, 2 Lieder op. 5, 6 Klavierstücke op. 6, 4 Chorlieder op. 7, drei Lieder op. 8 mit Klaviertrio-Begleitung und 2 Frauenchöre op. 9, allesamt in den 1880er Jahren entstanden. Die 6 Lieder op. 10 sind teilweise auch noch zu jener Zeit entstanden. Die seine frühe Schaffensperiode abrundende Symphonie in d-moll (ohne Opuszahl) brachte Fiedler nicht nur 1886 den Durchbruch als Dirigent, er führte sie auch später wieder in Essen als Siebzigjähriger auf. 1898 schrieb er ein Vorspiel für Streichorchester, Orgel und Trompete, das gleichfalls ohne Opuszahl geblieben ist, wie auch das Chorwerk ‚Schwertschmiede’ (uraufgeführt 1917) und das Vorspiel mit Choral ‚Nun danket alle Gott’ (uraufgeführt 1923).
Neben der hier vorliegenden Serenade sollte die 1914 komponierte Lustspiel-Ouvertüre op. 11 Max Fiedlers erfolgreichstes Orchesterwerk sein. Die Hamburger Nachrichten kommentierten die Uraufführung: „Es ist ein hübsches, frisch bewegtes, planvoll überlegtes Musikstück, mit mancherlei Überraschungen gewürzt, kleinen bewussten und bewusst gewollten Zugeständnissen an die Modernität von heute, sauber und knapp in seiner Form, in seinen musikalischen Gedanken gefällig und nett.“ Hans Hehemann schrieb darüber am 21. Januar 1917 in Essen, dass die Lustspiel-Ouvertüre „ein wirklich lustiges Stück ist und neben allerhand Schelmereien und einem liebenswürdigen Gefühlsüberschwang auch den Vorzug der Kürze besitzt.“
Die in der Brahms-Nachfolge stehende Sonate für Klavier und Violoncello op. 12 ist bereits 1892 entstanden. Die 8 Lieder op. 13 gelten als Fiedlers bedeutendster Beitrag zur Gattung. Sein Streichquartett in a-moll trägt zwar die Opuszahl 14, doch kam es schon am 10. Juni 1880 in Leipzig zur Uraufführung.
Nach der Serenade op. 15 komponierte Fiedler noch 2 Gesänge für gemischten Chor a cappella op. 16 für den Essener Musikverein, mit 73 Jahren die Ouvertüre in E-Dur op. 17 ‚Essen’ aufgrund der Tonfolge E-Es-Es-E (Hehemann zufolge „das Werk eines Mannes, der als Musiker zutiefst bei Brahms zu Hause ist und als Dirigent hellhörig die Klangwelt der Spätromantiker zu gestalten weiß“), und den Gelegenheits-Männerchor ‚Saar-Schwur’ op. 17b. Als Opus 18 folgte das Fantasiestück für Klavier, und die 2 Stücke für Cello und Klavier op. 19 sollten sein letztes Werk sein, worüber sein Biograph Gaston Dejmek resümiert: „Aus dem stillen Opus spricht des greisen Fiedler Abstand von den Dingen und zugleich sein Verzicht auf nach außen gerichtete Anliegen, ein Zurückziehen in sich selbst.“
Gaston Dejmek schreibt in ‚Max Fiedler. Werden und Wirken’ (Essen, 1940) über Max Fiedlers Serenade op. 15: „Am 7. Februar 1931 hat Max Fiedler sein op. 15 ‚Dem Essener Städtischen Orchester in dankbarer Verbundenheit“ gewidmet. […] Gegenüber der Lustspielouvertüre bietet die Serenade vor allem in ihrem ersten Satz interessanteres thematisches Material. […] Das kleine Werk bietet graziöse Sanglichkeit und rhythmische Delikatessen in fröhlich freundlichem, sich bescheidendem Tone. So wie sie ist, möchte diese Musik, die vielfach im Rundfunk übertragen wird, gehört und beurteilt sein.“
Über die Uraufführung durch den Essener Orchesterverein e. V. unter seinem Chefdirigenten Bill (Wilhelm) Fiedler (geb. 1891) am 13. Juni 1931 im Saal des Ruhrsiedlungs-Verbandes in Essen, anlässlich des 75jährigen Bestehens des Orchestervereins – in einem Konzert, in welchem auch Max Fiedler als Solist in Mozarts Klavierkonzert A-Dur KV 488 auftrat –, schrieb Hans Hehemann am 15. Juni: „Diese dreisätzige Serenade ist ein sehr frisches und melodienfreudiges Stück, das keine neuen Wege sucht, die Kontraste und Spannungen innerhalb einer lyrisch bewegten G-Dur-Stimmung klug verteilt und die Hörer mit einem flotten, breit geschwungenen Walzer entlässt. Der Liebenswürdigkeit des Inhalts entspricht die Meisterschaft, womit das Stück in der Treffsicherheit der beschränkten instrumentalen Mittel gemacht ist. Diese Musik liegt sofort im Ohr, und es schadet ihr nichts, wenn wir wissen, wer zum ersten Male gewisse Dinge in dieser Art in seiner inneren Vorstellung gehört hat.“
Max Fiedlers Serenade op. 15 war in den Jahren nach seinem Ableben in Deutschland tatsächlich ein sehr beliebtes Werk, und so mag es auch nicht verwundern, dass sie eine der ersten Kompositionen war, die der junge Sergiu Celibidache dirigierte: am 19. April 1942 in Berlin im Bach-Saal Lützow-Straße mit dem renommierten Laienorchester Berliner Musikfreunde e. V.
Wie auch immer heutige Musiker und Hörer zu einer explizit retrospektiv orientierten Musiksprache wie derjenigen Max Fiedlers eingestellt sein mögen, so hat diese Serenade jedenfalls unstrittig als Ganzes ein eigenes, sie von anderen, auch weit prominenteren Gattungsbeiträgen klar unterscheidendes formales Gepräge, und sie besticht mit Charme, Schwung und souveräner dramaturgischer Disposition.
Im Kopfsatz ist übrigens für all jene, die sich für Gepflogenheiten historischer Aufführungspraxis interessieren, von besonderem Interesse, dass Fiedler zwar jedes Mal das kontrastierende Tempo ‚Tranquillo’ vorschreibt, wo es einzutreten hat, jedoch kein einziges Mal angibt, wo das Tempo primo wieder aufzunehmen wäre. Man war sich also zu jener Zeit noch allgemein sicher, dass es jedem ordentlichen Dirigenten, der sein musikalisches Handwerk beherrscht, ohne jeglichen Hinweis vollkommen klar sei, wie die Tempoverhältnisse zu gestalten sind, was sich bei nüchterner Betrachtung ja auch sofort erschließt.
Der zweite Satz ist ein humorvolles Scherzo, welches mit der Gavotte aus Sergej Prokofieffs ‚Symphonie classique’ die witzige Gemeinsamkeit aufweist, dass, wie es Sergiu Celibidache gerne so amüsant ausdrückte, „zum Schluss der Tänzer einschläft“ – denn auf die zweite Wiederkehr des Tempo ‚Meno mosso’ folgt entgegen aller schlüssigen Konventionen keine abschließende Wiederaufnahme des Haupttempos. Das Motiv des kurzen fugierenden Allegro agitato-Beginns des Finales ist dem Kopf des Triothemas aus dem Scherzo entlehnt. Die Attacke beruhigt sich und leitet in jenen ausgedehnten Walzer über, der die dauerhafteste Ausdruckskonstante des kleinen Werkes bildet und schließlich in die zyklische Wiederkehr des Kopfsatzes ausmündet. Doch während jener in ausgelassenem Fortissimo geendet hatte, verabschiedet sich die Serenade als Ganzes nunmehr in zartestem Pianississimo von uns.
Christoph Schlüren, Februar 2014
Aufführungsmaterial ist erhältlich vom Verlag Ries & Erler, Berlin (www.rieserler.de).
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