Fletcher, Percy E.

Fletcher, Percy

Labour And Love for brass band

(b. Derby, 12 December 1879 – d. London, 10 December 1932)

Labour And Love – Tone Poem for Brass Band

Preface

Percy Eastman Fletcher was born in the English industrial town of Derby, a notable railway centre at the edge of the extensive coalfields of the North. He had lessons in piano, organ and violin and eventually left – as so many did – for London. In the capital, he was lucky enough eventually to find work as a theatrical Director of Music. He was not the only one – musicians of similar backgrounds, such as Arthur Wood and Alfred Reynolds, also ended up in the theatre. But Fletcher was perhaps the most successful, working at a succession of notable venues – the Prince of Wales’s Theatre, the Savoy Theatre, Daly‘s Theatre, the Drury Lane Theatre and, from 1915 until his death, His Majesty‘s Theatre. His biggest success was probably the 1913 musical Chu Chin Chow by Frederick Norton, orchestrated and directed by Fletcher. He also wrote a successful sequel, Cairo, which ran for more than 200 performances in 1921. A 1926 musical, The Good Old Days, had almost as great a success.

But Percy Fletcher was a far busier musician than this would suggest. For one thing, he wrote a host of domestic songs and ballads that one still hears in old 78 rpm recordings – Kitty, Secret of My Heart, The Bells of Youth – and he provided orchestrations for others (such as the once very popular Indian Love Lyrics by Amy Woodforde-Finden). He wrote choral works (of which The Passion of Christ, from 1922, was once popular with church choirs). He composed many suites for light orchestra, such as the 1918 Rustic Revels and the 1921 Woodland Pictures. His most successful was probably the 1914 Parisian Sketches, of which the movement entitled Bal Masqué has retained a very tenuous popularity, as has his overture Vanity Fair.

Fletcher’s most lasting contribution to music, though, came in 1913 when he was asked to write a work for the 1913 National Brass Band Championships held at the Crystal Palace.

Brass bands were popular among the collieries and factories of industrial Britain and by 1913 were well organized, with a series of national competitions. Both bands and local choirs provided what was often the only cultural pursuits for the working men (it was mainly men) of the industrial regions. The brass instruments used were cornets, saxhorns of several sizes, and trombones. The band movement developed a novel and idiosyncratic standardisation of music for the cornets and saxhorns, whereby they were all written for as transposing instruments in the treble clef – even the bass tubas! It meant, of course, that anyone who had learnt to play on one instrument could transfer to another type of instrument without having to re-learn the technique – something that was important in allowing for continuity of personnel. By such means players often became more literate in music than they were in their own language.

The bands themselves were usually funded and supported by the particular colliery or factory (which probably owned the instru-ments) though some were funded by local communities, and it is not surprising that by the end of the 19th century, performing in competition against other bands figured large in any band’s calendar. It became the cultural equivalent of football.

What often proved the band movement’s weakest feature was the music they played. Hymn-tunes, marches and novelty items (often with a soloist) were the staple fare of public performances, but as competitions grew, there was a growing feeling that selections from the classics and transcriptions of operatic pieces were no longer enough. It was against this background that the organizers of the National Brass Band Championships approached a recognized composer from a different tradition to commission an original work as a test-piece for the 1913 championships, to be held at the Crystal Palace in south London. The previous five years had used transcriptions of Wagner’s overtures to Rienzi (1908) and Der fliegende Holländer (1909) and to Rossini’s Guillaume Tell (1912), together with a selection from Meyerbeer’s Les Hugenots (1911), and a selection called Gems of Schubert (1911).

Percy Fletcher agreed to write an original piece and thus became the first recognized composer to write ‘serious’ music for brass band. His 1913 piece, the tone poem Labour and Love was no ‘modern’ work, belonging to a style and emotional world that owes much more to Liszt and Tchaikovsky than to even Richard Strauss or Elgar. But it was an original brass band piece and it was a success because of that. The National Championships were suspended until 1920, but when they returned there were only original test-pieces until the 1950s, when an occasional, effective (and technically very demanding) transcription of an overture was used. More important still was the list of composers who contributed test-pieces. Percy Fletcher had followed his success with the Epic Symphony (1926) and this encouraged the brass band authorities to approach other composers. Gustav Holst, Edward Elgar, Granville Bantock, John Ireland, Herbert Howells, Ralph Vaughan Williams, Arthur Bliss, Edmund Rubbra, and Gordon Jacob all wrote test pieces for brass band, and the custom has continued with composers such as Malcolm Arnold, Harrison Birtwistle, Robert Simpson and Hans Werner Henze contributing.

Labour and Love is a series of vignettes, generally contrasting the dramatic with the tender, in which the opening thematic material undergoes a Lisztian transformation until it provides an emphatic apotheosis led by the trombones. Along the way there are prominent solo passages or cadenzas for the cornet, tenor horn, baritone horn, tenor trombone and euphonium.

The winning band in 1913 was Irwell Springs Band from Rochdale, near Manchester. A local poet immortalized their win in verse, one of which is:

“Labour and Love” – so was this music named,

That brought together bands renowned and famed;

You’ve worked and won, and now you stand above,

You had the Labour first – now take the Love.

The Brass Band Score

The composition of brass bands became standardized quite early because of the need to ensure consistency in competitions. For competitions, the brass group normally consists of 25 players, not including percussion, divided in these proportions:

1 Soprano Cornet

3-4 Solo Cornets

1 Repiano Cornet (an unusual spelling of ripieno)

2-3 2nd Cornets

2-3 3rd Cornets

1 Flugelhorn

1 Solo Tenor Horn (usually called Solo Horn)

1 1st Tenor Horn (usually called 1st Horn)

1 2nd Tenor Horn (usually called 2nd Horn)

1 1st Baritone Horn (usually called 1st Baritone)

1 2nd Baritone Horn (usually called 2nd Baritone)

1 1st Trombone

1 2nd Trombone

1 Bass Trombone

1-2 Euphonium

2 E♭ Bass Tuba (usually called E♭ Bass)

2 B♭ Bass Tuba (usually called B♭ Bass)

Plus 1-2 percussion (these were not allowed to play in competitions until the 1970s).

Labour and Love has the usual features of a brass band score – all cornets and saxhorns are written as transposing instruments in the treble clef, for instance – but it differs from modern scoring in two ways. Firstly, Fletcher includes a part for 3th Tenor Horn (actually the 4th, since the true 1st Horn is called the ‘Solo Horn’). This is unknown in modern writing, which recognises only three tenor horn parts (Solo, 1st and 2nd). This score attempts to indicate where only the 2nd horn should play by omitting the 3rd at those places – thus preserving the best balance – but the original parts give no guidance on the matter.

Secondly, Fletcher writes for 1st and 2nd Trombones in tenor clef. Band scoring has settled on these two parts being written in treble clef, as transposing instruments (the transposition being the same as for the Euphonium). This leaves the Bass Trombone oddly alone as the only instrument written ‘at pitch’.

A table of all the transpositions is at the start of the score.

Phillip Brookes, 2012

Conductor’s score and parts are available from Musikproduktion Höflich (www.musikmph.de), Munich.

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Percy E. Fletcher (geb. Derby, 12. Dezember 1879 – gest. London, 10. Dezember 1932)

Labour And Love – Tongedicht für Blechblaskapelle

Vorwort

Percy Eastman Fletcher wurde in der englischen Industriestadt Derby geboren, einem bekannten Eisenbahnknotenpunkt am Rande des grossen Kohlereviers im Norden des Landes. Nach Unterricht in Klavier, Orgel und Geige begab er sich wie viele seiner Kollegen nach London. In der Hauptstadt hatte er das Glück, dass man ihn für den Posten des Musikdirektors an einem Theater engagierte. In dieser Hinsicht erging es ihm wie vielen anderen. Musiker mit ähnlichem Hintergrund -so landeten zum Beispiel Arthur Wood und Alfred Reynolds landeten ebenfalls beim Theater. Fletcher aber war der vielleicht erfolgreichste, arbeitete er doch in der Folge an einigen berühmten Institutionen: am Prince of Wales Theatre, dem Savoy Theatre, dem Daly‘s Theatre, dem Drury Lane Theatre und schliesslich, ab 1915 bis zum seinem Tode, an His Majesty‘s Theatre. Seinen sicherlich grössten Erfolg erlebte er 1913 mit dem Musical Chu Chin Cho von Frederick Norton, das er orchestrierte und dirigierte. Auch schrieb er den erfolgreichen Nachfolger Cairo, der in mehr als 200 Aufführungen zu hören war. Ebenfalls erfolgreich war The Good Old Days, sein Musical von 1926.

Als Musiker war Percy Fletcher vielseitiger, als man vermuten mag. Einerseits schrieb er zahlreiche Lieder und Balladen für den Hausgebrauch, die man heute noch auf alten 78er – Aufnahmen hören kann – Kitty, Secret of My Heart, The Bells of Youth – und lieferte Vertonungen für andere Autoren (wie das einst sehr beliebte Indian Love Lyrics von Amy Woodforde-Finden). Er schuf Chorwerke (von denen The Passion of Christ von 1922 bei Kirchenchören sehr populär war). Auch schrieb er viele Suiten für Unterhaltungsorchester, wie Rustic Revels von 1918 und Woodland Pictures aus dem Jahr 1921. Seine bekannteste Suite war Parisian Sketches von 1914, deren Satz Bal Masqué neben seiner Ouvertüre Vanity Fair noch heute dem einen oder anderen bekannt sein mag.

Flechter langlebigster Beitrag zur Musik entstand im Jahr 1913, als man ihn bat, eine Komposition für den National Brass Band Championships zu liefern, der im Crystal Palace abgehalten wurde.

Blechblaskapellen waren damals sehr beliebt in den Zechen und Fabriken des industriellen Britanniens und hatten sich eine gut organisierte Struktur geschaffen, inklusive einiger nationaler Wettbewerbe. Die Kapellen und die lokalen Chöre waren für viele Arbeiter der Industrieregionen – es waren hauptsächlich Männer – die einzige kulturelle Betätigung. Man spielte Kornet, Saxhörner verschiedener Grössen und Posaunen. Mit dem Aufkommen der Bandbewegung entwickelte sich eine neue und sehr spezielle Standardisierung der Musik für Kornett und Saxhörner, in der die Instrumente transponierend im Violinschlüssel geschrieben wurden – dass galt sogar für die Bass – Tuba! So war jeder, der eines der Instrumente zu spielen gelernt hatte, in der Lage, zu einem anderen Instrumententyp zu wechseln, ohne das er die Technik wiedererlernen musste – ein entscheidender Faktor, um die personelle Kontinuität der Kapellen zu garantieren. Auf diese Weise wurde mancher Musiker belesener in der Musik, als er es in der eigenen Sprache war.

Die Kapellen wurden gewöhnlich von der jeweiligen Zeche oder Fabrik (die wahrscheinlich auch Eigentümer der Instrumente waren) bezuschusst und unterstützt, obwohl sich für einige auch die Gemeinden engagierten. Es überrascht nicht, dass gegen Ende des 19. Jahrhunderts der öffentliche Wettstreit in den Kalender der Kapellen an oberster Stelle stand. Er wurde zum kulturellen Äquivalent des Fußballs.

Der schwache Punkt dieser musikalischen Bewegung war die Musik, die gespielt wurde. Hymnen, Märsche und tagesaktuelle Schlager (oft mit Solist) bildeten die Grundlage der öffentlichen Aufführungen, aber als die Konkurrenz zunahm, wuchs auch das Gefühl, dass die Auswahl aus Klassik und Transkriptionen von Opernstücken nicht mehr ausreichte. Vor diesem Hintergrund nahmen die Organisatoren des National Brass Band Championships Kontakt zu einem anerkannten Komponisten aus einem anderen musikalischen Feld auf und beauftragten ihn mit einer Originalkomposition als Wettbewerbsstück für die Ausscheidung von 1913, die im Crystal Palace im Londoner Süden stattfinden sollte. In den vergangenen fünf Jahren hatte man Transkriptionen von Wagners Ouvertüren zu Rienzi (1908), Der fliegende Holländer (1909) und Rossini’s Guillaume Tell (1912) gespielt, zusammen mit einer Auswahl aus Meyerbeers Les Hugenots (1911) und einer Kompilation genannt Gems of Schubert (1911).

Percy Fletcher nahm den Auftrag an, ein Originalstück zu komponieren, und war damit der erste anerkannte Komponist, der “ernste” Musik für Blaskapelle schreiben sollte. Sein erster Beitrag zum Genre, das 1913 vollendete Tongedicht Labour and Love, war kein “modernes” Werk, es gehörte mehr der Stilistik und emotionalen Welt eines Liszt oder Tschaikowsky an als der von Richard Strauss oder Elgar. Aber es war ein “Original”, geschaffen für diesen Anlass, und es war erfolgreich gerade deswegen. Die National Championsships wurden bis 1920 ausgesetzt, aber als man sie wieder aufnahm, wurden nur Originalkompositionen gespielt, bis in den Fünfziger Jahren gelegentlich wirkungsvolle (und technisch höchst anspruchsvolle) Transkriptionen einer Ouvertüre zugelassen wurden. Wichtiger aber war noch immer die Liste der von Komponisten gelieferten Wettbewerbsbeiträge. Seinem Erfolgsstück liess Percy Fletcher die Epic Symphony (1926) folgen und ermutigte auf diese Weise die Leitung der Blaskapellen, an weitere Komponisten heranzutreten. Gustav Holst, Edward Elgar, Granville Bantock, John Ireland, Herbert Howells, Ralph Vaughan Williams, Arthur Bliss, Edmund Rubbra und Gordon Jacob – sie alle schrieben Wettbewerbsstücke.

Labour and Love besteht aus einer Reihe von Vignetten, die im Grossen und Ganzen dramatische mit sanften Momente kontrastieren, und in denen das eröffnende Material Transformationen im Lisztschen Stil unterzogen werden, bis es zu einem emphatischen Schlussbild kommt, das von den Posaunen getragen wird.

Der Gewinner des Wettbewerbs von 1913 war die Irwell Springs Band aus Rochdale nahe Manchester. Ein lokaler Poet verewigte die Blasmusikkapelle in Versen:

“Labour and Love” – so was this music named,

That brought together bands renowned and famed;

You’ve worked and won, and now you stand above,

You had the Labour first – now take the Love.

Die Partitur

Die Kompositionen für Blechblaskapellen wurden schon sehr früh vereinheitlicht, um Chancengleichheit und Konsistenz für die Wettbewerbe zu garantieren. Für diese Anlässe bestanden die Bands normalerweise aus 25 Spielern, die Perkussion nicht mitgezählt. Sie waren in folgendem Verhältnis besetzt:

1 Sopran – Kornet

3-4 Solo – Kornette

1 Repiano – Kornet (eine ungewöhnliche Schreibweise von ripieno)

2-3 zweite Kornette

2-3 dritte Kornette

1 Flügelhorn

1 Solo Tenor – Horn (üblicherweise genannt Solo Horn)

1 erstes Tenor – Horn (üblicherweise genannt erstes Horn)

1 zweites Tenor – Horn (üblicherweise genannt zweites Horn)

1 erstes Bariton – Horn (üblicherweise genannt erstes Bariton)

1 zweites Bariton – Horn (üblicherweise genannt zweites Bariton)

1 erste Posaune

1 zweite Posaune

1 Bass – Posaune

1-2 Euphonium

2 Es – Bass – Tuba (üblicherweise genannt Es – Bass)

2 B – Bass – Tuba (üblicherweise genannt B – Bass)

Ausserdem 1 – 2 Perkussionisten, (bis in die 1970er Jahre war diese Instrumentengruppe nicht zugelassen).

Labour and Love folgt ganz den üblichen Gepflogenheiten einer Partitur für Blechbläser – alle Kornette und Saxhörner sind als transponierende Instrumente im Violinschlüssel geschrieben, unterscheiden sich aber von modernen Partituren in zweierlei Hinsicht. Erstens fügt Fletcher einen Part für das dritte Tenor – Horn hinzu (tatsächlich handelt es sich um ein viertes, da das erste Horn mit Solo – Horn bezeichnet ist). Dies ist in modernem Notenmaterial unbekannt, das nur drei Tenor – Hörner aufweist (Solo, erstes und zweites Horn). Die vorliegende Partitur versucht, anzuzeigen, wo nur das zweite Horn gespielt werden soll, indem es an jenen Stellen das dritte auslässt, um so eine bessere Balance zu gewährleisten. In der Originalpartitur findet sich eine solche Anleitung nicht.

Ausserdem schreibt Fletcher die erste und zweite Posaune im Tenorschlüssel. Heute ist es üblich, diese beiden Parts als transponierende Instrumente im Violinschlüssel zu schreiben (dies gilt auch für das Euphonium). So bleibt die Bass – Posaune allein übrig als Instrument, das in seiner eigenen Stimmung geschrieben ist.

Eine Tabelle der Transpositionen findet sich am Anfang der Partitur.

Phillip Brookes, 2012

Aufführungsmaterial ist über Musikproduktion Höflich (www.musikmph.de), München zu beziehen.